PARTE II: Cómo la música de iLe habla de qué significa ser mujer

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

En la PARTE I aprendimos cómo iLe crea su música boricua y latinoamericana. Ahora, vamos a adentrarnos en cómo utiliza su arte de la música para hablar de qué significa ser mujer. Recordemos que iLe piensa que ser latinoamericana y ser mujer comparten ciertos elementos de colonización.

También cree que comparten la sensación de reconocer su propio poder. Ser mujer siempre es algo difícil y existencial de explicar para ella. Definitivamente es muy poderoso y es estar constantemente reclamando ese poder.

“Ser mujer definitivamente puede cansar mucho, pero a la vez es como un lado importante. El hecho de que le demos importancia a las emociones, esa es nuestra herramienta más fuerte como mujeres”, dijo iLe. “No solamente nos recuerda a nosotras mismas la importancia de sentir, sino que también les recuerda a otras personas, a los hombres sobre todo, que las emociones son importantes y que hay que prestarles atención”.

Y ella le presta mucha atención a sus emociones cuando crea su música. A veces es un abismo o muchos abismos distintos. Sale y entra. Vuelve a salir y vuelve a entrar. Es un proceso psicológico donde, de repente, no tiene ganas de hablar de ciertas cosas. La obliga a ponerle palabras a lo que está ignorando y también a lo que está sanando.

Es un proceso emocional donde se detiene a escribir para apalabrar sus emociones, lo que está sintiendo o lo que quiere decir. A veces siente que no quiere hacerlo, pero cuando lo logra se siente brutal. A pesar de ser un camino duro, agradece a la música como herramienta para poder hacer eso.

“Cuando, de repente, estoy apalabrando cosas sin saberlo, con la instrumentalización, el ritmo y la melodía, de repente, es otra manera”, dijo iLe. “Quizás es como medio trazar y ponerles colores a cosas. A veces ponerle colores, quizás puede ser más divertido. Cuando trazas la forma, que no sabes qué forma quieres hacer, esa parte puede ser como más dura”.

Cuando logra trazar esa forma, el proceso se vuelve más fácil. Fluye mejor y le ayuda a lidiar con la presión de escoger esas palabras para que la audiencia le entienda claramente.

También, las emociones que surgen en pleno proceso, incluyen la frustración, la calma, la tristeza, el amor y la contemplación. La alegría suele ser lo último que aparece. No todos los días se despierta igual. Hay días que está más asertiva y hay otros que se siente más perdida. También siente que es un proceso hormonal constante a la hora de componer.

“Como que a veces estás menstruando y estás como [hace ruidos de frustración], pero de repente, como que cuando tratas de ponerles palabras, te compensa un poco ese sentir medio extraño del momento y te ayuda”, dijo iLe. “Entonces, después lo vas modificando con otro proceso hormonal que tienes otro día”.

Qué significa ser mujer

Además de la parte hormonalmente creativa, iLe tiende a cantar y reflexionar sobre lo que implica ser mujer a través de los conceptos de sus piezas. Esto queda claro en distintas canciones como “Regáñame”, “En Cantos”, “traguito” y “ALGO BONITO”.

“Regáñame” no es de su autoría. Es del compositor puertorriqueño Héctor Flores Osuna y es parte del último álbum de iLe llamado “Cómo Las Canto Yo”, que en su mayoría son covers de boleros que ella creció escuchando. Para ese disco decidió enfocarse en boleros tóxicos y con “Regáñame”, se dio cuenta que es una pieza bastante violenta.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

Al principio de la canción, ella da una explicación previa donde dice que se dio cuenta que la pieza suena bien distinta cuando es cantada por una mujer. Esa explicación en particular es porque se cuestionó a sí misma y empezó a ver la perspectiva del patriarcado. La letra dice: “regáñame, pégame. Mátame si quieres, corazón” y cuando es cantada por una mujer, el impacto es más fuerte.

“Fue todo un análisis. Yo siento que como pasa con muchos boleros viejos, que dicen unas cosas muy fuertes y muy duras”, dijo iLe. “Que tú dices como: wow, qué difícil cantar algo así, pero a la vez te conecta con una realidad dura que sigue existiendo”.

Con la interpretación de iLe, la canción se vuelve sumamente compleja y cruda al hablar de una realidad muy presente para muchas mujeres alrededor del mundo. Para ella, la canción también reflexiona sobre el miedo constante de andar sola por las calles y se preguntó cómo puede dejar de sentirlo.

Su respuesta es confrontar un poco al patriarcado de frente.

“Es abrir el cuestionamiento de: ¿por qué sientes que se te hace distinto a que una mujer cante esta canción a que la cante un hombre? Entonces, es poner sobre la mesa un cuestionamiento que no siempre nos hacemos”, dijo iLe.

Con la canción “En Cantos”, en colaboración con la reconocida artista mexicana Natalia Lafourcade, la historia es diferente. Esta se trata sobre endiosar esas figuras que le llaman la atención y no sabe por qué. Esa atracción hace que las engrandezca y cuando se acerca a dichas figuras, tal vez no era lo que esperaba.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

Es una canción que considera como un despliegue bien femenino y emocional hacia esa sensación de engrandecer una figura. En cuanto a “traguito” – que es una colaboración con la reconocida artista chilena Mon Laferte – la pieza trata sobre sentirse limitada por otra persona. Ese sentimiento de cuando se está con alguien que no deja a la otra persona ser o le molesta su forma de ser.

“Al final ya te das cuenta que mejor estar sola que mal acompañada. Traguito es un poco esa auto determinación de no dejarse manipular por nadie”, dijo iLe. “O dejar de ser como una quiera ser por otra persona, sino decidirse ser como una quiere y no tolerar a esas otras personas que no te dejan ser como tú quieres ser”.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

Se trata de no tener miedo de ser como una quiere. Se trata de tener esa propia determinación y poder de sí misma como mujer. Igual que en la canción “ALGO BONITO” en colaboración con la reconocida artista puertorriqueña Ivy Queen.

En esta pieza, iLe e Ivy buscaban hablar de ese lado más rabioso. De permitirse sentir rabia, coraje y frustración por las limitaciones que les pueden poner como mujeres en este mundo.

“Es un mundo también, es una sociedad, que casi nos obliga a ser compasivas todo el tiempo. A no poder tener permiso de sentir rabia o coraje o frustración, sino todo el tiempo hay que estar en control de lo que sentimos y estar todo el tiempo aguantando lo que sentimos”, dijo iLe.

Se trata de darse el permiso de sentir todas esas emociones y entender que merecen también ese espacio. Se trata también sobre estar constantemente recibiendo ataques a lo que son, a cómo quieren ser y a su lugar en este mundo como mujeres. Saber sobre todo lo que les corresponde y cómo muchas veces se les arrebatan esas cosas.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

Es un espacio libre para sentir todas esas emociones que muchas veces son mal vistas y no deberían de ser asociadas con las mujeres porque una mujer se entiende como alguien «compasiva» ante los estereotipos de la sociedad.

Creando con mujeres poderosas

Por eso, ellas creen en algo bonito que sea un espacio para liberar esa emoción. Es simplemente algo bonito. O un traguito. O algo bonito en cantos. Son canciones de iLe de su álbum “Nacarile” donde tuvo la oportunidad de colaborar con estas tres artistas de mucha trayectoria. En el momento en que creó ese disco, todo era un proceso nuevo para ella donde se dejó llevar por lo que estaba sintiendo en el instante.

“En esas canciones me dejé llevar como con estas intérpretes muy poderosas también. Que tienen su lugar musical y femenino muy claro. Para mí eso es súper valioso y súper importante”, dijo iLe. “Para mí también son mujeres poderosas. Creo que eso ya eleva la canción a otra dimensión y le da aún más fuerza de la que ya tiene”.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

Esas colaboraciones tan mágicas y fuertes se dan porque ser mujer siempre se va a tratar de ser poderosa para iLe. Por eso utiliza su música para hablar de estos temas. Es su herramienta para expresar su sentir ante ciertas cosas y reconocer la solidaridad que también existe entre mujeres.

Con su música ha podido percatarse que se tienen las unas a las otras. Que están ahí para apoyarse y que la competencia entre ellas fue algo construido por el patriarcado. Como mujeres, al final, pueden entenderse mejor entre sí y así es cómo se va amplificando la importancia de esa solidaridad.

Esa solidaridad también se amarra con su orgullo de ser latinoamericana y puertorriqueña.

“Con todas las complejidades que hay y todas las luchas que uno siente que tiene constantemente y todas las incomodidades que puede haber, al mismo tiempo me honra muchísimo ser puertorriqueña. Ser latinoamericana”, dijo iLe. “Sentir que tengo una gran familia conmigo siempre. Sentir que puedo contar con tantos países y sentirme acompañada. Eso es lo más hermoso del mundo”.

Es lo más hermoso del mundo para ella por su conexión con sus raíces, lo cual es simplemente parte de su música boricua y latinoamericana que habla de ser mujer. Es música inmersiva y sensorial que realmente le habla a su audiencia. Es música que busca siempre elevar y honrar a las mujeres, Puerto Rico y Latinoamérica. Es música que la hace sentirse orgullosa.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

“Creo que yo siempre desde chiquita intuía de alguna manera que iba a estar en la música. Me siento orgullosa de mí misma de haber logrado lo que quería. De todavía estar haciendo lo que me gusta y que la gente también me dé la oportunidad de seguir haciéndolo”, dijo iLe alegremente. “Que viva la música y que viva la vida”.

Para aprender más de cómo iLe crea su música boricua y latinoamericana, pueden seguirla en Instagram como @cabralu. Ella es una de las múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE I: Cómo iLe crea su música boricua y latina

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Desde bien chiquita Ileana Mercedes Cabra Joglar, mejor conocida como iLe, estaba bien inmersa en la música y el arte. Su papá es músico y publicista. Su mamá es actriz. Viene de una familia bastante grande donde siempre estaba creando música con sus hermanos y hermanas.

Recuerda que, de una u otra manera, en su casa siempre sonaban canciones e instrumentos de fondo. Había un piano y su papá toca distintos instrumentos que aprendió de manera autodidacta. El arte y la música ha estado presente en su entorno desde que tiene memoria y es algo que realmente no cuestiona porque fluye por su sangre. Sus inicios en la música fueron en su adolescencia como parte del grupo de hip hop alternativo puertorriqueño Calle 13, donde cantaba con sus hermanos René Pérez Joglar (Residente) y Eduardo José Cabra Martínez.

Por eso, para la artista, cantante y compositora puertorriqueña, estas disciplinas artísticas siempre han estado ahí sin pensarlo mucho. Brota de su ser y las entiende como maneras liberadoras para expresar sus sentimientos. Se trata sobre procesar todo lo que está pasando a su alrededor. Cree que el elemento vital para crear es que sea algo honesto.

“Creo que todos tenemos distintas maneras de expresar las realidades en las que vivimos y el arte para mí es una gran herramienta de escape también y de liberación. Donde tenemos esa oportunidad de construir el mundo en el que quisiéramos vivir a nuestra manera”, dijo iLe. “Expresarlo de esa forma, o quizás, hablar un poco de cómo percibimos el mundo en el que estamos, de una manera realista”.

Siente que es algo moldeable donde no hay limitaciones para crear. También siente que es esa herramienta para abrir la perspectiva y cuestionarse cosas importantes en un mundo que está tan limitado o tan oprimido. Por eso le gusta poder experimentar y explorar tantos sonidos.

El sonido en sí, representa una manera de detenerse un poco y apreciar las cosas a su alrededor. El sonido le permite cerrar los ojos y simplemente estar en el presente escuchando.

“Cuando cerramos los ojos y solamente estamos escuchando, de momento se activan otros sentidos. Prestamos más atención a unas cosas que, visualmente, quizás nos distraen más”, dijo iLe. “Pienso que el sonido y la música nos conecta un poco más con el latir. Con nuestro corazón y con lo que somos. Y es como eso mismo cuando cerramos nuestros ojos y prestamos atención a nuestro pulso, a nuestro latir. De repente, lo podemos percibir mejor”.

Además de permitirse cerrar los ojos y experimentar los sonidos profundamente, también cree que la música tiene un lenguaje universal que provoca distintos sentimientos. La música le permite sentir por medio de las palabras o simplemente con algo instrumental. La conmueve y la transporta a distintos espacios y sensaciones. Le permite conectar con cosas que no son “lo mismo de siempre”. La deja contemplar lo que somos como seres humanos, el mundo en el que estamos y la naturaleza con la que convivimos.

No sabe cómo definirse como artista, pero sí sabe cómo le gusta crear su música. Por eso tiene muchos procesos a la hora de crear sus álbumes y canciones.

Para este punto de su carrera ya ha sacado cinco discos: iLevitable (2016), Almadura (2019), Nacarile (2022), iLe en el Anfi (Live – 2024) y Como Las Canto Yo (2025). iLevitable le ganó el Grammy anglosajón en la categoría “Mejor álbum rock, urbano o alternativo” en el 2017. También ha tenido múltiples nominaciones a los Latin Grammys en distintas categorías y ha sido galardonada con muchos otros premios más.

El proceso musical

Ahora, detengámonos para entender cómo es que ella crea su música boricua y latina. Dijo que su proceso tiene que ver mucho con lo que se sienta cómoda. Que también depende del momento en el que está y que muchas cosas no siempre están dentro de lo que tiene planificado. A veces se sorprende en medio del proceso. A veces la reta.

Pero siempre es raro.

“Porque uno tiene que estar constantemente buscándose y yo siento que eso es lo que me divierte también. A mí no me gusta sentir que estoy muy acomodada en algo. Me gusta estar retándome todo el tiempo”, dijo iLe. “Me gusta seguir conociendo más sobre mí misma y explorando. Creo que siempre y cuando sea desde un lugar muy honesto y desde algo que yo quiero, siento la necesidad de trabajar con eso”.

Para ello, tiene que escucharse a sí misma. A su intuición, que a veces tiene respuestas y a veces no. A veces hasta tener el disco completo es que entiende un poco de dónde vino todo. Cada álbum es distinto, pero sabe que lo que tienen en común es que cada uno de ellos se convierte en algo. Sabe que es un trabajo en equipo.

Sabe que también el proceso de composición puede ser bien íntimo y solitario. También lo entiende como algo complejo que se va por un montón de abismos mentales. Puede ser que descubra muchas cosas nuevas, pero también puede ser que entre en un momento de bloqueo. Todo cambia de acuerdo a la música que esté haciendo y son momentos donde aprende mucho, por lo cual siempre está agradecida.

Luego, a la hora de escoger los instrumentos, ritmos y sonidos con lo que quiere trabajar, siempre depende mucho de su intuición con la que siente que quiere trabajar con un disco. Siente que en cada álbum se trata de un proceso donde al final todo termina convirtiéndose en un idioma.

“Uno tiene algo visualizado o un sonido en su mente. Entonces, es traducirlo y llegar a eso que tienes en tu mente. Que tú a veces puedes tratar de describirlo, pero no siempre puedes describirlo bien”, dijo iLe. “Entonces, cuando hay otra gente que te está tratando de entender, es como todo un tema. Yo siento que la intención es súper importante y que cuando tengo una intención clara de cómo quiero, de la atmósfera o del ambiente que lleva la canción o el disco, pues, eso ya me va abriendo más camino”.

Es algo bien sensorial que requiere de poder apalabrar lo que va sintiendo, pero lo más importante es que esté muy conectada con la base de cada álbum. A final de cuentas, lo define como algo bastante intuitivo.

Los tambores, la percusión y el piano

Es tan intuitivo, que la selección de sus instrumentos le viene muy fácil. Si nos detenemos a escuchar cuidadosamente, la música de iLe siempre tiene una base bien fuerte de tambores, percusión y piano. Desde siempre le ha gustado mucho la percusión. Es un pulso y un latir que la va llevando. Ya en cuanto al piano, este fue el primer instrumento al que se acercó desde temprana edad.

“También es como una parte importante que me gusta. Estar en ese lado siempre va a ser duro y también como que entre ese otro lado más flotante. No sé. Creo que me bandeo mucho entre esas dos cosas. Quizás porque soy tauro”, dijo iLe riéndose. “Es como todo el tiempo que estoy entre ese lado más rígido y a la vez también me gusta escapar de esa rigidez y volar un poquitito”.

Además, el uso constante de la percusión también se puede ver como un reflejo directo de sus raíces puertorriqueñas y de querer honrar a la cultura afrocaribeña de su país. Es algo que está intrínsecamente conectado con el contexto cultural y social de su isla caribeña.

“Creo que también nosotros en Puerto Rico, al ser una islita tan chiquita de una colonia de Estados Unidos, siento que desde hace mucho tiempo hemos sido invisibilizados. Había mucha gente antes que ni siquiera sabía de la existencia de Puerto Rico”, dijo iLe. “Y ahora mismo, todo el mundo sabe de Puerto Rico. Todo el mundo quiere ser como Puerto Rico y todo el mundo quiere visitarnos. Entonces, es como abrumador, pero desde un sentido extraño, pero lindo también”.

A veces se le hace raro tanta atención para Puerto Rico, pero también ha sido un momento para reforzar la cultura de la isla. Para entender quiénes son y entender cada vez mejor su identidad.

“Estamos constantemente tratando de encontrar quiénes somos. Como que tenemos un problema de identidad”, dijo iLe. “De momento, sentir que mucha gente en muchos países está prestándonos atención a ciertas cosas que nosotros hemos minimizado por tantos años. Como nuestro acento. Como nuestra cultura. Nuestra manera de ser. Siento que nos ha dado mucha fuerza a darle valor a cómo somos y quiénes somos y eso nos fortalece”.

Y esa fuerza siempre está en su música, ya sea mostrando el orgullo por su identidad puertorriqueña o creando piezas que hablan de manera más amplia sobre la identidad latinoamericana. Siente que es súper importante darles fuerza a esos dos elementos primordiales y enfatizar el valor que tiene Latinoamérica.

“Siento que también estamos rodeados de muchos imperios. De mucha colonización y hay que estar también constantemente reclamando esa autosuficiencia. Ese poder que tenemos nosotros como una gran familia latinoamericana”, dijo iLe.

Cree que cuando las personas de Latinoamérica se den cuenta de su propio poder, ahí sabrán qué hacer. Por eso ve importante darle valor y reconocimiento a ello y buscar descifrar una manera en cómo construir un propio poder sin necesidad de abusar de él para utilizarlo de una forma más bonita.

Piensa que todavía falta mucho para llegar a ello, pero con su música y arte trata de ir sobreviviendo a ello. Trata de nutrirse lo más que puede de sus alrededores puertorriqueños y latinoamericanos para crear y regresarle el poder a Latinoamérica con creaciones culturales.

Cantando “LO QUE LE PASÓ A HAWAii” en Puerto Rico

Esto se puede notar específicamente en la presentación en vivo que hizo durante la Residencia “No Me Quiero ir de Aquí” de Bad Bunny en Puerto Rico. El artista puertorriqueño y su equipo la invitaron a cantar en vivo en el Coliseo de Puerto Rico José Miguel Agrelot la canción “LO QUE LE PASÓ A HAWAii”.

“Fue bien linda la invitación. Es una canción que justamente nos recuerda también la realidad dura en la que estamos viviendo aquí en Puerto Rico, tanto como en otros países”, dijo iLe.

Para esa canción en específico, iLe quiso hacer una presentación en donde el lamento, la lucha y la protesta se sintieran en su canto. Dijo que la canción, musicalmente se siente como un lamento y una tristeza. Que se pueden confundir con el sentir político de la misma pieza, ya que habla de los problemas de gentrificación, la preservación de la identidad en Puerto Rico y querer evitar que a la isla le pase lo mismo que le pasó el estado de Hawái con Estados Unidos.

“Siento que el lamento no puede diluir la protesta ni la fuerza. Si no, el lamento es lo que nos impulsa a reconocer la lucha”, dijo iLe. “Entonces, siento como que esa canción se bandea entre esos dos sentimientos y a la hora de interpretarla, yo quise también subrayar más el lado de lucha y el lado de fuerza que tiene la canción en vez de darle más lamento”.

Quiso darle el sentido de lucha porque también es una canción que resuena mucho con ella. Vibra mucho con ella y por eso se le hizo natural conectar con la pieza musical. Tuvo que adaptarla a su voz porque tenía que cantarla en el mismo registro de la voz de Bad Bunny. Esa parte en particular fue bastante retadora para iLe y tuvo que practicarla muchas veces porque sabe que es una canción muy emocional.

Y cuando una interpretación es así, las emociones a veces la pueden traicionar en vivo. Tuvo que practicar también a soltar un poco de la parte emocional de la canción para poder controlar su performance. Tener su voz en control y darse el tiempo necesario para perfeccionar su arte de la música.

Una vez que eso está bajo control, en el escenario libera todo y es bien bonito. Había muchas emociones cuando se presentó en vivo y supo cómo controlarlas. Fue bien bonito para ella ver la reacción del momento, pero también fue una sorpresa.

“Porque aquí como colonia, uno no sabe bien cómo van a reaccionar, pero de verdad que fue sorpresivo. Porque mucha gente conectó también un poco con lo que yo quise transmitir, que fue mi manera, pero fue lindo también sentir esa conexión. Esa energía con el público”, dijo iLe.

Cuando iLe canta en vivo, no suele tener expectativas. Simplemente conecta con lo que quiere transmitir y tiene claro que lo que quiere hacer. Lo suelta, lo comparte y lo recibe quién quiera. Es sentir la complicidad en el momento con su público. Que simultáneamente puedan cuestionarse muchas cosas y saber, sobre todo, que al final se entienden entre sí más de lo que creen.

Por eso, esta canción en particular ayuda a cuestionar lo que está sucediendo en Puerto Rico y permite que la situación socialmente compleja no pase desapercibida.

“Siento que canciones como esta, nos dan perspectiva definitivamente de una problemática que no solamente pasa aquí en Puerto Rico, sino lamentablemente en muchos países, sobre todo, de minorías o localidades o áreas de minoría”, dijo iLe. “Y que hay que hacer algo al respecto. Estamos aquí para todo el mundo vivir en armonía y no es justo que se acomoden las cosas para un grupo selecto de gente únicamente, sino que el punto es que todos podamos vivir bien”.

Es así como iLe crea su música boricua y latina. Es música que busca retratar y reforzar el poder de Puerto Rico y Latinoamérica. Es música que crea una conexión emocional directa con la audiencia en donde su amor por la percusión y el piano están muy presentes. Es música que también conecta con lo que implica ser puertorriqueña, latinoamericana y mujer.

“Al final, todo se puede conectar hacia emociones bien similares. Como mujeres nos sentimos bien colonizadas. Como latinoamericanos nos sentimos colonizados”, dijo iLe. “Precisamente porque son esas otras personas que tienen poder que se percatan del poder que nosotros tenemos. Pero nosotros mismos no reconocemos tanto nuestro propio poder”.

Estén atentos la próxima semana para la PARTE II en donde exploraremos cómo iLe utiliza su música para hablar de qué significa ser mujer.

Para aprender más de cómo iLe crea su música boricua y latinoamericana, pueden seguirla en Instagram como @cabralu. Ella es una de las múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

En la adolescencia Nelson Díaz Brenes ya estaba en la casa cultural Casa de la Ciudad del Tecnológico de Costa Rica (TEC) llevando sus primeros cursos de arte, pintura al óleo y dibujo. Fue la primera vez que tuvo contacto con el arte y ya sabía que quería ser pintor. En esas primeras interacciones, lo que inicialmente le llamó la atención fue el surrealismo y las obras de Salvador Dalí.

Eso lo enamoró instantáneamente y lo llevó a sacar un bachillerato de artes plásticas con énfasis en pintura y su licenciatura en la Universidad de Costa Rica (UCR). La llama por el arte siempre ha estado encendida y también, esa hambre por aprender cada vez más de distintas disciplinas artísticas. Actualmente se encuentra sacando su maestría en artes con énfasis en cinematografía.

Ese gusto por las artes nunca lo ha perdido y siempre lo mantienen activo en explorar nuevas técnicas y estilos, ya sea como artista, galerista o profesor. Díaz Brenes ha tenido múltiples trabajos en distintos espacios como la Casa de la Ciudad del TEC, la Universidad Creativa y actualmente como profesor en el TEC en la provincia de Cartago.

“Durante más de diez años he desarrollado exposiciones de artistas tanto emergentes como más consolidados y mi visión ha sido darle apoyo al artista que no es el más reconocido”, dijo Díaz Brenes. “Al artista que está en un proceso medio o incluso, debutante. Porque simple y sencillamente cuando yo era artista emergente, fue muy difícil ingresar a los espacios de validación”.

Con esa visión de crear espacios para artistas emergentes, Díaz Brenes ha podido experimentar el arte desde otra perspectiva. Últimamente ha estado explorándolo desde la temática del pensamiento crítico. Quiere tratar exposiciones interesantes desde lo estético hasta lo político. Que provoquen una reacción en el público y que reflexionen sobre el contexto actual en el que vivimos.

Su visión también se acuerpa en la filosofía que uno de sus amigos una vez le mencionó. Algo que lo marcó como artista, profesor y galerista.

“Este compañero y amigo de la universidad, Yamil de la Paz, recuerdo que en sus momentos me había dicho que uno tiene que actuar localmente para afectar globalmente”, dijo Díaz Brenes.

Ese lema se le quedó grabado al artista costarricense y por eso le gusta trabajar desde Cartago. Sabe que ningún artista quiere ir a esa provincia porque está bastante lejos y todo el mundo quiere estar en San José. Él quiere actuar desde Cartago porque ve que ahí todavía no hay muchos espacios culturales, museos, desarrollo o presupuesto artístico. Por eso trata de gestar arte, proyectos, exposiciones, charlas y talleres en diferentes espacios cartagineses.

También, les enseña a sus estudiantes sobre dibujo, fotografía, collage y stop motion. Hace exposiciones con el estudiantado donde toca temas complejos y delicados como el aborto y la discriminación hacia la población LGBTIQ+. Le gusta que los proyectos que desarrolla tengan una extensión social y un impacto en la comunidad de Cartago.

“Como profesor, también los llevo a exposiciones que yo mismo como curador organizo. La docencia y la parte de galerías están mancomunadas en que una me sirve para llevarle público a las exposiciones”, dijo Díaz Brenes. “A las inauguraciones siempre van mis estudiantes y público general, pero también es porque es parte del curso. Visitar las exposiciones. Conocer a los artistas. Analizar obras”.

El artista multifacético

Y como artista, Díaz Brenes siempre explora múltiples técnicas y disciplinas artísticas que lo mantengan entretenido. Le gustan la pintura al óleo, los acrílicos, el cine, el arte digital, el grafiti y más.

Su carrera empezó con el óleo y los acrílicos, pero cuando iniciaba como profesor en el TEC, se dio la tarea de aprender sobre el grafiti y el arte urbano. Tenía estudiantes interesados en el grafiti y necesitaban un profesor que supiera de ello.

“Mi forma de aprender grafiti para poder dar talleres de grafiti a jóvenes de la comunidad, fue ir y hacer grafiti con grafiteros”, dijo Díaz Brenes. “Me hice amigo de algunos que no eran como muy reputados dentro del gremio, pero sí estaban en el gremio. Entonces, hicimos un crew”.

El crew se llamaba Los niños perdidos, que estaba un poco inspirado en el cuento de Peter Pan. El grafiti lo llevó a pintar a Tijuana, México en una residencia llamada Fronteras hace más de diez años. Le gustaba mucho el anonimato que el grafiti le daba y su nombre de calle es Misha por el osito Misha de la fábula que él veía cuando era un niño.

Además, en ese entonces, ya él no quería nada conceptual o riguroso académicamente. Quería divertirse y hacer lo que hacía de niño. Por eso pintaba un oso de peluche y barcos de papel grandes.

“Mi alter ego es como un oso. Las palabras siempre tenían figuras como de juguetes y duendes. Me gustaba mucho pintar duendes”, dijo Díaz Brenes.

Además del grafiti, también le gusta mucho la fantasía y el realismo mágico, pero en su faceta actual como artista está más concentrado en el arte crítico. Tampoco pertenece a un solo nicho porque le gusta tener una exploración y experimentación más profunda y amplia.

El beso fraternal de Elon Musk y Donald Trump

Esa es una de las razones por la cual su obra “El beso fraternal / Dios mío, líbrame de este amor tan mortal” está participando en nuestra exposición “TE ODIO: El odio como estrategia de poder, control político y social”.

Cuando Díaz Brenes vio la convocatoria, ya tenía la espinita del arte crítico político. Esta pieza en particular viene de una nueva serie que él ha estado desarrollando basado en el concepto del meme.

“De hecho, la idea se llama memética porque la memética es el estudio de los memes y los memes son las imágenes que se reproducen viralmente”, dijo Díaz Brenes.

Para poder crearlas, su proceso empieza con Díaz Brenes consumiendo noticias constantemente. Lee medios nacionales como DelfinoCR y Amelia Rueda y se informa internacionalmente con Al Jazeera. Toma capturas de las noticias.

Consume y consume noticias. No se detiene. Se pregunta cómo convertir eso en arte. Cómo aprovechar las noticias para encausarlo en materia artística. Se da cuenta que lo más práctico es agarrar esas capturas de noticias y hacer fotomontajes con aplicaciones. Lo genera a partir de lo que se le ocurre en el momento.

“Lo que hago, por ejemplo, son fotomontajes. Son intervenciones digitales con aplicaciones. Ya no hay que tener un software caro”, dijo Díaz Brenes. “Ya ahora se puede usar una aplicación con inteligencia artificial. Con herramientas de filtros. Con mejoras de todo tipo. Están a la mano”.

Empieza a generar una imagen que le divierta a partir de la captura de alguna figura pública. Piensa que puede ser cualquier personaje y luego, le agrega tatuajes en la cara porque este otro tipo de arte lo tiene sumamente fascinado. Le parece un nuevo arte transgresor.

También lo hace porque sabe que vive en Costa Rica y está ejerciendo su derecho a la libertad de expresión.

“Por eso es que no me dio tanto miedo – aunque sí me dio un poco de miedo – de mostrar la propuesta de Donald Trump y de Elon Musk. Soy un artista costarricense. No estoy en los Estados Unidos”, dijo Díaz Brenes.

Defensor del pincel y el pixel

Le interesa ser un artista crítico por medio de esta obra y también abrir el tema delicado del por qué pintar y no simplemente imprimir una imagen.

“Yo soy un defensor del arte plástico con pincel, pero también me encanta el pixel”, dijo Díaz Brenes.

Le encanta el pixel y por eso lo aprovechó al máximo creando la pieza de “El beso fraternal / Dios mío, líbrame de este amor tan mortal”. A Díaz Brenes se le ocurrió crear una versión nueva de “El Beso Fraternal” de Dmitri Vrubel pintado sobre el Muro de Berlín en Alemania. Quería poner al presidente estadounidense Donald Trump y el empresario sudafricano Elon Musk en su obra.

Aprovechó el contexto de la controversia de Musk y Trump teniendo problemas en junio. Ya que Díaz Brenes previamente tenía su concepto de estas obras relacionados con memes, él la propuso en la convocatoria de la exposición “TE ODIO”. Inicialmente, la obra iba a ser un óleo o un acrílico con una pincelada tosca al estilo de Velázquez, pero en medio proceso de selección se dio cuenta que quería que la obra tuviese tatuajes y grafiti.

En una semana, estuvo trabajando todos los días para crear la obra que lo dejara satisfecho a nivel visual y crítico. Utilizó la inteligencia artificial como una herramienta para empezar a generar distintas imágenes. Luego, empezó a mezclar las imágenes que iba creando – como cierto tipo de collage – para luego agregarle más imágenes que encontraba en Internet del Muro de Berlín donde habían grafitis.

Generó múltiples opciones hasta llegar al resultado donde Trump y Musk sí se parecieran bastante. En algún momento consideró pintar la imagen que creó, pero no iba con su cuestionamiento de por qué pintar y además, se dio cuenta que la obra parecía un retablo de una fotografía del muro de Berlín de estas dos figuras públicas de la actualidad. Entonces, no tenía sentido agregarle pintura.

“Es una impresión digital de una imagen que tiene trabajo digital, pero que también tiene interacción de imagen con inteligencia artificial”, dijo Díaz Brenes.

Con eso, Díaz Brenes sabe que hablar del uso de inteligencia artificial en su arte puede ser algo que genere cierto descontento. Sabe que es un tema sensible y delicado, pero también se ha informado para entender múltiples opiniones como las que investigó del artista y YouTuber español Antonio García-Villarán.

“Lo que dicen es que, si uno lo utiliza como un medio para luego intervenirlo y obtener otro resultado, es válido. Eso por ahí es como una de las referencias que tengo”, dijo Díaz Brenes. “Que se utiliza y da unos resultados posteriores, eso puede llegar a ser considerado válido”.

El odio y el amor

En cuanto a la temática, Díaz Brenes también utilizó la pieza para reflexionar sobre el odio. Piensa que, para hablar del odio, debe hablar de su contraparte: el amor. Para hablar de odio, la mejor forma es hablando de su antítesis. Piensa que alguien que esté dispuesto a amar, tiene que también estar dispuesto a sufrir.

Relaciona el binomio amor y odio en esa obra. La inspiración surgió a partir de la controversia y la noticia de la relación de poder entre estas dos personalidades del gobierno estadounidense. Una relación de poder que se estableció en la Casa Blanca y que luego se convirtió en todo lo contrario un par de meses después.

“Es una relación de amor que se volvió tóxica: rompieron y regresaron, y su relación de amor-odio se hizo viral y mediática a nivel internacional”, dijo Díaz Brenes. “Entonces, ese odio entre ellos dos fue lo que me inspiró a generar esta imagen en la que se besan, pero que todos sabemos que ese beso es un sentido figurado porque en realidad se da en el contexto en que ellos se están despreciando mutuamente”.

Por eso también, Díaz Brenes quiso tergiversar “El Beso Fraternal” original donde Vrubel hablaba de la Alemania socialista y la Rusia comunista. Díaz Brenes quiso traerlo a la actualidad con personajes de estos tiempos que generan una ambivalencia y contrariedad. Por eso también le agregó tatuajes faciales de una figura controversial y problemática como el rapero estadounidense Tekashi69.

Quería generar esos opuestos entre los personajes besándose y los tatuajes faciales. Quería generar una pieza que llama la atención – de manera positiva o negativa – de quien se topa con la obra. Quería provocar esa sensación extraña en el público por medio de opuestos y arte crítico político. Quería experimentar a ver qué pasaba y se dio cuenta la obra produjo un efecto positivo.

Todo el mundo tiene que ver con la pieza y se siente muy agradecido con la recepción de la obra. Encontró en su arte crítico una nueva vena para explorar y con la cual experimentar artísticamente. Se dio cuenta que puede utilizar el derecho de la libertad de expresión para hacer reflexiones subversivas sobre la política en la que nos desenvolvemos actualmente.

Logró también mezclar distintas disciplinas artísticas en una sola obra para hablar sobre el odio y el amor, pero también recordó que el arte le da sentido a su vida.

“Yo estaba trabajando para subsistir y ya. Esta exposición y otras que he logrado, significan eso. Significan un remontar en mi carrera, pero también para sentirme otra vez realizado como persona”, dijo Díaz Brenes. “Porque como profesional del arte, en esa exposición me sentí otra vez involucrado. Me sentí otra vez tomado en cuenta. No voy a decir que, reconocido, pero sí valorado”.

Para aprender más del arte crítico de Díaz Brenes, pueden seguirlo en Instagram como @nelsondiaz.art. Él está participando en nuestra exposición “TE ODIO: El odio como estrategia de poder, control político y social” hasta el 7 de diciembre.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Las hermanas Paula y Catalina Meléndez Munar crecieron en una familia donde las mezclas culturales siempre han sido naturales e innatas. Su papá era costeño de Cartagena, Colombia y su mamá es del interior de la ciudad de Bogotá. Por el lado de su papá, se criaron con una cultura muy caribeña y por el lado de su mamá, aprendieron de una cultura muy citadina y bogotana.

Esas combinaciones tan presentes en su casa, hizo que las diseñadoras y artistas colombianas vieran la coexistencia de culturas completamente distintas como algo normal. Nunca se lo cuestionaron realmente y simplemente es parte de su ser. Por eso, Paula y Catalina – sin darle mucho pensamiento – un día cualquiera en el 2019 decidieron crear Reguetón Renacentista.

“A veces creo que las personas tienen muchas expectativas de que fue un proceso muy místico que pasó para crear Reguetón Renacentista, pero en realidad todo empezó un día muy casual en nuestra casa”, dijo Catalina riéndose. “Yo creo que yo llegué a la casa y mi hermana me dijo: oye, ¿por qué no hacemos una cuenta de memes de reguetón? Bueno, con letras de reguetón y obras del renacimiento”.

Empezó con un concepto de “cuenta de memes”, pero nunca ha sido un meme. Es diseño gráfico en forma de “obras de arte maridadas con pinturas renacentistas”, como dice la biografía de la cuenta en Instagram. También es diseño gráfico que se podría interpretar como arte que utiliza las redes sociales como su lienzo y su medio de difusión para llegarle a un público masivo.

Es arte porque crean sus piezas a partir de la mezcla distintas disciplinas como la música y la pintura, aunque sus creadoras no lo consideren arte ni tampoco se consideran artistas o diseñadoras. Paula estudió diseño industrial en la Pontificia Universidad Javeriana y trabaja en la industria de la moda. Catalina estudió diseño en la Universidad de los Andes y trabaja como diseñadora UX.

Ambas tienen cierto conflicto con llamarse a sí mismas artistas y diseñadoras.

“No sé si es como por la concepción como estructurada del arte. Quizás siento que es muy en contradicción en lo que hacemos en Reguetón Renacentista”, dijo Catalina. “Siento que soy un poco purista con eso y por lo mismo, creo que no me definiría a mí misma como artista. Pero sí puedo llegar a considerar por qué sería arte lo que hacemos. Lo veo como una contradicción”.

Por su parte, Paula siente que le cuesta reconocerse como diseñadora, pero al mismo tiempo piensa que es algo que ella simplemente es. Que, si no hubiese estudiado diseño, igual seguiría teniendo esa sensibilidad tan viva y ese gusto natural por cierto tipo de estéticas y expresiones estaría presente de manera inherente.

En el caso de ambas, su sensibilidad innata no la ven necesariamente expresadas en una creación tangible. Pero en Reguetón Renacentista esa sensibilidad es obvia para cualquiera que aprecie su diseño gráfico. El proyecto – hasta cierto punto – es el alter ego de ellas. Es un brazo y una extensión de las hermanas en donde pueden tener una opinión más firme de sus convicciones.

Las obras maridadas en el museo de los recuerdos

Por eso lo definen como obras maridadas con pinturas renacentistas. Donde las obras maridadas son las canciones de reguetón y el perreo, específicamente, de los noventas y los dos mil.

“Para nosotras Reguetón Renacentista se volvió como esas canciones que tú guardas en tu museo”, dijo Paula. “En el museo que hay en tu memoria y como esas canciones que merecen estar en ese museo de tus recuerdos”.

A raíz de ese concepto, entendieron el poder súper fuerte de la nostalgia por el reguetón y las pinturas del renacimiento del pasado. También se enfrentaron con la pena que en algún momento sintieron por hablar del reguetón y del orgullo por gustarles este género musical.

Luego, en algún momento tuvieron una ruptura con ese sentimiento y “gusto culposo” por el reguetón.

“Y dijimos como que: no. La obra en realidad es una frase de Wisin y Yandel. Es una frase de Daddy Yankee. Es alabar un beat de Tainy”, dijo Paula. “Y entendimos que obviamente nos encantaban las obras del renacimiento. Nos parecen hermosas, pero sentimos que en este momento lo que tiene más valor es como la nostalgia de ese tipo de canciones que publicamos”.

Por eso, a la hora de crear una de sus piezas que mezcla estos tipos de arte tan diferentes, el proceso requiere de una curaduría e investigación bien tediosa y detallada. Requiere que Paula y Catalina afinen su ojo crítico y refinen su escucha activa. Antes de empezar ese proceso, ambas tienen que tener muy claro qué significan el reguetón y las pinturas renacentistas para ellas.

“Para mí, el reguetón es como – así muchas personas puedan no estar de acuerdo y se puedan ofender al extremo con esto – yo siento que es una expresión de Latinoamérica unida y que creo que nos ha puesto como en el ojo del mundo”, dijo Catalina. “Que si bien, puede que tenga sus grandes peros, sí siento que culturalmente muchas personas crecieron con esto y ahora hace parte de algo que compartimos como latinoamericanos y que es nuestro”.

Además, ambas piensan que el reguetón se liga con la experiencia compartida de Latinoamérica. Es algo de Latinoamérica que también es reflejo de las situaciones sociales complejas. A pesar de las dificultades de la región, creen que el reguetón también permite a las personas tener el derecho a disfrutar y todo eso lo explican desde un punto de vista como consumidoras del género musical.

“Es que ese es el mensaje. Por más controversial, por nuestra herencia latina, que igual estamos bailando una canción mega funable [cancelable]”, dijo Paula. “Esto del disfrute y de la cultura latinoamericana, no está como de la mano con la industria del reguetón desde su producción y menos, con la distribución actual porque ya ahora el reguetón no es lo que era al inicio”.

Su consumo y gusto por el reguetón también sucede de manera muy natural por ser de Colombia, país que se ha convertido en uno de los puntos del mundo donde la producción de este tipo de música está más concentrada. Eso ha hecho que sea parte de la vida cotidiana de ellas y en parte, que también crecieran con él como un personaje más en sus vidas.

Que por más de que en algún punto de sus vidas sus padres no las dejaban escucharlo, la música simplemente se permeó en el ambiente en el que se desenvolvían. Saber que el reguetón les pertenece juega una contradicción y se une de manera armoniosa con su amor por las pinturas del renacimiento.

La relación entre el reguetón y las pinturas del renacimiento es tan clara para Catalina, que podría no tener sentido para otras personas.

“Esto que voy a decir, puede que también suene muy controversial, pero visto desde un punto de vista solo irónico, para mí el reguetón es a Latinoamérica como el renacimiento es a Italia”, dijo Catalina.

El proceso del reguetón renacentista

Con este concepto tan claro es que ellas crean las piezas de Reguetón Renacentista. Catalina piensa que el proceso es una ocurrencia del momento y algo bastante espontáneo. Para Paula, sí es algo que tienen bien curado desde la escogencia de las imágenes hasta la selección de las canciones.

En cuanto a las imágenes, tienen ya varias guardadas en una carpeta y se las envían entre ellas. Tienen una estética bien definida a partir de su ojo agudo. Desde un principio saben qué funciona y qué no. Escogen obras dentro de una variada selección de artistas como Sandro Botticelli, Tiziano, Miguel Ángel, Paolo Veronese, El Bosco, Rafael Sanzio y más.

Con respecto a las canciones, se esmeran en escoger frases que consideren icónicas. Esas que se queden en el museo de la memoria de las personas. Esas que sean memorables y que llamen la atención de quienes las siguen.

Tanto la escogencia de las frases y canciones, como la selección de las pinturas es lo que crea la estética que define a Reguetón Renacentista. Esta se reconoce por el uso de distintos tonos de rosado con tipografías blancas y las pinturas de fondo.

La paleta de color resulta de su decisión en querer que se supiera que son mujeres quienes están detrás de Reguetón Renacentista. También querían que se entendiera su perspectiva femenina del disfrute del reguetón retratada en acciones puntuales del diseño jocoso del proyecto.

“Como en el tipo de frases que elegimos. Por qué elegimos esa pintura. Por qué elegimos esa frase en específico. Por qué elegimos cierto tipo de emojis. Por qué publicamos ciertas frases”, dijo Paula. “Y elegimos a Venus como el símbolo de fertilidad, feminidad y sentimos que tal vez no lo decimos en la cuenta, [pero] sí configura en esa estética muy femenina sin decir que lo femenino sea, no sé, pelo largo, rosado”.

El humor jocoso

Sumado a la estética, algo particular que define sus obras multimedia, es este humor tan natural que probablemente conecta más con las personas. Es ese diseño jocoso que convierte las imágenes en algo absurdo, irónico y ridículo.

Paula piensa que una persona creativa, es una persona que tiene buen humor. Considera que ella y su hermana tienen buen sentido del humor y tienen la capacidad de encontrarle el chiste a cualquier cosa de manera rápida y veloz. Esa habilidad en particular les ha ayudado bastante.

Es otro elemento más de su sensibilidad innata.

“Por ejemplo, si tú le dices a un hombre: practique el doble machuca papas, te va a decir algo desde lo sexual. Desde la dominación. Desde ser el grande”, dijo Paula riéndose. “Pero podríamos decir: ¿por qué yo no puedo utilizar a Wisin como el machuca papas para promocionar un libro de cocina? Sabes”.

En ese diseño jocoso han encontrado que el reguetón también tiene muchas cosas ridículas. Logran ridiculizarlo tanto que llegan a un punto donde – irónicamente – terminan encontrándole una forma seria a lo que quieren comunicar. Lo han visto como un juego donde el reguetón se puede criticar – mayormente por su tendencia machista en el pasado – pero también se puede disfrutar desde un punto de vista gracioso.

Lo absurdo y ridículo del reguetón también tiene que coincidir con la escena chistosa que esté sucediendo en la pintura renacentista de elección. Lo jocoso se termina convirtiendo en algo serio al punto que distintas marcas e instituciones han confiado en Reguetón Renacentista para llegarle a un público mayor, ya sea por sus esperadas publicaciones de las piezas para principios de mes, el abecedario del perreo, el apoyo a distintas causas sociales o la difusión de eventos.

Estas variadas colaboraciones las han logrado Paula y Catalina por ser muy minuciosas con su curaduría. Escuchan el reguetón de manera muy estudiosa y con pinzas de cirujano para ver qué pueden sacar. Para encontrar eso que creen que podría ser interesante para su audiencia.

“Que es el caso, por ejemplo, de lo que publicamos cada octubre en el mes de la visualización o de la prevención de cáncer de seno. Por ejemplo, con Mírala bien”, dijo Paula. “Alguien te diría: sí, la canción de Wisin y Yandel. Pero también le puedes dar el giro a: revísate. Tócate. Prevengamos juntos y cosas así”.

En el caso del abecedario del perreo, la idea surgió para poder comunicarle al público su disfrute del reguetón. Poder compartirlo de una manera más divertida. Con las piezas de principios de mes, se trata más sobre la emoción del comienzo de algo nuevo. Esas piezas en particular han sido tan bien recibidas, que la situación se le salió de control a Reguetón Renacentista.

Tuvieron que cerrar el buzón de mensajes por la alta demanda producida por el público y, además, a partir de esa dinámica, saben que también han influenciado a artistas, disqueras, editoriales y librerías con la dinámica. Paula piensa que la conexión con esas publicaciones en particular viene de la necesidad humana y primitiva de creer y sentir la emoción por nuevos comienzos.

Desafiando el estereotipo

En cuanto a las colaboraciones con una casa editorial como Penguin Random House y una institución pública como el Banco de la República en Colombia, la historia es diferente.

“Recuerdo que ya cuando tuvimos el mayor impacto fue cuando en alguna ocasión, nosotras le escribimos a las personas de Ban Rep Cultural”, dijo Paula. “Es la red de difusión de cultura de museos de aquí de Colombia administrada por el Banco de la República, que es el banco más importante del país”.

Al empezar esa colaboración, Paula y Catalina se dieron cuenta que el trabajo en conjunto fue un hit. Además de tener las canciones de reguetón en las publicaciones, el Banco también estaba compartiendo las obras de las colecciones virtuales de sus museos estatales. Ellas creen que eso también les abrió los ojos a muchas personas, marcas y organizaciones en entender que, tal vez, en el reguetón hay algo que pueden utilizar para comunicarse con un público más amplio.

Porque Paula recordó que la primera publicación con el Banco le trajo alrededor de 200,000 seguidores nuevos a Reguetón Renacentista en un día. Algo que todavía consideran como un evento impresionante y creen que a raíz de ese post inicial, es en gran parte, el por qué ahora tienen más de 800,000 seguidores.

Con ese crecimiento abrupto y masivo, se dieron cuenta que Reguetón Renacentista se había salido del nicho inicial de las personas que disfrutan del reguetón. También se dieron cuenta que, si su público compartía reguetón con obras de arte, ya no era tan grave aceptar el gusto por el género musical que ha estado estereotipado por mucho tiempo.

“Es como, si una entidad tan importante como el Banco de la República o como Penguin, se relacionan con algo tan “bajo” como el reguetón, de algún modo, puedo validarme”, dijo Catalina. “Puedo permitirme escucharlo porque hay algo más grande que lo valida. Me puedo escudar detrás de algo intelectual porque no me hace como este estereotipo ignorante de reguetón”.

También, Catalina considera que esa validación externa por parte de una entidad pública colombiana fue chévere (bueno) para atraer personas. Permite no encasillarse, lo cual es algo muy Reguetón Renacentista.

“Como desafiar ese purismo de: es que por qué si escucho reguetón, entonces también tienen que decir que yo no leo. Que también soy ignorante. Que me gusta denigrar a las mujeres”, dijo Catalina.

A eso Paula agregó que en ocasiones han conversado con seguidores que estudian en Harvard, tienen doctorados y están en posiciones donde el reguetón llega desafiando fuertemente el estereotipo.

“Bueno, yo puedo ser mega intelectual. Entonces, ¿por qué no me puede gustar el reguetón? O no necesariamente tengo que ser el más intelectual para que me guste apreciar una obra [del renacimiento]”, dijo Paula.

Además de desafiar el estereotipo, Paula y Catalina estaban adelantadas en el tiempo. Actualmente, existen las tendencias donde se mezclan estéticas y sonidos del reguetón con arte más clásico, cosa que ellas vienen haciendo desde el 2019. Se mezcla un concepto que Paula aprendió sobre la “alta y baja cultura”. Según los hallazgos de Paula cuando escuchó un episodio del podcast Club de Fans de Shrek, la persona que diga que algo es “alta cultura” es porque tiene los medios para llevar una obra a un museo.

“Porque se relaciona con personas que van a ese museo. Que comen en los mismos lugares. Que escuchan la misma música. Entonces, ellos se autodenominan alta cultura”, dijo Paula. “Y todo lo que no sea ellos, pues, automáticamente es baja cultura. Entonces, realmente ¿qué es alta cultura y qué es baja cultura?”.

Al cuestionarse eso, Paula se permite preguntarse por qué no puede establecer qué es “alta cultura y baja cultura” para ella misma.

“O sea, para mí alta cultura puede ser escuchar los violines de Zun Dada. ¿Por qué no? Son violines”, dijo Paula. “¿Por qué es alta cultura cuando los estás escuchando en una sinfonía y por qué es baja cultura cuando los estás escuchando en Zun Dada? Sí, como ¿quién dice que no lo es?”.

Eso les permite no tenerle miedo a cuestionar a quien establece dichas etiquetas. Estas preguntas que Paula y Catalina se hacen constantemente son retratadas gráficamente en el diseño jocoso de Reguetón Renacentista y también son simplemente uno de los muchos elementos de su arte.

Es parte de un proyecto del que se sienten sumamente orgullosas. Lo que han logrado con Reguetón Renacentista también las hace pensar mucho en su padre.

“Nuestro papá murió ya casi hace seis años y él siempre vio que Reguetón Renacentista podía ser algo más”, dijo Paula. “Él veía que nosotras nos emocionábamos mucho porque teníamos 50 me gustas y él era como: ustedes pueden hacer algo más. Tienen demasiadas personas siguiéndolas como para que ustedes dejen eso solamente como para estar pendientes de los me gusta”.

El amor y pasión que ambas tienen por Reguetón Renacentista es lo que hace que sea un proyecto que conecta con una audiencia masiva. Es un diseño jocoso donde las obras de arte del reguetón están maridadas con pinturas renacentistas. Es un diseño jocoso que es una extensión de Paula y Catalina al apoyar causas sociales por medio de la mezcla armoniosa de música popular contemporánea y arte clásico. Es un diseño jocoso y un tipo de arte raro que es sinónimo de una experiencia compartida.

“Sentimos que nos gusta el reguetón, así como a otra persona le gusta el reguetón y lo compartimos. Eso hace que se enriquezca. Que a ti también te guste porque si solo fuéramos Cata y yo, pues, no tendría mucho sentido”, dijo Paula. “Que esa experiencia nos divierta y la disfrutamos todos. Por eso es que creció. Porque mucha gente la comparte”.

Para aprender más del diseño jocoso de Reguetón Renacentista, pueden seguirlas en Instagram como @reguetonrenacentista. Ellas son unas de las múltiples artistas que no están participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo están creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Desde niño Luis Alberto Cuevas Olmedo, mejor conocido como Beto Cuevas, tenía su sensibilidad artística muy despierta y latente. Su padre siempre estaba inmerso en mundos creativos, desde ser un aficionado del cine hasta editar videos. Cuevas pasaba mucho tiempo con él y así fue cómo aprendió a estar detrás y frente a una cámara en diferentes disciplinas.

“Entonces, supongo que algo de eso tiene que haber permeado en mi sistema operativo básico y generó la personalidad que yo tengo”, dijo Cuevas riéndose. “Otro factor importante es que realmente nunca me interesó mucho ni la química, ni las matemáticas, ni ese tipo de materias. Me sentía mucho más hábil y sentía que era más aporte en términos creativos, haciendo arte directamente”.

Por eso, desde niño le encanta dibujar, pintar, el cine y la fotografía. Nunca pensó que la música iba a ser su caballo de batalla y a lo que se iba a dedicar eventualmente en su vida. Además, el artista, músico, diseñador gráfico y actor chileno creció entre Chile, Venezuela y Canadá, lo cual le dio una experiencia cultural bastante amplia y así logró manejar tres idiomas simultáneamente: inglés, español y francés.

Estudió diseño gráfico en la Universidad Saint Laurent en Canadá y después en 1988, decidió tomarse un año sabático en Chile. Quería conocer su país porque había crecido fuera de él. En ese momento, conoció a personas en el ámbito musical y terminó haciendo una audición para la banda La Ley.

“En ese momento estaban buscando a un cantante y yo sentí: bueno, voy a estar por acá un año. No me parece mal plan poder experimentar y hacer algo nuevo que no había pensado que podía hacer”, dijo Cuevas. “Me convertí en cantante y letrista de La Ley. Comenzamos a ver rápidamente el ascenso del grupo y el impacto que tuvo en muchas personas”.

En ese entonces – cuando tenía 22 años – decidió emanciparse de su familia y se quedó a vivir en Chile. Cuevas recordó que en esos años Chile estaba en plena transición del fin de la dictadura de Augusto Pinochet y en camino hacia la democracia. Él tenía la sensación de que esa época histórica era un momento de gran apertura cuando estaba haciendo sus shows underground con La Ley.

“Creo que mi decisión fue buena porque llevo 36 años dedicado a esto”, dijo Cuevas.

Su decisión de dedicarse a la música en aquel entonces lo ha llevado a vivir una carrera artística bastante diversa y satisfactoria, ya que es un artista sumamente versátil. Puede pasar de experimentar con la música al video, la pintura, el diseño gráfico y la actuación. Sus ganas de crear no tienen límite porque todas las disciplinas artísticas que explora son tubos de escape para expresar emociones, sensaciones e historias relacionadas con su sentir y su vida.

Son una necesidad tan básica y primaria como respirar y comer para subsistir. La expresión existe en su ser para darle sentido a su vida. Cuando sube a un escenario es cantante, pero también le gusta ser el objeto de arte porque él es quien lleva la voz de las canciones con su guitarra y acompañado de los músicos que tocan en vivo.

Cuevas es el objeto de arte, pero también le gusta desprenderse de ese rol si le toca escribir. Le gusta poder adquirir otras formas, personalidades y libertades para moverse en diferentes ángulos. Por eso, tampoco le gusta definirse como artista. Se ve más a sí mismo como una acción. Se ve cómo quien crea para complacerse a sí mismo porque le es entretenido.

El proceso para crear canciones

Pero sabe que cuando muestra su arte y música a los demás, ya deja de ser propiedad de él. Cualquiera puede tomarlo y opinar. Lo pueden alabar o destruir. Por eso, su música viva tiene un desfaz entre el propósito que él le da las canciones cuando las escribe y la interpretación que su audiencia les da.

Su proceso siempre parte de un sentimiento. Se sienta con su guitarra y empieza a tocar acordes. Sus dedos se van aleatoriamente a los diferentes acordes con distintos ritmos. Empieza a cantar melodías sin letras sobre la parte musical hasta que llegue a una secuencia donde esa mezcla lo satisface.

“Que me parece que está bonita. Que me parece que es diferente. A raíz de esa secuencia de acordes y de esa idea musical, a lo mejor viene un sentimiento y quiero decir: mira, estoy triste o estoy feliz por tal y tal razón”, dijo Cuevas. “Y empiezo a probar letras. A probar poesías. A probar frases que, de repente, son lindas y es como un trabajo de rompecabezas”.

Cuevas considera que su proceso es simplemente un trabajo metódico. Eso fue evidente cuando escribió la canción “Mentira” para el MTV Unplugged de La Ley en el 2001, el cual ganó el Grammy Latino al Mejor Álbum Vocal Rock Dúo o Grupo en el 2002 y marcó un gran antes y después en la carrera de la banda chilena y en la música de Latinoamérica.

Esa canción en particular empezó con Cuevas teniendo la primera parte lista que sonaba como un bolero y un lamento. Cuando se la fue a mostrar al productor Humberto Gatica, le dijeron que la canción podría ser un gran hit, pero tenía que escribirla de manera que realmente fuera sentida con un coro completamente diferente.

“Cuando me dijo eso y me desafió a que la canción iba a ser un hit, pues agarré el coro de otra idea que tenía”, dijo Cuevas. “Y es otro ritmo y eso lo junté con ‘mentira’ y se lo mostré al productor y me dijo: ahora concéntrate en la letra porque esta canción va a ser un gran éxito. Y así nació”.

Y “Mentira” es solo uno de los muchos éxitos de la prolongada carrera musical y artística de Cuevas. En ese camino ha tenido que adaptarse a distintas maneras de crear.

“Yo cuando empecé mi carrera en La Ley, hacía muchas canciones con Andrés Bobe, que fue el fundador de La Ley. Él hacía la música y yo cantaba melodías arriba de las estructuras musicales que le hacía”, dijo Cuevas. “Hacíamos canciones y éramos una dupla muy prolífica hasta el 10 de abril del año 94, que perdió la vida en un accidente de moto y en ese momento yo sentí que me quedé sin compañero y sin partner [compañero] de composición”.

De ahí nació la necesidad imperativa de que Cuevas aprendiera a tocar guitarra para poder tener esa independencia para hacer sus propias canciones. También, en ese momento tenía buenas ideas con sus compañeros de La Ley, quienes aportaban mucho en musicalidad y arreglos. Hacían cosas maravillosas, pero la semilla de las canciones no nacía necesariamente de forma grupal.

Por eso, Cuevas decidió emprender como solista, lo cual hasta el día de hoy lo sigue llevando por diferentes caminos. Pero la esencia de la creación de su música viva se mantiene, ya sea en solitario o en un grupo prolífico de rock latino como La Ley.

Dijo que evidentemente el noventa por ciento de las canciones que se escriben en el mundo son de amor y desamor. No pueden faltar porque personalmente ha experimentado esas emociones, pero de repente, le gusta hablar de otras cosas.

Una de las canciones que siempre canta en sus conciertos es “Fuera De Mí” y tiene un trasfondo bastante inesperado.

“Toda la gente la liga o la asocia a una canción como casi romántica y de amor. Porque la canción es melódica. Porque tiene una música y una producción muy linda, pero en realidad, cuando yo la escribí, había ido a ver la película El sexto sentido”, dijo Cuevas. “En mi mente, más que hablar de la película, hablé de una persona que fue eliminada, asesinada por la mafia japonesa. Cuando hay una frase de la canción que dice: mi cabeza rueda en la escalera. Es como su alma viendo lo que está pasando”.

Cuevas ha hablado con mucha gente sobre esa canción en particular y lo toman como una frase poética.

“Ay, mira qué lindo. A lo mejor había bebido mucho esa noche y su cabeza rodaba por la escalera. No”, dijo Cuevas riéndose. “Yo en mi mente lo hice casi como una película de Tarantino. Con un sable le cortaron la cabeza y su cabeza rodó por la escalera de una manera concreta”.

Lo canta de una manera romántica y por eso parece una metáfora, pero la realidad de la canción es otra. Se trata de una persona a la que le quitan la vida y que comienza a experimentar los primeros momentos fuera de su cuerpo viendo lo que está pasando.

Por eso, a Cuevas le gusta la intriga, la acción y el cine. Como canta melódicamente, las interpretaciones del público de sus canciones son variadas, pero tampoco le gusta dar explicaciones de ellas. Le interesa más cómo se siente su audiencia cuando escucha una de sus canciones y piensa que las interpretaciones de la audiencia son tan válidas como las de él.

La dualidad de la vida y la muerte

Por eso, la dualidad siempre es parte de su música viva, ya sea con las interpretaciones de los significados de las canciones o con las temáticas que trata. Su música está viva porque habla de la muerte. Sin la muerte no hay vida y sin vida no hay muerte.

“Para mí la dualidad entre la vida y la muerte es como hablar de principio y fin. Es como hablar de blanco y negro. Es como hablar de arriba, abajo”, dijo Cuevas. “O sea, vivimos entre polaridades y todos somos finitos. Todos nacimos en algún momento dado y en algún momento – ojalá más tarde que temprano – nos vamos a despedir de este plano físico”.

Cree que hay vida más allá del cuerpo porque cree en el alma. Cree que somos un cuerpo orgánico que existe al consumir prana (energía vital) y comida para seguir adelante.

“Yo pienso que el alma es una energía que sigue existiendo en otro plano que no podemos entender. Solamente podemos interpretar a través de una canción” dijo Cuevas. “Como, por ejemplo, Prisioneros de la piel. Una canción del año 93 o 92”.

Piensa que también es una manera muy humana de interpretar algo que no entiende. Cree que estamos en una realidad donde estamos sujetos a pensar de esa manera porque vivimos en un espacio donde hay tiempo y eso se amarra con el proceso emocional de sus canciones, el cual dijo que no maneja.

Simplemente se permite vivir y sentir emociones. Ha aprendido con el paso del tiempo a no huirle a las emociones que le puedan generar pena o enfado. Eso también está presente en sus canciones “Ámate y Sálvate”, “El Duelo” y “Más Allá”. “Ámate y Sálvate” la escribió en tiempos donde estaba sucediendo la guerra en Irak, pero siente que es una canción que aplica al contexto político actual.

“Igual lo que vemos hoy en día cuando vemos lo que sucede en Ucrania o lo que sucede en la franja de Gaza. Uno tiene que tener esa sensibilidad humana de tener esa empatía y aceptar de que está mal lo que está sucediendo y tener una opinión”, dijo Cuevas. “Más allá de eso, es poco lo que podemos hacer cuando nosotros le otorgamos el poder a otras personas”.

La canción la escribió cuando La Ley hizo su álbum “Libertad” y era un momento donde Cuevas sentía que con la popularidad que estaban experimentando, podía expresar su opinión como letrista a través del vehículo de la música popular. Podía ayudar a abrir debates, conversaciones y hacer entender a la gente del poder que tienen en los países democráticos para elegir bien a quienes ponen en poder.

“Yo pensaría que con todo lo que hemos evolucionado, deberíamos haber entendido de que tenemos que trabajar juntos para hacer evolucionar el mundo y no seguir con guerras”, dijo Cuevas. “No seguir persiguiendo a la gente como lo hacen ahora en Estados Unidos y que los están echando como si fuesen todos criminales. Hay mucha disfuncionalidad y muchas cosas feas sucediendo. Entonces, eso es lo que quise decir en Ámate y Sálvate”.

Con “El Duelo”, la historia es diferente. Lo que inspiró dicha canción fue una relación de pareja de una persona que Cuevas conocía.

“Se trataban muy mal físicamente. Particularmente él a ella, pero parece que a ella le gustaba. Entonces, era una relación medio sadomasoquista y por eso, escribí ese coro que dice: sin dolor no te haces feliz, sin amor no sufres más”, dijo Cuevas.

Al principio, Cuevas había escrito “sin amor no te haces feliz, sin dolor no sufres más”, pero le parecía una obviedad. Sonaba bien, pero no le decía nada. Le parecía una frase tonta y por eso decidió invertir las palabras.

Eso lo llevó a preguntarse: ¿cómo que necesitamos dolor para ser feliz? Fue una reflexión muy clara porque cree que el dolor se necesita para poder experimentar y entender lo lindo que es no tener dolor.

“Y, sin amor no sufres más. Porque lamentablemente en el mundo y en las relaciones de hoy y de siempre, el amor conlleva momentos muy gratos, pero también momentos muy amargos”, dijo Cuevas. “Entonces, es parte de la condición humana y es probablemente la frase más existencialista que he escrito en mi vida”.

Una frase tan existencialista que ni sabe cómo se dio la interpretación tan metafórica una vez que ya estaba afuera. Es simplemente parte de su música viva que se convierte en algo con que sus fans puedan relacionarse.

Pero a veces sus canciones no son tan fáciles o sencillas. A veces se topa con la responsabilidad de utilizar la música como una herramienta para hablar de temas sensibles y delicados como el suicidio y la salud mental. Tal es el caso con la canción “Más Allá”.

Esa canción la escribió después de que se enteró que una chica – que era fanática de él e hija de una persona que su madre conocía – se quitó la vida. Su razón fue que ella estaba enamorada de Cuevas, quería conocerlo y veía casi imposible poder conocerlo.

“Evidentemente cuando te dicen que una persona se quitó la vida por ti y una persona que ni siquiera conocías, hay algo que sucede con tu corazón. Tú dices: wow, yo la podría haber conocido. La podría haber ayudado”, dijo Cuevas.

En ese momento, se puso a pensar sobre la depresión y el querer traer el tema a la mesa a la hora de escribir esa canción. De la importancia de tomar en serio a las personas que dan señales sobre la depresión y el suicidio y poder ayudarles si necesitan asistencia psiquiátrica o psicológica.

Además de eso, también se puso a reflexionar sobre la responsabilidad que tiene como músico y artista cuando escribe canciones. Siente la necesidad de escribir canciones que digan cosas que tengan sentido y que ojalá les sirvan a las personas para reflexionar o para arreglar su vida. Por eso, Cuevas nunca ha usado palabras fuertes o groserías en sus canciones.

El concierto como experiencia espiritual

Tal vez por eso, a veces su música viva se siente más espiritual. Esa sensación espiritual se puede sentir en el MTV Unplugged de La Ley en el 2001. En esa ocasión invitaron a una chamana chilena llamada Luz Clarita para que hiciera un ritual energético antes de grabar el disco en vivo.

“La verdad es que funcionó muy bien porque puso a todo el público presente en un nivel energético muy lindo y muy abierto. Creo que el show resultó maravillosamente bien. Casi no tuvimos que repetir nada y fue un show como hecho casi de corrido”, dijo Cuevas. “Fue un show continuo y fue un agrado realmente hacerlo”.

El MTV Unplugged fue grabado en el mismo año – el 2001 – en que La Ley fue la primera banda chilena en ganarse un Grammy anglosajón en la categoría de Mejor Álbum Latin Rock/Alternative por el álbum “Uno”.

Ese álbum en vivo también inspiró su actual disco “Beto Cuevas Acústico”, con el cual se encuentra de gira por Latinoamérica actualmente e hizo que viniera a San José, Costa Rica el pasado sábado 20 de setiembre a dar su concierto en el Centro Internacional de Convenciones ANDE (CIC ANDE).

Quiere que su público pueda experimentar los conciertos de manera en que estén presentes con todos sus sentidos. Cree que cada show es único y siempre depende mucho de la energía que logre crear con sus seguidores, lo cual es una de las cosas más lindas que él mismo experimenta a través de su música viva.

Además, lo acompañan distintos músicos y en su set acústico quiso incluir a la joven cantante chilena Javiera Flores. La conoció por medio de su tiempo como juez en el programa The Voice Chile.

“Yo sentí que era más interesante mi labor como cantante de ofrecerle esa posibilidad a alguien que quizás puede tener un camino en el arte y presentarle a la gente alguien nuevo que no ha escuchado antes, pero que tiene una voz extraordinaria”, dijo Cuevas. “Por eso la traigo conmigo. Ella me ayuda con los coros, pero además tiene su momento estelar donde ella también puede mostrar su talento”.

Por eso, aquí dieron un show donde Cuevas dijo que el público tico fue pura vida. Le encantó y fue una linda experiencia porque tenía mucho rato de no venir a Costa Rica. Le gustó poder reactivar esa conexión con el público con un concierto acústico más íntimo.

La experiencia de los conciertos de Cuevas es simplemente una de las múltiples partes de su música viva. Es música que conecta profundamente con su público por medio de sus frases poéticas existenciales, pero también por su filosofía de vida. Es música que está viva porque reflexiona de la muerte y es música que a Cuevas lo hace sentir mucha satisfacción.

“En 36 años que llevo de carrera, he podido ser consistente en el desarrollo de mis ideas y de mis obras. Estoy aprovechando y vivo en el presente”, dijo Cuevas apasionadamente. “Trato de recordarme siempre que vivo en el hoy, en el ahora. De lo contrario, vivir anclado en el pasado o vivir anticipando cosas que aún no suceden, es una pérdida de tiempo y una pérdida de vida. Porque la vida se vive en el hoy y en el ahora”.

Para aprender más de la música viva de Beto Cuevas, pueden seguirlo en Instagram como @iambetocuevas. Él es uno de los múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Desde que Alejandro Pedrosa tiene memoria, siempre le ha encantado el cine. En casa veía muchas películas y una de sus recuerdos más gratos era ir a la tienda Blockbuster a alquilar películas. Recuerda que era uno de los lujos en su hogar y a partir de ese amor innato por el cine, se fue metiendo en ese mundo mágico narrativo.

Conforme fue pasando el tiempo, el artista, director de cine y fotógrafo puertorriqueño, fue desarrollando poco a poco su práctica cinematográfica. A través de ese proceso creativo, se fue enamorando cada vez más del cine y de esa pasión por contar historias visuales que causan un impacto emocional en el público.

“Yo hacía todo. Yo filmaba. Planificaba. Hacía las entrevistas yo mismo. Hacía la edición. O sea, pude explorar varios departamentos al mismo tiempo y a mí me encantó”, dijo Pedrosa. “Yo me enamoré de lo que estaba haciendo. Creo que, si algo me provocó hacer cine, fue hacerlo tal cual”.

Pedrosa estudió relaciones internacionales y publicidad en la Universidad de Puerto Rico e hizo el último semestre de su carrera en la Universidad Complutense de Madrid en España. También hizo unos talleres de cine y publicidad en la Ciudad de México. Después de graduarse, trabajó un año en México en la agencia de publicidad Young & Rubicam.

Luego, regresó a Puerto Rico, donde trabajó dos años más en su área, pero se cansó muy rápido. Se dio cuenta que lo que le gustaba era realizar y crear las ideas. Se sentía limitado en publicidad, pero en ese momento también había fundado su proyecto World Junkies por ahí del 2008.

El proyecto inicialmente era un blog donde escribía reseñas sobre temas de audiovisuales, diseño y moda que le interesaban de cuando vivió en Europa y México. Sentía que en Puerto Rico no llegaba tan fácilmente ese tipo de información porque en aquel entonces no existían las redes sociales y no eran ni remotamente parecidas a cómo son hoy.

“Me metí mucho en la escena independiente de artes plásticas, de bandas independientes y empecé a hacer videos, fotos. Eso empezó a evolucionar muy rápido”, dijo Pedrosa. “En un año, en vez de ser un hobby, se convirtió en una propuesta bastante fuerte local. Me empezaron a llamar marcas y de repente, después renuncié a todos mis trabajos”.

El encontrarse inmerso en ese mundo de creación lo obligaba a reinventarse todos los días. Se exigía hacer propuestas audiovisuales diferentes y gracias a ello, artistas lo empezaron a llamar para que viajara con ellos a documentar sus giras. Ahí empezó a crear documentales y videos musicales. En esa constancia, lentamente fue puliendo su cine humano y se convirtió en un realizador audiovisual.

Pero su hambre por aprender cada vez más nunca se apagó. Con el paso del tiempo, continuó con sus estudios autodidactas investigando en Internet y leyendo mucho. Logró posicionar a World Junkies como una de las casas productoras más importantes de Puerto Rico y ahora trabaja con un sinnúmero de artistas.

Resistiendo a lo normal

World Junkies nació de la curiosidad, Nació del interés de Pedrosa de compartir el conocimiento sobre la música y el arte al que estaba expuesto por estar viajando constantemente. También se dio cuenta que podía crear sus propias piezas y arte que generaran una conexión humana profunda e inmersiva con su audiencia.

Por eso, la frase de resist normal (resistir lo normal) es algo que define a World Junkies. Es parte de su propuesta donde siempre trata salirse de la norma por medio de las historias visuales. Explora distintas perspectivas para contar una narrativa visual cautivante.

“¿Qué tal si lo vemos como lo vería un bebé que está desarrollando su visión? O esto está lindo. Esto es un ballet. ¿Qué tal si en vez de contarlo con música clásica, lo contamos con heavy metal?”, dijo Pedrosa. “Cuestionarnos todo el tiempo la normalidad y justificarla, claro está”.

Siempre trata de romper la tradición, lo normal y lo que se espera, pero con una justificación que lo amarre a la historia que quiere contar. Esa necesidad de causar un impacto está conectada con la concepción de Pedrosa sobre el cine y la fotografía.

“Creo que es un arte que busca contar un poco la condición humana y cómo conectarnos con diferentes historias, ya sean esas que se acercan a la realidad o las que se acercan a la imaginación”, dijo Pedrosa.

Cree que el cine es el medio para contar historias únicas porque todas las personas tenemos una historia que contarle al mundo. El cine es el medio más apto para narrarlas por la yuxtaposición de una imagen detrás de otra. Además, le puede agregar música, que es otro tipo de arte con el que tiene una conexión muy cercana porque también es músico.

Siempre ha estado envuelto en la música con su papá y su familia. Como entiende este arte desde otro lugar más personal, eso automáticamente le ha servido mucho para contar y documentar historias de artistas musicales. Esta combinación armoniosa de distintas disciplinas artísticas en la forma de imágenes con sonido se liga fuertemente por su gusto personal por tomar riesgos.

Le gusta decir algo que no todo el mundo se atreve a contar. Se cuestiona todo el tiempo si él debería ser quien está contando una historia específica, pero por eso también le gusta mucho ese reto personal. Porque se reta a sí mismo y a las personas que ven sus historias cinemáticas y humanas.

El proceso creativo

Para que el público pueda experimentar esas historias disruptivas e inmersivas, hay que entender el proceso creativo de Pedrosa.

“El proceso es analizar qué tenemos en las manos. Qué es lo que queremos comunicar. Siempre se tiene que tener un propósito. Qué se quiere decir”, dijo Pedrosa. “Y una vez que sabemos lo que queremos decir, ya sea para una marca o para un artista, el proceso es sentarte a cambiar ideas”.

Luego, arma diferentes grupos de trabajo donde intercambian ideas con los artistas. Empiezan a tirar distintas ideas y dicen qué piensan. Se destruyen las ideas y se crean nuevas hasta que exista algo que les apasione. Que les llame la atención. Después, sigue el guion, que puede ser una descripción de imágenes, diálogos y luego, los aspectos técnicos de la producción.

Implica entender cómo van a lograrlo. Si se va a hacer en un set. Qué requieren. Qué presupuesto tienen. Se trata también de saber qué recursos tienen disponibles del cine: vestuario, iluminación, diseño de producción, escenografía, fotografía, los tipos de lentes y el tipo de cámara.

Aparte de la parte técnica, la parte cinemática que genera una reacción emocional fuerte, es muy importante para Pedrosa. Dijo que sufren tanto en el proceso – en el buen sentido – que cree que ese esfuerzo y sacrificio del equipo se siente en la obra final.

“La pasión que se le pone a cada segundo de la pieza y cuando haces las cosas con pasión y honestidad, creo que se logra algo que se transmite cuando ves las piezas”, dijo Pedrosa. “La gente ve un minuto o tres minutos de una pieza audiovisual, pero nosotros llevamos ahí meses o días o demasiadas horas o noches sin sueño”.

Al final, cree que la gente se lleva la recompensa de todo lo que trabajaron para crear una pieza audiovisual corta. Esa pasión y honestidad se nota en lo videos musicales “Quiero ser baladista” de Residente con Ricky Martin, “313” de Residente con Silvia Pérez Cruz y Penélope Cruz, la versión de “313” en el Museo del Prado, “La Receta” de Tego Calderón, “Tu rumba” de iLe y la experiencia inmersiva “BATEY” para el Bad Bunny Experience durante la Residencia de Bad Bunny.

En el caso de “Quiero ser baladista”, es una historia en blanco y negro que juega con distintos elementos visuales y musicales. Es un juego entre los artistas puertorriqueños Residente y Ricky Martin, quienes crean música muy diferente, pero de un mismo alto calibre que ha definido la cultura global. Pedrosa tuvo la oportunidad de codirigir el video con Residente.

Es un video que tiene todo un trasfondo, según Pedrosa. El concepto era que Residente dejaba de ser rapero y se iba a salir de la tiradera, que es una canción “cuyo propósito es atacar verbalmente a otra persona, generalmente a otro artista”. Dejaba eso y quería ser un baladista.

Por eso aparece Ricky Martin, quien hace un papel inesperado de villano y sale cantando con la voz de Residente.

“Qué mejor persona que Ricky Martin como para contar eso. Un baladista por excelencia súper exitoso en el mundo pop. Y más que nada, era como que el baladista: ah, tú eres tiradera. Tú matas a los raperos con tus líneas. Ah, yo te voy a matar con las baladas”, dijo Pedrosa.

Creando arte sobre arte

Ese juego entre distintas disciplinas artísticas y géneros musicales es algo muy característico del arte de Pedrosa. En el video musical de “313” de Residente con Penélope Cruz y Silvia Pérez Cruz, Pedrosa participó con World Junkies como casa productora y editor. La pieza fue dirigida por Residente.

Este video musical es de esas obras de arte que generan una interacción inmersiva con el público, pero también es el tipo de pieza que le pone los pelos de punta a cualquiera que lo vea. Fue filmado en el Palacio Real de la Granja de San Ildefonso en Segovia, España. Todo lo que ocurre alrededor de esa historia visual es meramente arte. Desde la actuación de Residente y Penélope Cruz hasta la danza contemporánea de las bailarinas y la locación.

Pedrosa recordó que fue un proceso muy duro por ser un video muy ambicioso. Dijo que se batalló contra viento y marea para lograrlo.

“Yo hice hasta cámara un día. Se editó. Corrimos. Llovió. Cayó nieve. Salió el sol”, dijo Pedrosa, riéndose. “Fue una locura de proyecto, pero fue un proyecto súper lindo y bueno, como casa productora, es lo que te puedo decir o como editor. Ganamos un Latin Grammy. Fue súper especial, pero eso es una idea completamente de Residente y una ejecución impecable como director”.

Fue una pieza donde literalmente crearon arte sobre arte. Pasaron mucho tiempo en España y Pedrosa dijo que todos los días se levantaba para crear. También pasaba en reuniones para ver cómo lograban las ideas que tenían. En el álbum al que esa canción pertenece – “Las Letras Ya No Importan” – se trabajó visualmente de una manera que a Pedrosa le encantó. Implicó colaborar con actores y actrices de mucho renombre de España y crews del mundo del cine fenomenales, cómo él dijo.

Esa canción en particular también tiene otro video o extensión filmado en el Museo Nacional del Prado en Madrid, España. Residente, junto con la cantante española Silvia Pérez Cruz y la violinista italomexicana Noemí Gasparini, hacen un performance impecable con el acompañamiento de las obras de Diego Velázquez y Pedro Pablo Rubens en el fondo.

“Eso era un proyecto de continuidad como performance. Eso era un live. La diferencia es que ahí están cantando en la grabación. Obviamente, como tú viste, ese álbum visualmente queríamos hacerlo como piezas de arte”, dijo Pedrosa. “Entonces, ¿cómo podemos colocar el mundo del video musical en un live performance que tenga el mismo valor estético?”.

Si se quiere, se podría decir metafóricamente que Residente, Pérez Cruz y Gasparini también son obras de arte en este video en particular.

“Me estás tirando pa atrás. Esa pregunta está complicada”, dijo Pedrosa, riéndose. “Yo no diría que son obras de arte, pero es un poco como estos humanos con alma y piel y corazón que están rodeados de arte. Que también es creación humana. No sé. Estamos cerca de la perfección con esta obra, pero al final seguimos siendo humanos y todo es efímero”.

Todo es efímero, pero el arte siempre estará ahí. El arte siempre está en el cine humano de Pedrosa. No importa el género musical de los videos musicales que esté dirigiendo. Pueden ser estilos musicales muy distintos, pero el principio de sus historias humanas retadoras y cautivantes están ahí.

Honrando la cultura afrocaribeña puertorriqueña

Por ejemplo, para el video de “Tu Receta” del artista puertorriqueño Tego Calderón, los visuales son completamente diferentes. A primera vista puede parecer una pieza simple, pero hay elementos visuales que retan esa simplicidad.

“Ese proceso fue interesante. Parecía ser un regreso de Tego Calderón y para eso yo llegué con una propuesta súper diferente a lo que fue el video. Una propuesta más cruda. Más en el barrio. Más de Puerto Rico. En la calle”, dijo Pedrosa.

Pero luego habló con Calderón por unas dos horas. Él le expresó a Pedrosa que estaba en otro momento en su vida y quería algo más alegre. Eso hizo que Pedrosa recurriera a su creatividad para pensar en una idea donde pudiesen ubicar a Calderón de manera que hiciera contraste con la calle. También es importante entender que para Pedrosa, Calderón canta como un maestro y es el mayor exponente del género urbano.

A esa pregunta que tenía de dónde ubicarlo, llegó la respuesta de ponerlo en un campo de golf. Esa idea le encantó a Calderón y también se amarraba con mostrar al cantante como alguien que tiene ese swag (estilo) sin importar dónde esté.

“Tego es una figura afrocaribeña monumental. Creo que tenerlo a él ahí y sacarlo a este mundo blanco era el mensaje que queríamos explorar. Rompe con esa idea de los diferentes mundos, pero pertenecemos a todos”, dijo Pedrosa. “Tener a Tego ahí súper diferente, que no te lo esperas verlo a él ahí, creo que fue una manera cool de explorar esa figura de él”.

La exploración de la cultura e identidad afrocaribeña puertorriqueña es una constante en el cine humano de Pedrosa. En el video “Tu rumba” de iLe está muy presente y por eso es uno de los videos favoritos de Pedrosa.

“iLe y su equipo de trabajo, que son sus hermanos Milena y Gabriel Cabra, tenían una idea. Ellos querían hacer algo como un romance. Es un batey de bomba”, dijo Pedrosa.

En base a eso, Pedrosa se puso a escribir una historia y de ahí salió la idea de que dos personas enamoradas flotaran. Quería hacer algo mágico. También propuso que crearan ese romance visualmente sobre un espacio etéreo negro para conectar directamente con la exploración de los bailarines y músicos.

El espacio vacío tenía la función de no opacar a los bailarines y músicos. Pedrosa quería que el color del espacio en sí fuera de la gente que representa esa cultura, la cual está directamente conectada con la magia del romance a través de un tambor.

Este video en particular le sirvió de referencia para crear la experiencia inmersiva “BATEY” del Bad Bunny Experience durante su Residencia en el verano. Tanto el video como la experiencia inmersiva utilizan un fondo negro para que la audiencia se sienta parte de ese espacio con un piso de cemento. Las diferencias están en el vestuario que se utilizó y el género musical que se exploró.

“Esa canción de iLe, aunque no es una bomba como tal, parte de un ritmo de bomba. Creo que era un cuembé, pero obviamente tiene su onda digital. Es más lento”, dijo Pedrosa.

En cambio, en la experiencia inmersiva exploraron la bomba puertorriqueña, que es una música afrocaribeña típica de Puerto Rico. En esa ocasión exploraron un nuevo medio que no requería una pantalla plana, sino una pantalla tridimensional en forma de un círculo.

La idea era que la audiencia pudiese sentir que estaba dentro de un batey, que viene de la cultura Taína y es un espacio amplio donde los bailarines bailan rodeados por músicos. Además, en el batey también se hacían juegos o ceremonias espirituales.

“[En la experiencia inmersiva] habían 10 tambores y 10 bailadores. Nuestro propósito era que te sintieras ahí. Que te transportaras para que fueras parte de ese batey”, dijo Pedrosa. “Parte de que reconectaras con tus raíces afrocaribeñas y fue muy lindo porque no es el medio al que estamos acostumbrados”.

Para generar esa experiencia inmersiva afrocaribeña, planificaron un juego de cámaras. Se filmó a dos cámaras al mismo tiempo apuntando a dos lugares distintos. Además, Pedrosa dijo que fue toda una logística con la música en vivo para que la audiencia lo sintiera real y vieran las manos que estaban tocando lo que el público estaba escuchando. Lograron tan bien ese impacto, que alguna gente lloró y bailó mientras lo veían y otras personas no querían salir de ahí.

La experiencia inmersiva es una de las múltiples piezas del cine humano de Pedrosa que busca causar un impacto emocional fuerte en la audiencia. Es un arte que mezcla muchas disciplinas artísticas y simultáneamente representa distintas identidades puertorriqueñas y latinoamericanas que corren en la sangre de Pedrosa.

“Subconscientemente siempre va a estar ese sentir ahí. Como te decía, yo soy muy orgulloso de mis raíces latinoamericanas y puertorriqueñas. Mi papá es mexicano. Mi madre puertorriqueña. Entonces, tengo ambos mundos muy presentes y en general, me siento muy orgulloso de ser latinoamericano”, dijo Pedrosa. “Creo que es importante darle voz al mundo latino que ha sido marginado por mucho tiempo”.

Para aprender más del cine humano de Alejandro Pedrosa, pueden seguirlo en Instagram como @worldjunkies. Él es uno de los múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Cuando AnCe Jesús Zamora Maneiro estaba en la Universidad Nacional Experimental de las Artes en Caracas, Venezuela, estaba creando arte y poesía de manera instintiva. En ese momento no sabía realmente que lo que escribía y recitaba era poesía. Estudiaba teatro y arte, pero no se consideraba artista.

Se ponía a escribir en frente de un espejo y participó leyendo un par de sus escritos en un trueque en Caracas. Ahí le dijeron que lo que hacía era poesía. Luego, invitaron a Zamora Maneiro a ser parte del Prostíbulo Poético de Caracas y abandonó la universidad, pero esa no fue la primera vez que se rosaba con el arte y la cultura.

“Mi pasar por un lugar académico fue un bache pequeño en mi vida porque yo crecí en un teatro acá en Costa Rica. En el Teatro Calle 15. Mi familia lo manejaba. Yo hacía las luces”, dijo Zamora Maneiro. “Entonces, toda mi infancia y mi adolescencia fue pasada en un teatro. Lugar cultural. Lugar de conciertos”.

El arte y la poesía es un instinto natural de su ser y por eso es que ahora Zamora Maneiro es artista de performance, escenique y de poesía escrite. Se define como artista multidisciplinarie, migrante y persona trans de Venezuela. Se dice de sí misme como una personas resentida y enojada profundamente, pero también latinoamericane hasta la médula.

Cree que Chayanne es el buen padre de Latinoamérica y le gusta utilizar el sentido del humor, el absurdo y la metáfora como medida para sobrevivir en su poesía. Su neurodivergencia influye mucho en su poesía, al igual que ser de Venezuela. Dice que lo que le hace más interesante como persona son sus contradicciones.

Su vida entre Costa Rica y Venezuela también tiene una gran influencia en su arte. Nació en México en 1993 y al siguiente año a sus padres los llamaron para hacer su trabajo diplomático en Costa Rica para las guerrillas de El Salvador y Nicaragua. Zamora Maneiro pasó gran parte de su infancia y adolescencia en Costa Rica y luego, a los 17 años se fue de vuelta para Venezuela porque su mamá le dijo que habían abierto una universidad de las artes.

Se quedó unos ocho o nueve años en su tierra natal y a los 25 regresó a Costa Rica.

“[Llegué a Costa Rica] enamorada de un sancarleño. Y el mae me convenció hacer la prueba en la UNA para estudiar justamente teatro y danza, pero solo podía hacer el viaje para hacer una de las dos pruebas y escogí teatro”, dijo Zamora Maneiro. “Me fue muy bien y el sancarleño se volvió un pastor antes de que yo volviera. Entonces, me dijo que yo era el demonio básicamente y que no podíamos seguir juntes”.

A pesar de ello, Zamora Maneiro decidió venirse a Costa Rica a tener otras experiencias y aprovechar que tenía la entrada a la universidad. Recordó que estaba muy bien en Venezuela, pero también dijo que su infancia había sido muy dolorosa y no sabía por qué.

“En Caracas yo estaba siendo violente con personas que yo amaba y no entendía por qué. Yo lo único que sabía que intuía es que tenía que venir a Costa Rica. Yo igual viajaba para acá a cada cierto tiempo por los negocios familiares, pero yo sabía que tenía que venir un tiempo para descubrir qué había pasado,” dijo Zamora Maneiro.

La poesía y el arte como necesidad para sanar

Vino, lo descubrió y eso le ha ayudado mucho a sanar y no ser una persona violenta o bajarle dos rayitas a la violencia, como dijo. La poesía le ayudó a ir sanando poco a poco porque realmente estaba en negación de lo que había pasado. Por eso descubrió que la poesía y el arte son una necesidad.

Es algo que sale de su ser porque hay algo enfermo en su interior o hay algo muy bueno que tiene que “parir”. La poesía es su cura y una medicina para el dolor. Es eso que le hace sentirse mejor en momentos difíciles. Es una cura porque se considera como una persona que está tratando desesperadamente de sanar y no morir.

“Es una forma para no elegir la muerte. Porque cuando yo digo cosas y hago cosas y de repente alguien se acerca y me dice que resonó con algo que yo dije o que yo hice, eso significa que no estoy a solas”, dijo Zamora Maneiro. “Que hay esperanza para mí. Porque yo veo vida en esa otra persona. Veo belleza en esa otra persona”.

Ve la belleza que no se permite ver o darse a sí misme. Cuando lo ve en las demás personas que resuenan en su arte, eso le ayuda a verse de otra manera porque antes no pensaba sobre sí misme como un ser humano. Se veía como una herramienta y ahora con la poesía puede verse como un ser humano.

En ese descubrimiento de su ser, también se mete de manera inmersiva en el proceso de su poesía. Cuando sale a caminar o no puede dormir, le fluyen las ideas, los temas y las frases. A partir de ahí, empieza a construir su rompecabezas. Cuando le van saliendo las ideas, va agrupándolas todas para que tengan sentido y se concentra en sus temas centrales. También se da cuenta que los tiempos de su poesía no son lineales y deja que todo fluya en el momento correcto.

A la hora de escribir, trata de utilizar las palabras y figuras literarias más accesibles porque llama a su arte de la palabra como poesía marginal. Le gusta crear versos sumamente accesibles dentro de su vivencia y que hablen de problemáticas reales que le afectan.

“Las figuras literarias más sencillas o utilizadas de la forma que yo en mis peores momentos las pueda relacionar conmigo de una forma directa”, dijo Zamora Maneiro.

Al confiar en sus experiencias, se ha dado cuenta que eso le permite contar sus perspectivas. Cuando habla de la soledad que siente en un nuevo país sabe que no solamente le está hablando a las personas migrantes, sino que también conversa con cualquier persona que no está conectando. Les llega a personas que se sienten solas y sabe que cuando habla de un lugar de una verdad real, logra conectar con muchas otras realidades.

El performance poético

Aparte de eso, cuando Zamora Maneiro recita sus poemas en vivo, sabe cómo enganchar al público. Esa habilidad de conexión y tomar un espacio también viene de su experiencia de haber sido habitante de la calle por un corto periodo de su vida. Cuando vivió en la calle, experimentó la sensación de “no existir” y donde nadie le veía. Era invisible.

“Entonces, cuando yo me monto al escenario y ahí hay un asunto del performance, no es solamente de lo que voy a decir, sino cómo lo voy a decir”, dijo Zamora Maneiro. “Cuando yo me monto al escenario y yo agarro todo ese recordar y de ser invisible. Es como decirle al público: ahora me tienen que escuchar a mí. Ahora me van a ver a mí. Ahora van a sentir lo que yo siento”.

Ese sentir que le transmite a la audiencia viene de su manera de hacer el performance, el cual tiene un proceso donde entiende que la poesía tiene una musicalidad. Después de decir algo, agarra un silencio y lo vuelve incómodo. Luego, sigue y habla claramente.

O le habla suavemente al público sobre los temas durísimos que explora en su poesía. Utiliza sus escritos como si estuviese leyendo una partitura. Reconoce el espacio en el que va a recitar y desde el principio hace contacto visual. Se humaniza a sí misme y a las personas que estén presentes.

Ya una vez que genera en el escenario este espacio donde la atención está fija, sabe perfectamente cómo crear una experiencia emocional con temas complejos y delicados. Le gusta que el público sepa sobre cosas que no salen en las noticias y que ocurren a puertas cerradas. Lo que ocurre en familias a puertas cerradas y nadie nunca lo habla.

“Ni siquiera cuando muere la persona abusadora [se habla]. Y esa también es una guerra que estamos perdiendo. De la que hay que hablar. Entonces, así como a mí me tocó ir, a poco a poco de la mano, entender qué fue lo que a mí me pasó”, dijo Zamora Maneiro.

Eso le hizo tener la consciencia de que es una mayoría en cuanto a la experiencia del abuso sexual. Sabe que si no lo habla con su poesía, seguirá siendo parte de la mayoría que está callada y sufriendo en silencio.

“Entonces, la mayor parte de mi poesía – incluso mi poesía feliz, erótica, hermosa, de amor – está impregnada de esas experiencias que me cambiaron y determinaron mi sexualidad. Una cosa que es inherente a la experiencia animal humana, me la cambiaron de una forma desagradable para mí. Sin mi consentimiento”, dijo Zamora Maneiro. “Y soy mayoría y nadie lo habla. Entonces, yo lo voy a hablar y no voy a parar de hablarlo y cuando estoy con el público, es llevarles de la mano amorosamente a ver eso”.

Por eso, su poesía curativa requiere de un proceso emocional que a veces puede ser muy tedioso y drenante para Zamora Maneiro. A veces hace esquemas. A veces siente un bloqueo que no le permite respirar y cuando se siente de esa manera, va sacándolo por pedacitos. A veces no se cacha (entiende), tiene sus ataques de ira complejos y tiene que agarrarse después para tomar responsabilidad de lo que hizo y pedir disculpas.

“Por eso es que digo que el arte y la poesía son un método de sobrevivencia por encima de todo. Porque es algo que necesito hacer o no encuentro otra forma productiva, bonita, buena de manejar esos momentos”, dijo Zamora Maneiro.

Y en eso, surgen distintas emociones en su escritura y el performance de sus versos. Sale el sentido del humor, la rabia, el luto, el asco, la invisibilidad, el grito, la suciedad, la locura y su auto transfobia y homofobia. Al verse enfrentade con esta amplia gama de emociones y sentimientos, tiene la necesidad de purgar todo eso en forma de palabras y rimas.

La poesía salva vidas

Se deja llevar en el momento y sabe muy bien que por su formación de teatro, puede conectar profundamente con el público. El 2024 y 2025 han sido años particulares donde ha logrado encontrar esa sanación y cura real que le da la poesía. En el 2024 ganó el concurso del Poetry Slam Costa Rica y eso significó la vida entera para Zamora Maneiro. Para esa ocasión, invitó a otras personas a participar. Invitó a personas que sabía que le podían ganar y con la esperanza de que le ganaran.

“Yo estaba ya harte de la vida. Entonces, yo dije: si gano, voy al mundial. Bien. Si pierdo, voy al Hotel La Oficina, que queda por las paradas de Heredia y cometo suicidio. Y tenía todo listo y gané”, dijo Zamora Maneiro. “Eso me hizo sentirme muy mal porque tenía que vivir. Entonces, me hizo tener que empezar un proceso de terapia interno muy fuerte y otras cosas, pero también me llenó”.

Le llenó porque se dio cuenta que como persona migrante trans venezolana criada en Costa Rica, ganó en el país donde la poeta costarricense Queen Nzinga Maxwell le enseñó a recitar. Donde también la poeta costarricense LauCo le salvó de la muerte mil veces. Ganar le dio nueva vida a su poesía – y a sí misme – cuando estaba en un momento de estanque.

“Me dio la oportunidad de ir al mundial y ver cosas tan increíbles”, dijo Zamora Maneiro.

Este año compitió en el World Poetry Slam Championship (Copa Mundial de Slam de Poesía), que se celebró en Ciudad Juárez, Chihuaha, México. Ahí Zamora Maneiro quedó como semifinalista y la experiencia le dio humildad y valor para seguir. Sabe que tiene mucho por aprender de dónde sacar poesía. Tiene muchas razones y tiempo para seguirla creando.

Puede seguirla creando porque su poesía es curativa. Es un arte humano que engancha a la audiencia por cómo conectan profundamente cuando Zamora Maneiro se mete en sus versos y performances. Es arte que habla de temáticas durísimas por medio de la suavidad de las palabras de su intérprete. Es arte que salva vidas.

“Ahora sé que es una herramienta para prevenir ir por el camino de la muerte”, dijo Zamora Maneiro. “No solamente se ha vuelto un salvavidas, sino que ahora es un método de prevención y de acercamiento a la vida. Al placer. A todo eso”.

Para aprender más de la poesía curativa de Zamora Maneiro, pueden seguirle en Instagram como @jodida.amarilla. Elle participó este año recitando varios poemas en nuestro Centro durante el Open Mic de la exposición Abstractio Cuir y un evento privado para la celebración del Día de la Persona Negra y la Cultura Afrocostarricense.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE II: Cómo Alejandra Hinojosa crea cine sobre la música mexicana

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

En la PARTE I aprendimos cómo Alejandra Hinojosa crea su cine musical. Ahora, vamos a adentrarnos en cómo crea cine sobre la música mexicana. Todo empezó cuando ella estaba dirigiendo un video musical para Steve Aoki y Kenia Os con la compañía productora Cinema Giants. El director de cine dominicano Jessy Terrero y dueño de dicha empresa, le dijo a Hinojosa que había una oportunidad para hacer un documental para Amazon sobre la nueva generación de artistas de la música mexicana.

La artista, directora de cine y fotógrafa mexicana recordó que Terrero ya la había conocido a ella un poquito más. Sabía qué tipo de música escucha ella. Sabía que creció en la frontera entre México y Estados Unidos. En ese lugar fue donde se crearon los corridos y ahí ella escuchaba muchos distintos géneros musicales.

“Entonces, como que me lo platicó y yo le dije: a mí me encantaría hacerlo. Yo sabía que, tipo, era una oportunidad gigantesca. No sabíamos ni quiénes iban a estar”, dijo Hinojosa. “O sea, no sabíamos quiénes iban a estar para nada. Porque ese tipo de proyectos, tú le hablas al artista y si quiere ser parte, pues, está y si no, no está”.

Saber cuáles artistas iban a estar presentes en el documental GEN MEX fue una de las partes más retadoras del proyecto. Eso implicaba tener un orden impecable para poder organizarse con los tiempos de las entrevistas. Adaptarse a los horarios disponibles que tenían todos estos artistas. A veces en una fecha y hora específica podía uno, pero después otra de las personas entrevistadas ya estaba fijada para ese mismo tiempo.

Adaptarse al proceso

Para Hinojosa se trataba de hacer lo mejor posible y adaptarse a las situaciones que se presentaran en el camino. Ella sabía que cuando aceptó la oportunidad, tenía que aprovecharla de la mejor manera posible. Se levantaba con la mentalidad de saber que iba a tener muchos altos y bajos. Que iba a ser un proyecto muy importante y por eso tenía que fluir con el ritmo a cómo se fueran presentando las cosas.

Las entrevistas de más de 40 artistas y alrededor de otras 19 personas en las áreas de medios de comunicación, producción y administración, implicaron hacer las mejores preguntas. Hinojosa quería incluir perfiles muy variados que pudiesen retratar la música mexicana desde distintas perspectivas profesionales y personales.

Eso la llevó a hacer una investigación más profunda en busca de lo que creían que eran las mejores respuestas. Le preguntaba a sus primitos de 21 años sus opiniones de la música mexicana. Se fue a las calles de México a conversar con la gente sobre sus gustos musicales. Buscó incluir figuras externas a la música, tal y como el boxeador profesional mexicano Canelo Álvarez.

“Yo creo que eso ayudó muchísimo porque, al final, ellos son mexicanos también y por más de que no sean cantantes o no tengan nada que ver con eso, son personas que escuchan música todos los días”, dijo Hinojosa. “Cuando entrevistamos a Canelo, él dice: yo todo el tiempo estoy escuchando música. Yo estoy viendo cómo puedo apoyar a artistas en mi país. Yo sabía que también tener esos perfiles iba a ser importante para contar una buena historia”.

Con esa mezcla variada de perfiles, vino una nueva tarea retadora: editar el documental GEN MEX. Fue una ardua labor no solo por la gran cantidad de información que recopilaron, sino también porque en medio del proceso de edición, el editor Jesús Manucci tuvo una pérdida personal muy fuerte.

“Para él también fue como que: ok, me acaba de pasar esto, pero tengo que entregar esto la semana que entra y ¿cómo le voy a hacer esto? Sabes”, recordó Hinojosa.

A pesar de los obstáculos que se presentaron en el camino, Manucci logró una edición cautivante que genera cierto suspenso para enganchar a la audiencia en cada uno de los episodios. Se creó un juego con las respuestas de las personas entrevistadas para entender cuál fue la canción que viralizó y cambió la música mexicana a nivel global.

¿Cuál fue la canción que cambió todo?

Para contestar esa pregunta, Hinojosa y el equipo escogieron las respuestas que más se repetían entre las personas entrevistadas. Las mezclaron con las ganas de contar datos sobre la música mexicana que sabían que tal vez la audiencia no conocía. A eso, agregaron el rol tan fuerte que la tecnología ha tenido en la industria musical, ya sea por medio de las redes sociales o las plataformas digitales de streaming.

Toda esa información que iban recopilando, la trataron cuidadosamente en distintas temáticas por medio de la edición. A nivel visual también fue un fuerte trabajo ya que Hinojosa considera el color como un elemento sumamente importante de sus historias. Es una herramienta que le ayuda a contar mejor sus narrativas.

“Sí soy muy picky [quisquillosa] con el color. El documental que saqué en Amazon, yo creo que eso fue lo que más me quería ahorcar mi equipo porque un día mandé como 400 notas de color”, dijo Hinojosa, riéndose. “Y me hablaron de que no puedes mandar 400 notas si tenemos que entregar esto pasado mañana”.

Ese nivel de detalle para Hinojosa era porque quería que hubiese una unificación entre los colores. Habían filmado el documental en diferentes partes y ciudades con distintos tipos de iluminación. La clave estaba en que todo estuviera unido y no hubiera una separación entre las personas entrevistadas y los ambientes en que estaban.

Entre los colores y la información, Hinojosa vio que se vino encima una ola de música que le fue dando el sentido a la narrativa. Que no podían quedarse con solo una canción como respuesta a la pregunta elemental del documental.

“Justo cuando quedaba en esa parte de cuál fue la canción que cambió todo, se vino otra ola de información. De que fue esta, pero no podemos descartar la otra que fue justo después. No fue una”, dijo Hinojosa. “Como todo va tan rápido en la música, de la nada salió toda esta ola de esta canción y Bad Bunny y Grupo Frontera. Y después, obviamente Ella baila sola de Peso Pluma. Como que fueron muchas canciones que después se hicieron así como globales”.

Para contestar esa pregunta visualmente, se ve cierto ritmo y juego entre las respuestas de múltiples artistas como Eden Muñoz, Natanael Cano, Ana Bárbara, Danna, Xavi, Fuerza Regida, Los Tucanes de Tijuana, Estevie, Majo Aguilar y más. Esta información fue complementada con el conocimiento de comunicadores, ejecutivos y productores como Tomás Mier, Edgar Barrera, Isabela Raygoza, Pepe Garza y demás.

Esta mezcla de opiniones y conocimientos fue planteada armoniosamente para que quienes vean el documental puedan aprender sobre la nueva generación de artistas de la música mexicana. Para que también puedan entender qué fue lo que pasó y por qué actualmente la música mexicana creció tanto y se encuentra en el punto en el que está actualmente a nivel global.

La música mexicana como salsa

GEN MEX también es una exploración del repertorio tan variado que México tiene en cuanto a sus géneros musicales y por eso, Hinojosa no podía descartar ningún género. Tenía que hablar sobre esa gran mezcla y sazón mexicana.

“La música mexicana es como una salsa. Hay diferentes tipos de salsa. Es como diferentes salsas, pero todas son una salsa al mismo tiempo y tienes diferentes. O sea, tienes la de chile árbol. Tienes la de habanero. Tienes la de verde. Todas son buenas”, dijo Hinojosa. “Siento que esa es la música mexicana. O sea, tenemos cumbias. Tenemos corridos. Tenemos corridos tumbados. Tenemos banda. Tenemos pop. Tenemos boleros. Tenemos mariachi”.

Para ella, todos estos géneros musicales son muy mexicanos, de buen sabor y todos tienen su sazón. Son parte de su cine que habla sobre la música mexicana. Son parte de su cine musical que busca utilizar los colores para enganchar a la audiencia por medio de historias visuales cautivantes donde no se limita a estar en una sola caja.

Su cine musical es un tipo de arte donde la música, el cine y la fotografía bailan juntos para hablarle de cerca al público y donde se refleja la conexión muy fuerte que tiene con sus raíces. Es un arte donde tiene la libertad de ver cada proyecto como un lienzo nuevo donde puede experimentar con ciertos estilos y géneros musicales que no caen en un estereotipo que la definen a ella como persona y artista.

Es un arte y cine musical donde México brilla fuertemente por su diversidad y donde Hinojosa simplemente quiere poner su granito de arena para dejar una huella en la cultura. Para dejar un arte mágico que trascienda y en el cual su pasión queda plasmada en la pantalla.

“[Se trata de] hacer lo mejor que puedo para que la cultura de la que somos tenga esta forma visual. Cuando pasen los años en el futuro de que: ah bueno, ¿y cómo se veía el arte en cierta época? En 2025”, dijo Hinojosa. “Estaba pasando esto y si puedo aportar algo, pues, ya siento que dejé algo como artista y con los otros artistas que tengo la oportunidad de colaborar”.

Para aprender más de cómo Hinojosa crea su cine sobre la música mexicana, pueden seguirla en Instagram como @directoramami. Ella es una de las múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE I: Cómo Alejandra Hinojosa crea su cine musical

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

A los dieciséis años Alejandra Hinojosa ya sabía que quería dedicarse profesionalmente a hacer videos de música. Lo tenía muy claro. Sabía que así iba a empezar su carrera, pero también tenía un amor muy profundo por la fotografía a tan corta edad. En su adolescencia, la fotógrafa y directora de cine mexicana, siempre cargaba una cámara con ella.

“Me tocó justo esa etapa donde podías en una cámara digital, también grabar videos y no fue como que un día decidí hacerlo, sino que siempre la fotografía lo tenía de un lado”, dijo Hinojosa, emocionada. “Ya sea fotografiando a mis familiares o personas en mi colegio”.

Con esas ganas de estar constantemente fotografiando a las personas que estaban alrededor suyo, también descubrió en el cine la posibilidad de utilizar muchas formas de arte al mismo tiempo. A ella le gusta mucho dibujar y la música. En el cine encontró una manera dónde podía unir todas estas disciplinas artísticas mientras que llevaba simultáneamente la fotografía.

Esa exploración del cine y la fotografía sin límites no solo viene del gusto por contar historias mezclando distintos tipos de arte, sino que también viene de su crianza. Hinojosa es de la ciudad de Matamoros en el estado de Tamaulipas, México. Una ciudad mexicana que está justo en la frontera colindando con la ciudad de Brownsville en el estado de Tejas, Estados Unidos.

Ella creció en una de las partes de la frontera donde se puede cruzar más rápido. Vivía en la parte de México, pero estudiaba en Tejas. Hacía actividades después del colegio en Tejas y luego regresaba a México durante el mismo día. Para ella fue una experiencia muy padre (buena) porque vivía en esos dos mundos todos los días y crecía con el arte y la cultura de ambos países.

“Yo creo que también el hecho de que soy de la frontera, me siento como que nunca he pertenecido en un lugar específicamente. Entonces, eso me quita esas etiquetas de: ah, solo hago arte para tal género. De tal estilo”, dijo Hinojosa. “Entonces, creo que también tiene mucho que ver de mis raíces y de dónde vengo. Porque mis raíces son esas. No me siento que no soy ni de aquí ni de allá y eso me da más libertad de crear sin ponerme de que en una caja”.

No ponerse en una caja la ha llevado a fotografiar una gran variedad de artistas musicales como Doja Cat, Faouzia, Young Miko, Greeicy, Feid, Yandel, Carla Morrison, Ricky Martin y más. En el cine, ha tenido la dicha de explorar diferentes géneros audiovisuales como los videos musicales, videos documentales y videos narrativos.

Para llegar a ese punto, Hinojosa se preparó mucho a nivel académico, ya que estudió cine en la Escuela de Cine de Nueva York (NYFA) y llevó múltiples cursos de cine en la Universidad del Sur de California (USC). En esa época de su vida se preparó mucho para crear videos de música. Estudió bastante. Veía muchísimos videos. Hizo muchas pasantías con diferentes directores que admira bastante.

Cuando empezó en el mundo de los videos musicales, le tocó aprender sobre cómo artistas distribuyen su música.

“La manera en cómo los artistas distribuyen su música no es nada más en un video en la tele, sino también es en artículos. Es en las portadas que tienen en cada canción”, dijo Hinojosa. “Entonces, para mí fue como que entender que la fotografía es la razón también por la cual mi carrera sigue andando. Porque no se puede dirigir todo el tiempo hoy en día. Es la realidad”.

El arte de la pasión

Por eso, el cine, la fotografía y el arte las entiende como herramientas que puede utilizar para enseñar algo visual que quiere contar. La fotografía le da más libertad. El cine es muy específico y no puede hacerlo constantemente porque requiere de mucha colaboración y de un equipo.

Estas tres disciplinas también son su manera de expresarse como artista. Es algo que le apasiona mucho desde muy chiquita y no se ve haciendo algo que no sea arte. Trata siempre de hacer lo mejor que pueda con lo que tiene. En cada proyecto que toma, trata de dejar su huella para que sus clientes estén contentos y contentas con el resultado final.

Cada vez que crea una nueva pieza, el proceso siempre es diferente. Si es un video musical, escucha la canción y encuentra bien qué es lo que quiere contar. Luego, hace un tratamiento para enviar a una disquera. La disquera y el artista tiene varias propuestas y escogen la que más les guste.

Después, Hinojosa dibuja story boards (guiones gráficos) y si no tiene tiempo, trabaja con artistas que hagan estos dibujos. Le gusta tener una descripción visual detallada para que, a la hora de rodar, la propuesta del video musical esté muy claro. Una vez que eso está decidido, busca un gran equipo para ejecutar el proyecto, pero siempre depende de las necesidades de los artistas con los que está colaborando.

En el caso de un documental, el proceso es distinto porque puede cambiar mucho al estar documentando la realidad. Cuando Hinojosa colaboró con la artista argentina Tini Stoessel, eso fue lo que sucedió. Stoessel y la disquera la buscaron para que la acompañara mientras grababa el álbum “Un Mechón de Pelo”.

“Ella quería hacer algo súper íntimo. La disquera pensó en mí en estar ahí acompañándola. Filmarla”, dijo Hinojosa. “Ella para eso me quería contratar. Para que la acompañara a documentar cómo se estaba sintiendo. También, que ella se sintiera tranquila en ese espacio porque era un álbum que era muy personal. Entonces, cada proyecto tiene como su propia energía, pienso yo”.

Ese pequeño documental que filmó con Stoessel lo hizo en blanco y negro porque es más el estilo y estética de Hinojosa. Ella siente que hay cosas que no merecen estar a color y el blanco y negro vienen de su gusto personal y estético. También es algo con lo que se va intuitivamente y siente que a sus cliente se les ve mejor.

En este caso, el blanco y el negro le da más profundidad a la historia que estaba contando con Stoessel. Una historia donde las emociones juegan un rol importante. Era un proyecto muy especial donde Stoessel estaba triste y era capturar una experiencia sumamente personal. Pero siempre depende de lo que se está contando y el color es una herramienta que ayuda con esa narrativa.

Dirigiendo sin “MAQUILLAJE”

En el video musical “MAQUILLAJE” de Renn, Yexel, Nio García y Myke Towers, el color juega un rol diferente. En esta ocasión, Hinojosa tuvo la oportunidad de dirigir la pieza con los directores Simon Brand, Sergio de Ávila y Jérome Lehoucq. Ahí hay un juego entre diferentes tonos de azul y rosados que acompañan visualmente la narrativa que se está contando.

Para Hinojosa, la oportunidad de participar en este video musical se dio en un año donde le estaban empezando a llegar más canciones de las disqueras y de artistas que ella admira mucho. En varias ocasiones, Hinojosa hizo algunas propuestas para los videos musicales de Myke Towers. Hacía su mejor trabajo, pero no le contestaban, lo cual es parte de la realidad de la carrera en la que está inmersa.

Toma mucha dedicación, esfuerzo y convicción seguir intentándolo hasta recibir un sí. Finalmente, cuando se dio esta oportunidad, la disquera le dijo a Hinojosa lo que andaban buscando. Cada vez que ella escuchaba la canción, notaba que tenía un mensaje súper bonito. Que una mujer se ve linda sin maquillaje y no necesita estar pintada.

“Puedo poner un mensaje que yo quiero contar en este video y me fui por eso. Me fui por el mensaje de que vivimos en una sociedad donde toda la gente se pinta mucho”, dijo Hinojosa. “Y me encanta también el maquillaje, pero ese video está muy bonito”.

El video empieza con una señora viendo a una chava (muchacha) vestida de rosado que va apurada a una sesión de fotos y no le da tiempo de maquillarse. Llega a la sesión sin maquillaje y con una actitud de “ahí te voy”. La seguridad en sí misma es tan contagiosa que las demás mujeres que aparecen en la sesión, se desmaquillan.

La fuerza femenina y la belleza diversa se reflejaron de manera notable en una canción y video musical con una personalidad sumamente latinoamericana. Tiene artistas de Puerto Rico, Colombia, Ecuador y Cuba. Tiene a Hinojosa como directora, quien es mexicana. El equipo del crew es colombiano. La persona que lo organizó es argentina.

“Como que era puro Latinoamérica. Entonces, era como que también tratar de hacer lo mejor que se podía con lo que teníamos”, dijo Hinojosa, emocionada.

Era puro Latinoamérica, pero con un giro. Es un video musical que reta las narrativas visuales de un género tradicionalmente machista como el reggaetón, lo cual es algo que Hinojosa siempre ha querido cambiar

“Crecí con tantos videos que venían muy parecidos a esa narrativa de machismo. De la mujer en bikini al lado como si fuera un trofeo y era como esa oportunidad de decir: es una canción de reggaetón, pero esta canción de reggaetón está diciendo algo muy importante. Que una mujer se ve muy bonita sin maquillaje y no necesita todo lo demás para ser bonita”, dijo Hinojosa, vehementemente.

Por eso, algo tan sencillo y sutil como el uso del rosado en la ropa que utilizan los artistas hombres hace una gran diferencia en la narrativa. Eso y mostrar la diversidad en la belleza femenina por medio del casting que escogieron. Estos pequeños detalles crearon un gran impacto. Tanto así, que a Hinojosa le mencionaron que para el anuncio “Better in denim” de la marca de ropa GAP, el video de “MAQUILLAJE” sirvió como inspiración por tener presente a tantas mujeres sintiéndose cómodas en un mismo lugar con su belleza única.

“Al Chile” con el amor

De una u otra manera – ya sea conscientemente o inconscientemente – Hinojosa siempre retrata a las mujeres sintiéndose cómodas y como los personajes principales que son. Es parte de su cine musical. En el video “Al Chile” de la artista mexicana Ruzzi, eso está muy evidente en la historia que está contando visualmente.

Esa es la primera canción que Ruzzi hace en el género de los corridos tumbados e Hinojosa le ayudó a producirla con el reconocido productor estadounidense Denzel Baptiste. Cuando terminaron de producir la canción, Ruzzi le dijo a Hinojosa que quería que ella le dirigiera el video musical.

Ruzzi llegó a Los Ángeles – ciudad donde vive Hinojosa – e hicieron todo paso por paso. Es una historia muy chistosa para Hinojosa porque en su mente tenía la imagen de una historia de amor. De eso de que cuando una persona está tan enamorada, ya está lista para vivir con la otra persona. De que al chile (en serio) tienen que hacer todo juntos.

“Entonces, después de que pensamos que esa era la idea enfocada en una persona, yo tengo una amiga que estaba súper enamoradísima de una persona y había terminado su relación”, dijo Hinojosa. “De esas relaciones que piensas que tipo van a durar para siempre”.

Esa amiga, llamada Sandra, un día le contó súper triste que había terminado la relación y después de eso, Hinojosa no supo nada de ella por un tiempo. No sabía qué había pasado, pero de la nada, volvió a ver a su amiga con una paz, felicidad y un aura de te mamaste (hizo algo fuera de lo común).

La respuesta no era un hombre, una mujer, ni una relación nueva.

Era que Sandra había empezado a montar a caballo – o yegua, para ser más exacta. Empezó a montar después de los incendios en Los Ángeles y también empezó a trabajar en establos.

Eso nada más le dio una gran idea a Hinojosa: ¿por qué no una yegua? Se preguntaba: “¿quién realmente te va a llevar a una cima a ver una vista espectacular?”. Pues, una yegua y en eso, le fue a contar a Ruzzi de la idea.

“Le dije que: güey, siento que esto estaría muy chistoso. Porque siempre tenemos esta idea de la típica love story [historia de amor], pero mi amiga, Sandra, que de hecho es la que sale en el video, ella es la que está feliz montando”, dijo Hinojosa. “Y tengo esta idea de hacer una historia. Un love story de eso. De que no es un hombre. Sabes. O una mujer. Es un animal que le cambió ese estado de querer hacer algo todos los días con alguien”.

Cuando Hinojosa le contó la idea, Ruzzi se atacó de la risa y le dijo que sí a la historia. Hizo el video con Ruzzi, su amiga Sandra y Victoria la yegua. Dejó que todo fluyera. También puso a Victoria como un personaje principal al hacer el video en blanco y negro porque quería que destacara.

“Creo que también la yegua, Victoria, se ve muy bonita y como es blanca, cuando tú lo haces en blanco y negro, el blanco resalta demasiado”, dijo Hinojosa. “Entonces, cuando yo veía el video y veía a la yegua y yo decía: no manches. Yo quiero que ella también sea la estrella. Se trata del love story de Sandra. Y luego, a Ruzzi también la puse en colores claros”.

El proceso de Hinojosa para este proyecto no solo fue desde la parte visual, sino que también desde la producción musical. Pudo unir sus dos pasiones de la música y el cine. Pudo también alentar y apoyar a Ruzzi a explorar los corridos tumbados porque las dos son norteñas y crecieron escuchando ese tipo de música.

Todo es parte del cine musical que Hinojosa crea día a día. Es un tipo de arte que utiliza los colores para enganchar a la audiencia por medio de historias visuales cautivantes. Es un tipo de arte donde la música, el cine y la fotografía bailan juntos para hablarle de cerca al público. Es un tipo de arte donde tiene una conexión tan fuerte con sus raíces, que eso la llevó a dirigir uno de los proyectos más grandes de su carrera.

“No soy una chava que creció nada más escuchando Luis Miguel en la Ciudad de México. O sea, no que la gente de la Ciudad de México no escuche otras cosas, pero sí crecer en la frontera”, dijo Hinojosa. “Como que sí crecí escuchando muchos géneros y muchos corridos porque de hecho, los corridos sí empezaron en la frontera”.

Estén atentos la próxima semana para la PARTE II en donde exploraremos cómo Hinojosa crea cine sobre la música mexicana.

Para aprender más de cómo Hinojosa crea cine musical, pueden seguirla en Instagram como @directoramami. Ella es una de las múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE II: Cómo Hernán Ayala Tirado diseña un Puerto Rico descolonizado

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

En la PARTE I aprendimos cómo Hernán Ayala Tirado diseña portadas de álbumes musicales. Ahora, vamos a adentrarnos en cómo diseña un Puerto Rico descolonizado. Su constante colaboración con artistas musicales, ya sea desde sus trabajos con MTV y Atlantic Records hasta la creación de su propio estudio de diseño gráfico Unapproved Studio, lo han llevado lejos artísticamente a nivel comercial e independiente.

Una de las colaboraciones más grandes del artista, diseñador gráfico y director de arte puertorriqueño, fue poder participar en el álbum “DeBÍ TiRAR MáS FOToS” de Bad Bunny y en la creación de su merch (mercancía). La oportunidad se dio para Ayala Tirado cuando envió su portafolio al equipo de Bad Bunny. Además, otras personas también lo habían referido y luego lo contactaron para trabajar directamente con Janthony Oliveras, quien es el director creativo de Bad Bunny.

A partir de ahí, Ayala Tirado colaboró directamente con Oliveras y el equipo de diseño gráfico conformado por Nannette Mariela García, Gadiel Morales y Sebastián Muñiz. A Ayala Tirado le enviaron las instrucciones de lo que querían y a partir de ahí, pasó largas horas trabajando.

“Eso es normal cuando son proyectos así de grandes. Eso pasa y hay veces que, hasta ese tipo de cosas, alimentan otro tipo de inspiración y logramos hacer más cosas interesantes”, dijo Ayala Tirado.

Una de las piezas más importantes donde Ayala Tirado colaboró fue en el logo del Sapo Concho con la frase “seguimo aquí”. Ese logo en particular fue el resultado de la colaboración entre Oliveras, Mosh Rivera, Quique Rivera, Acho Studio y Ayala Tirado. Oliveras fue quien lideró la dirección creativa. Mosh Rivera fue el que ilustró al Sapo Concho. Quique Rivera y su estudio de animación Acho Studio crearon el personaje del sapo.

Ayala Tirado creó la tipografía y la diagramación del diseño del logo, el cual está en la parte trasera del álbum “DeBÍ TiRAR MáS FOToS” y se convirtió una pieza clave de la cultura popular en Puerto Rico y Latinoamérica. Para entender su popularidad, hay que aprender primero quién es el Sapo Concho.

“Seguimo aquí” con el Sapo Concho

Esta figura animada está basada en el sapo concho puertorriqueño, el cual “es una especie de anuro de la familia Bufonidae” y es endémico de la isla.​ Actualmente, esta especie de sapo está en peligro de extinción ya que su hábitat natural está siendo destruida. Además de su conexión con la naturaleza de la isla, el logo también habla fuertemente de la realidad social compleja que Puerto Rico está enfrentando.

La frase “seguimo aquí” se conecta con el fuerte fenómeno social de la gentrificación que la isla caribeña está experimentando.

“Yo creo que es un mensaje súper fuerte. Está hablando de nosotros como puertorriqueños y defensores de nuestra cultura y obviamente, residentes de esta isla”, dijo Ayala Tirado. “Que los que están aquí, siguen aquí. Eso es lo que quieren decir, tú sabes. Nadie se va de aquí”.

Para Ayala Tirado es un mensaje bastante importante culturalmente y socialmente porque no mucha gente se puede quedar en Puerto Rico. Muchas personas se han tenido que ir porque fueron desplazadas por la situación que vive la isla. Ayala Tirado mencionó que el estilo de vida, la renta y muchas más cosas están muy caras.

Además, muchas personas estadounidenses están mudándose a la isla, lo cual agrava más el desplazamiento que él mencionó.

“Hay compañías que están llegando aquí. En realidad, lo que hacen es aprovecharse de los programas de incentivos para las corporaciones extranjeras. No pagan impuestos y eso obviamente crea mucho conflicto con los residentes de aquí”, dijo Ayala Tirado. “Los precios siguen subiendo por todos lados. Tiene una correlación bastante directa con ese tipo de cosas que están pasando con lo de la Ley 22”.

De acuerdo a la organización Popular Democracy in Action, “el gobierno de Puerto Rico, en un esfuerzo por atraer a inversionistas ricos a la isla, aprobó en el 2012 la ‘Ley Para Incentivar el Traslado de Individuos Inversionistas a Puerto Rico’; mejor conocida como la Ley 22, luego consolidada en la Ley 60–2019. Las personas adineradas que se mudaron a Puerto Rico recibieron una exención contributiva total y sin precedentes sobre todo ingreso e inversión”.

Para Ayala Tirado, la Ley 22 ha influido en la afectación del desplazamiento de los residentes boricuas en su propia isla y por eso le parece importante que Bad Bunny quiera hablar de ello en su proyecto.

“Que seguimos aquí. Yo creo que es una forma de poder empujar a la gente local para que no se quiten”, dijo Ayala Tirado. “Para que sepan que hay gente aquí como nosotros. Gente puertorriqueña que estamos aquí para meterle. Se van a quedar aquí”.

Es un mensaje bien fuerte, importante y personal para muchas personas porque toca diferentes temas políticos. Que también Ayala Tirado cree que se puede relacionar con muchas cosas que están pasando alrededor del mundo. Abarca muchas personas y situaciones políticas.

Ayala Tirado también encuentra en esta frase la relación directa de lo que está sucediendo con las playas en Puerto Rico. Las están tratando de privatizar y a causa de ello, se están derrumbando hogares para construir nuevos hogares en la forma de Airbnbs y hoteles.

“Yo entiendo que este tipo de inversiones aporta a la economía turística, pero al final del día ¿a costo de qué? ¿A costo de otras vidas? ¿De gente que vive ahí? Por eso este tema y por eso el proyecto de él [Bad Bunny] es tan importante”, dijo Ayala Tirado. “Porque está hablando de todo este tipo de cosas indirectamente y directamente. Con metáforas. Con simbología. Él pensó en todo y para mí, eso viene siendo el Sapo Concho, que representa eso”.

Además de colaborar con la creación de ese logo en particular, Ayala Tirado también tuvo la oportunidad de crear las tarjetas de título de los videos musicales “PIToRRO DE COCO” de Bad Bunny y “WELTiTA” de Bad Bunny con Chuwi. En el caso de esas colaboraciones, fue un proyecto que Ayala Tirado trabajó con el director puertorriqueño-dominicano Robinson Rivera. El proceso de estas piezas fue bastante rápido de ejecutar en tan solo uno o dos días en total.

Pero estas obras de arte solo son una pincelada de cómo Ayala Tirado diseña un Puerto Rico descolonizado. Recordemos que él utiliza distintos medios artísticos para comunicar mensajes políticos donde la libertad de expresión termina siendo una forma de arte trascendental.

La República Descolonizada de Puerto Rico

Para él, sus proyectos personales son una guerra mental porque dice que él es su peor crítico. Quiere que quede perfecto y quiere estar orgulloso de su arte. Suelen ser piezas más tediosas porque requiere bajar su ego para poder colaborar con sí mismo. Por eso es que su obra de arte del pasaporte de la República Descolonizada de Puerto Rico es tan impactante y cautivante.

“Eso fue un proyecto de tesis de universidad que yo quería explorar cómo se iba a ver un pasaporte puertorriqueño porque obviamente no tenemos pasaporte. El pasaporte que tenemos es el estadounidense”, dijo Ayala Tirado. “Ya eso viene siendo tomando una postura bastante clara políticamente”.

Ayala Tirado tenía esa inquietud viva en su ser. Quería saber cómo sería la identidad visual de Puerto Rico en ese mundo. Por eso la nombró como la República Descolonizada de Puerto Rico con una postura anti colonia. La idea del proyecto era darle un pasaporte a las personas interesadas.

Para eso, hizo una instalación en donde le pedían a las personas que llenaran un formulario. Se documentaba el formulario, les tomaban una foto, se llenaba el pasaporte y se le entregaba a quienes participaban. El proyecto se presentó en varias ocasiones: tres veces en Nueva York y una en Puerto Rico.

Es un proyecto que empezó conceptualizando en el 2016 y su primer performance fue en el 2017. La última presentación fue en el 2019 en la galería Pública en Santurce, Puerto Rico.

“Fue bien bonito. Mucha gente llegó. El de Puerto Rico fue súper bueno. Fue curado por Armig Santos, que es pana de nosotros también”, dijo Ayala Tirado. “Y es un proyecto que trabajé con Sabroso Projects, que es un proyecto curatorial de mi mejor amigo Antonio Del Valle-Lago”.

El pasaporte de la República Descolonizada de Puerto Rico de Ayala Tirado iba de la mano con el proyecto de tesina de Del Valle-Lago llamado “Nu Criollo”. En ambos hay mucha simbología en referencia a la premisa anti colonia en la que está basado.

El color verde es representativo de la tierra de Puerto Rico. El logo de la República Descolonizada de Puerto Rico es una estrella negra en referencia a la bandera negra puertorriqueña, la cual es la bandera de protesta. El pasaporte también contiene la frase del abogado y político Pedro Albizu Campos que dice “la ignorancia es el peor manicomio al que se puede condenar un pueblo”.

“Todo tenía que ver con la independencia, la anti colonización de Puerto Rico y tomando esa postura bastante fuerte y clara dentro del proyecto”, dijo Ayala Tirado.

La postura política de Ayala Tirado siempre está muy clara en sus obras personales. En su afiche en blanco y negro que dice “Que Biene el Coco”, está sumamente clara. La foto es del activista puertorriqueño Tito Kayak – quien fue arrestado esta semana en una protesta – en el 2019 durante las protestas en contra del ex gobernador de Puerto Rico, Ricardo Rosselló.

“Él [Tito Kayak] estaba cambiando la bandera americana [estadounidense] por otra bandera con un mensaje que dice: Ricky Renuncia, fuera de la gobernación. El pueblo de PR salió a la calle y lograron que Ricky renunciara su puesto como gobernador”, escribió Ayala Tirado en un mensaje.

Además de la connotación política por la imagen, la frase del afiche es en referencia al grabado “Que viene el coco” de la serie Los Caprichos del pintor español Francisco de Goya. Ayala Tirado le dio su propia interpretación a la frase y la adaptó a su contexto puertorriqueño. Para él, el Coco o el Cuco – como le dicen en la isla en referencia a la figura folclórica que asusta niños y niñas – era el pueblo boricua.

“El Cuco venía por Ricky para que renunciara”, escribió Ayala Tirado en un mensaje.

El Cuco es uno de los muchos elementos de su arte que busca diseñar gráficamente un Puerto Rico descolonizado, ya sea con un artista que le llega a las masas como Bad Bunny o por medio sus obras personales. Es arte que encuentra la razón de ser por medio de mensajes sumamente políticos. Es arte con el cual se siente muy agradecido por ser parte de la ola puertorriqueña y latinoamericana cultural que está cambiando el mundo actualmente.

“No hay nadie como nosotros. En cortas palabras, creo que tenemos mucha gente talentosa”, dijo Ayala Tirado. “Mucha gente con ideas bien buenas y tenemos una cultura hermosa. Dentro de eso, compartimos un lenguaje bien bonito y me da mucho orgullo ser parte de esto”.

Para aprender más de cómo Ayala Tirado diseña un Puerto Rico descolonizado, pueden seguirlo en Instagram como @hayalatirado o @unapprovedstudio . Él es uno de los múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Somos El Parlante para artistas en Iberoamérica.

PARTE I: Cómo Hernán Ayala Tirado diseña portadas de álbumes musicales

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Desde chamaquito, Hernán Ayala Tirado creció inmerso en el skate, el surf y la música. Pasaba viendo constantemente MTV. Se sumergía profundamente en las subculturas y estaba muy pendiente de ello. Siempre quería pintar paredes, diseñar, tener su propia línea de ropa, hacer graffiti, patinar y surfear.

El artista, diseñador gráfico y director de arte puertorriqueño siempre estaba metido en esos mundos. Era lo que quería y conforme crecía, empezó a experimentar con el diseño, las camisas y los logos para clientes. Se mudó a Nueva York para obtener su bachillerato en bellas artes enfocado en diseño gráfico en el Instituto Pratt. Ahí estudiaba arte y entró al mundo del diseño gráfico más tradicional.

“Esto lleva, de verdad, desde chiquito. Desde que tengo memoria de la infancia. Desde que me recuerdo, me gustaba mucho dibujar y replicar logos de marcas de surfear y marcas de skateboard [patinaje]”, recordó Ayala Tirado. “Eran cosas que siempre me interesaban. Trataba de replicarlo para ver si me salía porque tenía esta idea de que quería tener mi propia marca también”.

Siempre quiso ese vínculo con estas distintas subculturas y después de graduarse de la universidad, tuvo la oportunidad de trabajar en lugares como MTV y Atlantic Records. En MTV trabajó como diseñador gráfico por dos años y luego, en Atlantic Records también estuvo como diseñador gráfico y director de arte durante casi cinco años.

Al haber estado tan metido en ese mundo, trabajaba en proyectos bastante grandes y con artistas internacionales. Su diseño de portadas de álbumes y otros elementos del diseño gráfico incluye un repertorio variado de artistas como Wallows, Bad Bunny, iLe, Pink Pablo, Empress Of, Peso Pluma, Young Miko, Buscabulla, Winona Oak y más.

La relación entre la música y el arte

Pero para entender bien el recorrido de Ayala Tirado, en este mundo que lo llevó a crear su propio estudio de diseño llamado Unapproved Studio, hay que viajar en el tiempo a su pasado. Todo empezó cuando era pequeño y su relación con la música a través del arte iba creciendo lentamente. Una de sus actividades favoritas era ir a La Gran Discoteca en San Juan, Puerto Rico.

“Era una tienda súper vieja aquí en Puerto Rico. Donde tú podías encontrar todos los CDs que tú querías. Antes de ser iTunes. Antes de Spotify. Antes de Apple Music. Tú ibas a estos lugares en persona a buscar música”, recordó Ayala Tirado emocionado.

Así encontraba la música y se perdía viendo todas las portadas de los CDs. Se detenía a ver qué le llamaba la atención. Él iba rápido a la sección de heavy metal y nu metal. Veía las portadas de Slipknot, Linkin Park, P.O.D y muchas más bandas. Le encantaba abrir los CDs para leer las letras en los folletos y admirar las fotos, ilustraciones o diseño gráfico que las acompañaban.

También le gustaba mucho uno de los discos de Deftones y observar el trabajo del diseñador Frank Maddocks, quien es uno de sus artistas favoritos. Lo que más le interesaba era esa búsqueda de CDs basada principalmente en las portadas. Si le gustaba mucho el arte, escuchaba la música.

Uno de los álbumes que más impacto le causó a Ayala Tirado fue “…And Justice for All” de Metallica. Lo considera como una portada ilustrada icónica.

“Así vino siendo mi relación con el diseño. Porque eventualmente yo quería hacer eso. [Quería] hacer carátulas. Quería hacer diseños para artistas, merch [mercancía]. Todo ese tipo de cosas”, dijo Ayala Tirado.

Por eso y muchas otras razones, la relación de la música y el arte está tan presente en las creaciones de Ayala Tirado. Es una conexión muy implícita y natural. No solo porque es el mundo en el que se mueve, sino porque ambas disciplinas artísticas se alimentan la una de la otra.

Es una relación bastante abstracta en la cual Ayala Tirado constantemente confía en su intuición creativa. También tiene muy claro cuáles roles tiene que cumplir a través del diseño gráfico, la dirección de arte y el arte. El diseño gráfico lo definió como la parte más gráfica que está trabajando la tipografía y la comunicación visual. Se trata de cómo comunica visualmente un mensaje para que el público lo entienda.

La dirección de arte requiere encargarse de que todas las fases artísticas de un proyecto sean consistentes. Es la disciplina que empuja la visión e idea creativa hacia adelante hasta llegar a la recta final. El arte, por otro lado, es la parte que definió como de más presión. Es la disciplina donde se pueden combinar el diseño gráfico y la dirección de arte.

“[Es la parte] menos vinculada con el aspecto más como comercial que tiende a tener el diseño gráfico y la dirección de arte. Hay mucho crossover”, dijo Ayala Tirado. “So, también tiene que ver con los medios que se utilizan y por medios, me refiero a medios plásticos o medios análogos. Ese tipo de cosas”.

La libertad de expresión como arte

Pero más allá de los aspectos técnicos, cada una de estas disciplinas artísticas para él representan la capacidad de expresarse con diferentes medios. Representan tener una responsabilidad para comunicar mensajes donde muchas veces está tomando posturas políticas al hablar o crear arte con algún artista que tiene ideales iguales que los suyos.

Ayala Tirado siente que tiene una responsabilidad porque tiene mucho poder con comunicar mensajes que pueden llegarle más profundamente a los demás y cambiar la perspectiva de alguien.

“A mí me pasaba eso cuando veía afiches políticos y obviamente, son cosas que le chocan a uno. Lo hacen pensar. Te hace cuestionar la realidad y el estatus quo”, dijo Ayala Tirado. “So, definitivamente tiene una responsabilidad bastante alta y pa mí eso es lo que significa”.

Su arte, diseño gráfico y dirección de arte es sinónimo de una creación artística donde ejerce responsablemente y libremente la libertad de expresión. Es lo que es más importante dentro de su práctica y se conecta con el graffiti y el arte callejero, los cuales todavía están muy presentes para él.

Mucho del arte y diseño gráfico que crea para artistas musicales y para sus proyectos personales, incluye escribir a mano. Utiliza la memoria muscular que todavía vive en sus manos de los tiempos en que pintaba graffiti en paredes. Ahora, hace eso en papel con lápices, bolígrafos y marcadores y también le da mucha importancia a la parte subversiva y controversial del grafiti que sirve para llamar la atención. Le gusta impactar visualmente al público por medio del contraste.

“Yo digo que le debo mayor parte de mi carrera por el graffiti. Por la gente que yo me he rodeado cuando era chamaquito pintando murales y cosas así”, dijo Ayala Tirado. “Porque esa gente inspiró mucho y pues, es algo que se ha quedado mucho tiempo conmigo”.

Se quedó tanto con Ayala Tirado, que se mezcló con su amor por la música y terminó en una estética bastante particular donde trabaja de manera análoga con sus manos. Todo su trabajo visual se trata de cortar, pegar, tomar fotos, imprimir en grandes formatos y escanear. Desarrolló su propio estilo y estética donde hay mucho ruido visual por los granos en los fondos y tipografías de sus piezas.

El proceso creativo caótico

Esto está presente de manera muy clara en sus colaboraciones con artistas como Empress Of y Pink Pablo. En cada uno de sus procesos creativos, Ayala Tirado comienza investigando, conceptualizando mucho y creando bastantes bocetos. Se trata mucho de prueba y error. Tirar muchas ideas y plasmarlas en papel.

Lo describió como un reguero de ideas, diseños, dibujos y escrituras que no hacen mucho sentido, pero eventualmente llegan a ser algo más concreto. Cuando llega a esa parte del proceso, empieza a curar, editar y darle su sensibilidad y voz para llegar al resultado final.

“El proceso es bastante caótico. Hay proyectos que son más difíciles que otros. Hay proyectos que son más cortos. Hay otros que son más largos y requieren un poquito más de research [investigación] y más bocetos”, dijo Ayala Tirado. “Hay como una parte en donde tienes que ser súper messy [desastroso] sin preocupación de que se vea feo o lindo”.

En el EP “Save Me” y el álbum “For Your Consideration” de la artista hondureña estadounidense Empress Of, eso está claro en la colaboración que Ayala Tirado hizo con ella. Son dos piezas donde Ayala Tirado intervino fotografías de la artista con su tipografía y creó mercancía a punta de la estética con el ruido visual característico de su estilo.

En el caso de las colaboraciones con el artista puertorriqueño Pink Pablo, el trabajo en equipo viene por ahí del 2021. Con el nene, cómo Ayala Tirado le llamó en la entrevista, todo empezó con una sesión de fotos que le hizo en aquel entonces. De ahí en adelante, siguió colaborando con él y su manejador Marcos Mazo.

Le ha hecho casi todas las portados de sus álbumes y sencillos. Ha sido un proceso sumamente colaborativo entre Pink Pablo, Ayala Tirado y Mazo. Un proceso donde Mazo hace la dirección creativa y Ayala Tirado trata de poner su granito de arena para diseñar todo lo que necesiten.

“Yo creo que es de esos proyectos que hay cierta libertad. Que me dejan explorar, pero a la misma vez, hay también conversación con Pink Pablo donde él pide cosas específicas y pues, tratamos de hacerlas realidad”, dijo Ayala Tirado. “So, es como que un balance del proceso creativo, pero usualmente es como: mira, tengo esta idea. Vamos a hacer esto y lo hago”.

Ayala Tirado recordó que al principio era una colaboración en donde le decían que hiciera lo que quisiera. Conforme Pink Pablo fue creciendo como artista y su proyecto se concretizó más, el trabajo creativo ha sido más intencional para todos. Está hecho con más cariño y tiene una conceptualización más fuerte.

Se le da más cabeza a todo y hay mucha comunicación entre los tres para traer nuevas ideas para crear nuevas obras, lo cual se ve muy presente los EPs “road 2 neverland” y “ALL I DREAM”.

“El primer EP es ‘road 2 neverland’ y el segundo ‘ALL I DREAM’. Son dos viajes diferentes. Es como que el ying y el yang. Habla de muchos temas personales. Como medio nightmarish [de pesadillas]”, dijo Ayala Tirado. “Cosas así, pero el ‘ALL I DREAM’ es como que saliendo de ese bad trip [mal viaje] y como que teniendo esta vida nueva dentro de la oscuridad adonde estaba”.

Si se habla de la oscuridad y la luz, a nivel de las portadas se podría interpretar la diferencia visualmente. La de “road 2 neverland” es negra. Casi como si fuera el espacio con estrellas blancas y hay un cuadro en la izquierda donde sale un camino blanco. Un camino que tal vez podría ser el que lleve a la audiencia luego al viaje de “ALL I DREAM”. Este EP que salió este año, tiene una portada colorida con un estilo surrealista.

Para esa pieza, Ayala Tirado, Pink Pablo y Mazo querían una ilustración bastante surreal. Incorporaron en el proyecto a la artista multidisciplinar puertorriqueña Larissa De Jesús Negrón. Ella fue quien decidió la paleta de colores del mundo visual soñador y fantasioso que claramente tiene referencias a las obras de Salvador Dalí.

A partir de ahí, Ayala Tirado, Pink Pablo y Mazo pudieron trabajar bien la dirección de arte y la parte trasera del álbum. Han hecho afiches con una nueva intención y ahora se encuentran trabajando en la mercancía de Pink Pablo. Las colaboraciones con Pink Pablo van desde portadas de álbumes y sencillos hasta afiches. El juego con los colores depende mucho de lo que el artista quiere para su proyecto musical.

Este arte, al igual que el resto de sus obras – sean personales o comerciales – son el resultado de la combinación de lo que más le gusta a Ayala Tirado. La mezcla entre la música, el graffiti y la responsabilidad de exponer mensajes visuales a través de sus posturas e ideales políticos. Es arte multimedia que busca crear un impacto en quien lo consume, ya sea por sus colores, contrastes o mensajes.

“[El arte, la música y la emociones] todo comparte la misma función que viene siendo la libertad de expresión. El poder expresar lo que quieras comunicar”, dijo Ayala Tirado. “Creo que eso es lo que más comparte en realidad. As simple as that. Así de sencillo. Pura expresión”.

Estén atentos la próxima semana para la PARTE II en donde exploraremos cómo Ayala Tirado diseña un Puerto Rico descolonizado.

Para aprender más de cómo Ayala Tirado diseña portadas de álbumes, pueden seguirlo en Instagram como @hayalatirado o @unapprovedstudio . Él es uno de los múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Santiago Casillas fingía que tocaba la batería de algunas canciones populares cuando era muy bebé. Luego, le entraron las ganas y la curiosidad por empezar a tocar la guitarra. Era algo instintivo que no tenía mucha explicación ni razonamiento. También, sus papás siempre estaban escuchando música de todo tipo y eso tuvo una fuerte influencia en él.

La música le llamaba mucho la atención desde que tiene uso de la razón y quería aprender a tocar las canciones que escuchaba de otros artistas. Conforme fue pasando el tiempo, el vocalista y artista mexicano, se fue metiendo cada vez más en la música. Se fue a estudiar la carrera de Music, Production, and Engineering (música, producción e ingeniería) en el Berklee College of Music.

“Estaba estudiando en una escuela en Boston en Massachussets, Estados Unidos que se llama Berklee. Me salí porque empecé mi banda y le empezó a ir bien y dije: adiós”, recordó Casillas, riéndose.

Empezó la banda de rock Little Jesus a finales del 2012. Mientras estudiaba, había creado un par de canciones y le dieron ganas de tocarlas en vivo. En unas vacaciones de vuelta en la Ciudad de México, reclutó a amigos que sabía que tocaban bien y que no se conocían entre ellos.

Lo amigos que no se conocían y se llevaron muy bien son el bajista Carlos Medina, el guitarrista Fernando Bueno, el baterista Truco Sánchez Rucobo y el tecladista Arturo Vázquez-Vela. Desde ese momento, Casillas mencionó que supieron que querían hacer música por mucho tiempo.

“Yo creo que fue cien por ciento instintivo. Nos gustaba mucho la música y queríamos tocarla con amigos y después de ensayar, pues, queríamos enseñarles las canciones a más personas”, dijo Casillas. “Simplemente, nos dejamos llevar así por instinto. Nunca hubo como un plan”.

Nunca hubo un plan porque para Casillas la música la comprende como decoraciones del tiempo. Es este tipo de arte al que le da una imagen auditiva con los sonidos y que también le da forma al tiempo. Como si el tiempo estuviese ahí, le echa un polvito mágico y eso hace que las personas puedan percibirla.

También entiende la música como un arte para darle más belleza a la vida. Donde pueden expresarse como banda de la manera que creen correcta dependiendo de cómo se sienten. La música es ese arte donde pueden crear algo en un espacio donde no había una expresión previa. Con esa concepción tan abstracta de la música y el arte, es fácil entender la magia de su música colorida.

La magia y el color están muy vivos en su banda de rock porque están experimentando musicalmente todo el tiempo. No se cierran a nada y crean música que es sumamente inmersiva y sensorial para la audiencia.

Pero para poder consumirnos en el mundo de Little Jesus, hay que entender su proceso para crear canciones, álbumes y la experiencia de sus conciertos

Crear canciones

Casillas dijo que cada quién tiene su propio proceso para crear una canción y que, dependiendo de la canción, este va cambiando. Lo primero para él siempre va a ser intentarlo. Si agarra un instrumento sin la misión de hacer una canción, es muy difícil que salga la pieza. Por eso toma algún instrumento musical o un sample e intenta hacer una canción.

“Y empezar a cantar cualquier cosa, algo activa en el cerebro. Como que, si agarras una guitarra y empiezas a hacer: [balbucea cantando]. El decir cosas sin sentido hace que, poco a poco, hace que se vayan convirtiendo en palabras de verdad”, dijo Casillas.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

Una vez que lo intenta, después decora la canción. Recurre a su técnica de situar las piezas musicales en escenas de una película. Cuando ya siente que se está formando la estructura de la canción, trata de imaginarse adónde en la película va a estar. Eso le permite saber si necesita utilizar un sintetizador análogo, una caja de ritmos de la época de la película que se imagina, una guitarra con chorus o si la voz requiere cierto reverb.

Cuando tiene seleccionados los instrumentos, sonidos y ritmos que quiere explorar, va construyendo la canción a partir de la imagen visual que creó en su mente. En cuanto a las letras, el proceso varía. A veces las letras de Little Jesus suenan como si Casillas estuviese hablando de manera poética y literaria directamente con quien esté escuchando su música, pero este proceso lírico también depende mucho de la canción.

“A veces se me ocurre una frase que me gusta y la adapto a un instrumental o a veces, como te dije hace rato, le hago: [balbucea cantando] y eso solito me hace que me llegue una palabra que, pues, puedo insertar ahí con las mismas palabras y de ahí me voy con el tema”, dijo Casillas. “A veces me imagino una historia y también la voy adaptando”.

Utiliza las teclas de flecha arriba/abajo para aumentar o disminuir el volumen.

A veces se imagina una historia que resulta en canciones sumamente narrativas y que transportan al público a otro espacio. Crean imágenes porque a Casillas le gusta mucho que sus fans puedan sentir esa sensación cuando escuchan su música. Le gusta que se genere la misma experiencia de cuando lee un libro. Para lograr eso, le resulta muy fácil situar a su público en un lugar para que se puedan transportar a nuevos mundos.

Esas experiencias sensoriales e inmersivas están muy presentes en las canciones “La Magia”, “Cabras” y “El Final Del Juego” de Little Jesus. “La Magia” sucedió casi que por arte de magia. Fue muy natural para Casillas. Quería hacer una canción, agarró una guitarra y empezó a soltar frases sin pensar nada. En algún momento se le ocurrió la gran frase “ese trabajo te va a matar” y a partir de ahí construyó el resto de la canción.

“Ya después de que la terminé, traté de ponerme en personaje de producción y encontré una referencia más estilo Rod Stewart vieja escuela que me gustaba y ya seguí. Usé los elementos necesarios para eso”, dijo Casillas.

Luego, con “Cabras”, que es una colaboración con la poeta mexicana Jimena González, mezcló a la perfección la música colorida de Little Jesus con los versos descriptivos de González. Para esa canción, Casillas estaba haciendo un instrumental que quería que le sonara más como a The Smiths.

Tenía la música, pero le estaba costando trabajo ponerle la melodía. Después, un día sin querer, se topó con el trabajo de González. La invitó a su casa para explicarle lo que estaba tratando de hacer. Platicaron o hablaron del espíritu de la canción. Ella se fue y una semana después regresó donde Casillas con toda la letra escrita.

Él solo le sugirió que hubiese un tema recurrente en la canción que funcionara de gancho. Como una especie de coro y que ella hiciera lo que quisiera.

“Ella hizo toda la letra en una semana. La grabamos y siento que quedó increíble”, dijo Casillas.

La mezcla entre los instrumentales y la letra de esta canción es una experiencia sensorial y diferente donde la música suena como si fuese el acompañante de los versos de González que cuentan una historia profunda. Pero recordemos que la música de Little Jesus siempre busca narrar algo – o tal vez – hacer al público reflexionar sobre la vida.

A pensar que “para nacer hay que llorar”. Que “para vivir hay que crear” y que “para crear hay que empezar libre”. Estas son frases reflexivas que Casillas canta al principio de la canción “El Final Del Juego”. Esta pieza le encanta porque la música parece estar muy alegre, pero la letra habla de un momento de transición. Habla sobre una persona que está en un momento donde no hay vuelta atrás y la letra describe el día en que eso sucede.

“Tiene un instrumental que siento que es muy emocionante. Para mí, por lo menos, en el que no hay música, pero siento que cada elemento entra”, dijo Casillas. “Es como si fuera el final de una película en el que presentan a cada personaje y me gustó mucho como quedó”.

Los álbumes de película

Así como las canciones se crean como un elemento de cine, los álbumes de Little Jesus funcionan como si fuesen una película. Para eso, Casillas tiene que darse cuenta que está en modo de álbum. Empieza a levantar sus antenas y está más presente en su día a día para inspirarse de cualquier cosa que esté a su alrededor para sacar un tema del álbum.

Una vez que tiene el tema, lo primero que hace es nombrar el disco. Incluso antes de la música. Cuando el nombre está decidido, regresa a su técnica de la imaginación de películas.

“Ya que nombré el álbum, yo siento que ese es el nombre de la película y defino justo qué imagen. Dónde va a estar situada esa película y, poco a poco, voy sacando canciones para acomodar el soundtrack”, dijo Casillas.

El nombre es el colchón para aterrizar todo y es el que guía el mood del álbum. La inspiración base está ahí. Cada disco funciona casi como si fuera una temporada nueva de una serie y por eso, el proceso de los cuatro álbumes de Little Jesus ha sido muy diferente.

Su primer álbum “Norte” salió en el 2013 y fue un proceso que Casillas catalogó como muy joven. De mucha energía e inexperiencia. Un disco que fue muy impactante para ellos, el público y los medios porque es muy único. Dijo que nunca van a poder replicarlo porque era una obra llena de energía pura juvenil inexperta haciendo algo por primera vez.

Fue algo muy instintivo. No sabían cómo hacer un álbum y nada más se dejaron ir cuando creaban, pero también fue un disco que les cambió la vida radicalmente y marcó el norte de sus carreras como músicos.

En el caso de “Río Salvaje”, su segundo disco, el proceso fue más tradicional. Este fue lanzado en el 2017. Hicieron la pre producción en un lugar fijo y luego lo grabaron en el estudio Sonic Ranch en El Paso, Texas, Estados Unidos. Todo se grabó en un mismo tiempo como álbum conceptual y más experimental.

Para “Disco de Oro”, que salió en el 2019, Casillas lo describió como un álbum más de gira. Grababan en los días que tenían libre entre tocar. También le llamó un disco “coming of age”. Como una película donde dejan la juventud, entran al mundo real, se veían a diario y estaban más consolidados como músicos.

Y su cuarto álbum “El Show Debe Continuar”, que salió el año pasado, fue un proceso de revivir a la banda. Estaban muy distraídos y se trataba de volver a empezar de cero. De querer volver a sentir esa emoción y sensación instintiva de cuando empezaron a crear música juntos. También fue un proceso muy raro para la banda.

“Pegó la pandemia y nos dejamos de ver. Fue un proceso en el que cada quien estaba muy separado y como individuos en lugar de estar así unidos como banda. Cada quien estaba haciendo sus propias cosas”, dijo Casillas. “Siento que ha sido el proceso más duro como banda porque no necesariamente enfrentamos un conflicto, sino que no había nada. Estábamos totalmente desconectados entre nosotros”.

Estaban desconectados, pero el ponerle un nombre al álbum y decir que querían hacer un disco que se llamara así fue lo que trajo la conexión de vuelta como banda. Trajo de vuelta la magia de su música colorida con portadas de discos vibrantes que quieren que se sientan como los afiches de películas.

Sus portadas tienen un diseño sobrio y limpio. Según Casillas, probablemente es en referencia a lo que crecieron consumiendo de videos de patinetas, pero también los colores tienen una relación muy fuerte con la música que hacen.

“Es difícil explicar porque es algo que pasa por nuestra cabeza. Es como una sinestesia. O sea, siento que el disco suena al color que tiene cada portada y no sé cómo explicarlo. Es algo que vemos sin querer”, dijo Casillas.

Según los National Institutes of Health, la sinestesia se refiere a cuando “un sentido puede experimentarse al mismo tiempo que otro”. En este caso, sería que están “escuchando colores” y creando música que les da la sensación de ciertos colores. Por eso, Casillas ve ciertas canciones completas en colores y los acordes de una guitarra o teclado tienen personalidades.

El concierto colorido en Costa Rica

Esos colores y personalidades están siempre presentes en sus conciertos, ya sea físicamente o figurativamente. En su concierto en el Mercado la California en San José, Costa Rica el pasado domingo 31 de agosto, dieron un show donde jugaron con los colores de las luces mientras tocaban. Para sus presentaciones, usualmente ensayan previamente para la gira, pero realmente no tienen un ritual ni un proceso específico.

Tienen dificultades para definir sus setlists, pero al mismo tiempo, tienen una estructura dividida en tres partes: el principio, el medio y el final. Dependiendo de eso, van acomodando las canciones. Siempre quieren que sus fans la pasen bien con ellos. Les gusta un principio emocionante, una mitad más introspectiva y un final intenso para que sea una experiencia más inmersiva.

“Que cuando se pone psicodélico, que se pongan psicodélicas las letras. Que cuando esté luminoso, haya luminosidad”, dijo Casillas. “Que cuando esté tranquilo, se sienta tranquilo. Como que la luz, pues, siga como un metrónomo de la música”.

Por eso, aquí en Costa Rica la pasaron muy bien. Casillas dijo que sintió que el público estaba muy metido en el show y eso fue lo que más le gustó. La gente estaba poniendo mucha atención, disfrutando con mucha intensidad y por lo mismo, él estaba igual.

“Nos encanta Costa Rica. La verdad, es un país que es muy diferente. Bueno, San José, por lo menos, es muy diferente a la Ciudad de México. Se siente muy relajada. Todo es súper. La naturaleza está hermosa. La gente es muy buena onda”, dijo Casillas. “Nos encanta ir ahí y me sentí mal de no haber ido en tanto tiempo, pero me encantó la experiencia”.

Además, en medio show Casillas le dedicó la canción “Pase A La Red” al futbolista costarricense Bryan Ruiz. A Casillas se le hace que es una canción elegante. Se acordó de Ruiz porque siempre se le hizo un jugador muy elegante y le cae muy bien. Por eso se tomó el tiempo de cantarle una de sus canciones a él y hacer un show más personalizado para Costa Rica.

La elegancia de la canción y de Ruiz, se relacionan con la magia de la música colorida de Little Jesus. Es esa música que es un arte por sí sola por la pasión con la que crean y se expresan a través de sonidos y ritmos mágicos. Es música que conecta más profundamente porque hablan constantemente del amor, el desamor y la nostalgia que transporta a sus fans a otro mundo por medio de la emoción de vivir.

“Sentir amor y desamor constantemente es lo que te hace emocionarte con la vida. Sino pues, así puede ser con cualquier cosa. Por un objeto. Por una persona. Por un animal. Por la música”, dijo Casillas. “O sea, sabes, siento que es lo que te hace crear lo que sea”.

Para aprender más de la magia de la música colorida de Little Jesus, pueden seguirlos en Instagram como @thelittlejesus. Ellos son unos de los múltiples artistas que no están participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo están creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica. La cobertura del concierto se dio gracias a la agencia de comunicación artística costarricense Lit Inc y la entrevista gracias a la plataforma mexicana Caballeros.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Quique Lee siempre estuvo metido en el arte de una u otra manera. Llevaba algún curso de dibujo o estaba creando con sus propias manos para expresarse. El artista visual guatemalteco siempre estuvo en busca de ese camino artístico, pero tuvo ciertas dificultades encontrándolo.

“Guatemala también vivió este proceso de guerra interna y eso también limitó mucho la expresión artística en general. Yo soy de esta generación que sale después de la firma de la paz, que fue a finales de los años noventa”, dijo Lee. “Somos varios artistas que empezamos ahí. Que nos empezamos a conocer y empezamos a gestionar nuestros espacios y hacer cosas”.

En esos tiempos, Lee entró a “hacer una cosa más formal” y tuvo un encuentro con el arte contemporáneo en tiempos donde no había Internet y no se sabía qué era este tipo de arte. Se involucró en distintas ramas artísticas explorando el perfomance y la escritura. Hacía proyectos creativos al lado de su trabajo en mercadeo. Siempre estaba constantemente creando para satisfacer esa necesidad expresiva en su interior.

Le encargaron hacer unos trajes para unas promociones y ahí se dio cuenta que podía generar buena plata de los textiles y el bordado. Que tal vez ahí era dónde tenía que buscar el arte. Comenzó a pensar que tenía que aprender sobre el bordado porque no sabía nada de ello.

“Sí. Mi mamá cosía. Como una mamá latinoamericana. Tejía y eso. Tal vez había tenido algún encuentro con eso, pero yo ahí me tiré al agua y agarré la máquina de ella y cosí”, dijo Lee, entusiasmado.

En ese entonces, decidió incursionar en el diseño de interiores porque quería estudiar patronaje. Necesitaba hacer formas y entender la cuestión de estructura, pero estudiar diseño de modas le salía más económico y el horario le calzaba mejor con el tiempo que tenía disponible. Fue en la institución educativa Llatzer donde tuvo un gran acercamiento con el diseño de modas y el textil y estudió la carrera.

Ahí fue el lugar donde empezó haciendo su línea de accesorios, pero continuó en la búsqueda de su expresión creativa y por eso, regresó a las artes plásticas en el 2011. Sí quería algún tipo de arte visual, pero se dio cuenta que lo lógico era hacer bordado por tener experiencia con el textil.

También sabía dibujar y tenía conocimiento en las artes plásticas. Estudió también dibujo con el maestro guatemalteco Dan Schafer y ahí empezó a dibujar con el bordado.

“Ahí ya seguí con el bordado y siento que el textil es algo con lo que convivimos siempre. Es una analogía de la vida. Me encanta seguir aprendiendo de todas las técnicas que hay con el textil”, dijo Lee. “En lo que yo me he focalizado es el bordado porque fue por lo que a mí se me conoció cuando empecé y todavía me siguen asociando al mundo del bordado”.

El bordado como sanación

Se le conoció por el bordado, pero esta técnica va más allá de solo un hilo y una aguja para Lee. Se trata de la sanación. Lo ve como un proceso repetitivo que es muy reflexivo. Lee dijo que requiere de estar poniendo atención en el momento, pero a media oración soltó las risas y se contradijo. Porque perfectamente puede estar viendo la televisión mientras borda.

Pero el punto es que, para él, el bordado siempre es esa fuente de conexión y reflexión profunda con las demás personas. Cuando empezó su proyecto de sanación en el que se cuestionaba dónde estaba él en su vida, se dio cuenta que los grupos de bordado funcionaban para juntar a las personas.

“Están los grupos de señoras que se juntaban siempre a tejer y ahí se podía tener la comunicación. Eran los periódicos del pueblo. Ahí se enteraban de chismes y se ayudaban y eso”, dijo Lee. “Entonces, creo que es una manera de hacer la comunidad. De tejer la comunidad. Por eso me gusta mucho el bordado”.

Lee recordó que de los primeros proyectos que hizo era un bordado muy grande de seis metros por dos metros. Era para una bienal y necesitaba ayuda de otras personas para poder hacer la obra. La temática de la pieza era sobre la guerra en Guatemala e invitó a varios amigos a participar.

Cuando sus amigos llegaron, Lee les preguntaba cuál era su historia de la guerra. Ahí se dio cuenta que todos tenían distintas anécdotas de ese evento y también notó que la sanación del bordado estaba haciendo efecto. Se dio cuenta que, al hablar y discutir del tema, sus amigos se sentían mejor porque nunca tuvieron un espacio para hablarlo

.

“También, en ese momento, yo con mi mamá, estábamos bordando al mismo tiempo y ella me pidió disculpas por algunas cosas. Que yo no tenía ni idea de que ella había pensado de que a mí me había afectado en mi vida y yo con mi familia en sí, somos como muy fríos”, dijo Lee. “Entonces, este acto de bordar como que a uno lo acerca, lo mira a uno y como que todas estas actividades que hago, hacen que la gente se abra”.

Descubrir esto fue lentamente preparándolo en el futuro para crear sus talleres de bordado llamados “Círculos de bordado para hombres”. En el 2020 llegó la pandemia y con ella, Lee estaba pasando por procesos de depresión. También estaba cuestionándose lo que estaba pasando y cómo estaba ejecutando sus funciones en la vida.

Al igual que muchas otras personas en ese momento, Lee perdió un ingreso importante de dinero y eso lo llevó a esos procesos de depresión muy grandes que mencionó, pero los resolvió de varias maneras.

Platicaba o conversaba con sus amigos. Se dio cuenta que entre hombres nunca hablan profundamente ni de lo que sienten. Se dio cuenta que otro amigo estaba pasando exactamente por lo mismo que Lee.

“Y entonces, yo le decía: es que yo estoy tomando pastillas. Yo también tomo pastillas. Nos veíamos todas las semanas y nunca hemos hablado de nada de esto”, dijo Lee. “Me quedó la curiosidad y ahí empecé a investigar el tema. Para el 2023 tenía una exposición. Yo quería tratar el tema de la masculinidad y lo que había pasado. Toda esta discusión del 2020. Me di cuenta que no lo podía hacer solo porque yo mismo estaba diciendo: es algo que lo debemos hablar en grupo”.

Hombres bordando emociones

Así fue cómo nacieron los primeros “Círculos de bordado para hombres”. La idea de Lee es crear un espacio de reflexión donde los hombres puedan hablar y abrir el espacio. Además de la parte emocional, Lee también quería hacer una instalación llamada “Autorretrato” que acompañara a los círculos.

La instalación junta todas las piezas de bordado que salen de los talleres. Los círculos se enfocan en utilizar el bordado como una herramienta para crear una discusión acerca de la experiencia de las distintas masculinidades que están experimentando como hombres.

Lee trajo los “Círculos de bordado para hombres” el pasado sábado 23, miércoles 27 y jueves 28 de agosto a Costa Rica. Los talleres se dieron en distintos lugares como la galería Cero Uno, nuestro Centro y la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica.

La dinámica de los círculos siempre consiste en romper el hielo, que cada uno se presente y luego empiezan a bordar. Cada uno escoge un pañuelo con una frase inscrita y lo intervienen como ellos quieran. Mientras tanto, Lee les enseña cómo enhebrar una aguja, cómo utilizar el bastidor y cómo seleccionar y cortar los hilos.

Mientras sus estudiantes bordan las obras, Lee les va respondiendo dudas y les ayuda a avanzar con las piezas. La dinámica no se queda en solo bordar, sino que Lee los invita a hablar sobre las frases escritas en los pañuelos.

“Siempre espero que sea una plática interesante. Me gusta conocer las diferencias de cada uno de los grupos. Me gusta también platicar con las personas que están”, dijo Lee. “Me gusta también que haya como estas cosas que suceden después de que ya no estoy yo. Como colaboraciones interinstitucionales”.

En esos intercambios de bordado y masculinidades, suelen surgir emociones fuertes cuando los asistentes cuentan sus historias. Se dan esos espacios emocionales porque Lee crea un círculo de bordado donde no se juzgan a los demás. Los hombres se abren con sus historias, pero también se dan esos espacios seguros porque Lee valora mucho las emociones.

Él piensa que son sumamente importantes porque si no las sabe controlar, se puede enfermar y se muestran físicamente en su cuerpo. Piensa que no tienen que ser reprimidas. Que para poder identificarlas tiene que poder nombrarlas. Porque si no se nombran e identifican las emociones, no se pueden experimentar de manera saludable. Y si no se experimentan saludablemente, no se puede sanar ni tampoco disfrutarlas.

“Porque hay emociones buenas y hay emociones malas. Y hay emociones malas que se tienen que sentir. Al final la vida no puede ser solo cosas buenas”, dijo Lee.

Qué significa ser hombre

Además de experimentar las emociones con su arte del bordado masculino, Lee también ha ido reflexionando sobre lo que significa ser hombre para él. Es algo complicado. Cree que todavía se está deconstruyendo. Es una reflexión que sigue teniendo con el pasar del tiempo.

Piensa en la idea que tiene de la masculinidad. Esto va desde lo físico hasta el comportamiento y los mandatos que debe seguir. También está muy seguro de que no hay reglas en lo que significa ser hombre. Puede ser hombre de la manera que quiera, ya sea ser fuerte y no demostrando debilidad hasta ser vulnerable.

“Ahorita nos estamos cuestionando esto de qué es ser hombre, pero creo que en un futuro ya no va a haber un cuestionamiento”, dijo Lee. “Va a ser más como qué es ser humano porque vamos dirigido hacia ahí. Hasta que todo este asunto del género no debería de ser la única base de la identidad. Hay muchas cosas más y no sé. No sé qué es ser hombre”.

En ese cuestionamiento de ser hombre, también se ha notado que las masculinidades en Latinoamérica están muy parecidas. Relató que, al menos en Guatemala, siempre está el miedo de los hombres de que les digan huecos (playos o gay). Mencionó que existe ese miedo constante a que los hombres los llamen así y que también lo ve como algo muy presente en Latinoamérica

.

“Todavía hay ciertos mandatos que lo restringen a uno. Yo todavía a la fecha, no lloro en público. Me da mucha pena hacerlo. Sí lo hago porque también abrí la puerta de la llorada y lloro por todo, pero me da pena”, dijo Lee. “No me gusta que me miren y creo que es porque tengo que aceptar que no me gusta que me miren vulnerable. Y eso es una cosa de la masculinidad”.

Los “Círculos de bordado para hombres” le han permitido abrazar, poco a poco, esa vulnerabilidad. Le han enseñado también que en sus talleres aparecen muchos hombres de la comunidad LGBTIQ+ porque quieren hablar de género. También se ha topado con la participación de hombre trans, lo cual le agrega una capa más al concepto de las masculinidades que él trabaja.

Con esta mezcla en sus grupos diversos en los talleres, Lee también ha aprendido mucho de los hombres trans. Siente que hay diferencias y similitudes en cómo entienden las masculinidades

.

“Uno aprende mucho acerca de los hombres trans porque uno también tuvo esta educación de cómo ser un hombre desde que nació. En cambio, a un hombre trans, sobre todo en el contexto latinoamericano, que empieza su transición cuando es adulto, es ahí dónde empieza a buscar y lo aprende de una manera totalmente distinta”, dijo Lee. “Es olvidar todo lo que había aprendido de su identidad para pasar a otra y en dónde encuentra esta información”.

Se vuelve una plática muy interesante para él porque refuerza su idea de que hay que hablar de masculinidades y no masculinidad. Para él no existe sola una manera de experimentar o sentir lo que significa ser hombre y eso es lo que hace que su arte del bordado masculino sea trascendental.

Es un arte que no se queda solamente en lo estético y textil, sino que va más allá de la obra. Hace un impacto en las personas que participan en los grupos de los “Círculos de bordado para hombres”. Es un arte que tiene la posibilidad de cambiarle la vida a los demás por medio de un hilo, una aguja y un bastidor.

“Alguien me dice que qué bonito el otro día aquí. Este sábado alguien me preguntó: ¿usted alguna vez se ha puesto a pensar si le ha cambiado la vida a solo una persona?”, dijo Lee. “Entonces, digo yo, con que uno le cambie la vida a una persona, eso me llena a mí mucho. Creo que eso es lo bonito del trabajo comunitario. Eso me hace sentir muy agradecido con la vida de que lo puedo hacer y que la gente se me está abriendo. Tienen apertura para apoyar y estar”.

Para aprender más del bordado masculino de Quique Lee, pueden seguirlo en Instagram como @quiquelee.art. Él participó en agosto en nuestro Centro con su proyecto artístico “Círculos de bordado para hombres”. El taller se dio en el marco del Primer Congreso Internacional e Interdisciplinario: VIDAS (IN)VIVIBLES: MASCULINIDADES EN IBEROAMÉRICA de la Universidad de Costa Rica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE II: Cómo Nannette Mariela García ilustra Puerto Rico

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

En la PARTE I aprendimos cómo Nannette Mariela García ilustra mundos mágicos. Ahora, vamos a adentrarnos en cómo ella ilustra Puerto Rico. Recordemos que una de las ilustraciones mágicas que García hizo fue la invitación del baby shower del director creativo puertorriqueño Janthony Oliveras – quien es el director creativo de Bad Bunny – y su pareja, la influencer puertorriqueña Londra Miracles.

Esa invitación fue la pieza emblemática que la llevó a ilustrar a Puerto Rico. Fue la pieza que la hizo crear una de las ilustraciones más grandes de su carrera: el afiche de la Residencia de Bad Bunny en Puerto Rico. Este afiche se convirtió en un arte icónico de la cultura popular puertorriqueña y latinoamericana.

Es una gran obra maestra que definiría visualmente el proyecto de Bad Bunny, el cual nunca se había hecho en Puerto Rico. La residencia musical con el nombre de “No me quiero ir de aquí” promociona su álbum «DeBÍ TiRAR MáS FOToS» y ha tenido como sede el Coliseo de Puerto Rico, José Miguel Agrelot, mejor conocido como el Choliseo, desde el 11 de julio hasta el 14 de setiembre.

“A ellos les encantó y a los meses me dijeron: mira, nos encantó la invitación del baby shower. Creemos que tú nos podrías hacer el poster de la Residencia basado en la misma composición que hiciste ya para la invitación del baby shower”, dijo García. “Pero el tema es obviamente Puerto Rico. Así que la jerarquía de la información y todo es bastante similar a la invitación del baby shower”.

Le dieron la tarea de traducir visualmente la composición de la invitación delbaby showeral tema de Puerto Rico. Obviamente – dijo García riéndose – sin salchichas malabaristas. Cuando le escribieron para el proyecto, ella estaba a punto de irse de viaje a Nueva York y Filadelfia para asistir a la boda de su prima. Iba a agarrar dos semanas de vacaciones y cuatro días antes del viaje, le hicieron la propuesta.

Le dijeron que necesitaban el afiche listo en dos semanas.

“Y yo: ok. O sea, no le puedes decir que no a Bad Bunny. Esto es una oportunidad como once in a lifetime [una vez en la vida]. Como que who knows [quién sabe] si esto se vuelva a repetir. Como que: diablos, yo no sé cómo yo voy a hacer dos proyectos”, dijo García. “No había manera, pero, pues, le puse prioridad al de Bad Bunny porque era algo que no iba a dormir por dos semanas”.

En efecto no durmió mucho. Sus vacaciones no fueron vacaciones porque estaba concentrada en el trabajo. Se despertaba a las siete de la mañana y trabajaba hasta las cuatro de la mañana. Dormía dos o tres horas y repetía el proceso. Su mejor amiga en Nueva York le preparaba el desayuno y el almuerzo. Para la cena, salían a algún sitio y regresaba a trabajar.

Igual, el día de la boda de su prima en Filadelfia, estuvo presente y le tomó un par de fotos. Su familia no entendía por qué no podía quedarse más tiempo en la fiesta para celebrar.

“Y yo: ya pasó la boda. Estuve aquí. Estuve horas. Yo los amo, yo los adoro, pero tú no entiendes. Yo tengo que entregar esto y no dije nada porque también había firmado un NDA [acuerdo de confidencialidad]”, dijo García.

Ni su familia ni sus amistades sabían lo que García estaba haciendo por toda la confidencialidad del proyecto. Ella no solo estaba trabajando el afiche creativamente, sino que simultáneamente llevaba un proceso legal con el abogado del cantante. Mientras tanto, le enviaba todas las ilustraciones a Oliveras para aprobación.

Todo el proceso se trató sobre ilustrar a Puerto Rico. Sobre entender visualmente qué es lo que hace a Puerto Rico, Puerto Rico. Sobre ella visitando sus experiencias personales del pasado creciendo en la isla para poder ilustrar a partir de ello. Tenía que dibujar y pintar esos elementos que le hablaran del ser puertorriqueña o boricua.

Pintando a Puerto Rico

Por eso hay elementos tan cruciales. Salen personas jugando dominó. Está el carrito de piraguas (un postre con hielo raspado cubierto con sirope de frutas o como se les conoce aquí en Costa Rica, un granizado). Hay unos cocos con un machete en referencia al movimiento independentista de Puerto Rico y las personas que siguen luchando por la independencia de la isla, ya que es una colonia moderna de Estados Unidos.

Hay un stand de viandas (tubérculos). Está el helado local de coco parcha piña. Sale la guagua (el carro) y el parque nacional El Yunque de fondo. Hay cotorras puertorriqueñas y dos gallos. Aparece un cuatro, que es un instrumento musical de cuatro cuerdas utilizado en ritmos folclóricos, acompañado de una conga. También hay café boricua.

Salen muchos elementos típicos y nativos en la composición maximalista clásica de García. El fondo es inspirado en los pisos de losa hidráulica tradicional de allá.

“Yo dije: qué tal si en vez de hacer el terrazo, hacemos entonces una losa criolla que también es bien icónica aquí en Puerto Rico y se ve mucho en las casas. Aquí se produjo la losa hidráulica desde los 1910, 1920, hasta los 70”, dijo García. “So, hay un montón de casas que aún persisten en Puerto Rico que aún tienen la losa y esa es una de mis favoritas. Yo sueño comprar una casa con losa de aquí puertorriqueña”.

Para esta losa, García buscó patrones ya existentes e hizo la ilustración basada en esos colores. Oliveras quedó satisfecho con la propuesta y la aprobó. La losa es parte de la estética característica de García donde los marcos juegan un rol esencial, pero fue el marco más arriesgado que ha creado. Siente que le agregan la calidad old school o vieja escuela que ella siempre busca crear.

Además del fondo, García tenía que agregar a la composición el Choliseo, un avión en referencia a las personas viajando a Puerto Rico para ver a Bad Bunny y una tipografía distintiva. El Choliseo le presentaba cierto reto a nivel de estética porque no calzaba con el resto de los elementos del afiche.

Pero como siempre, García recurrió a su imaginación sin límites, para resolver el problema visualmente.

“Entonces, ahí estaba reunida con él [Janthony] en una casita y había como los platitos de abuelitas. Como que las abuelas siempre tienen los platos de, qué sé yo. De las navidades del 2004 o 1970”, dijo García, riéndose. “En casa era de los reyes magos y 1976. Algo así. No sé. Se me ocurrió: qué tal si hacemos un plato del Choli. Como que el Choli ilustrado dentro del plato y que diga Puerto Rico”.

“No me quiero ir de aquí”

Además de todos los elementos autóctonos de Puerto Rico, García se dio la tarea de crear tipografías personalizadas desde cero para la frase “No me quiero ir de aquí”. Se inspiró en las letras de los discos de salsa de antes. Inicialmente, la tipografía para el “No me quiero ir de aquí” la había pintado en tonos de amarillo y rojo, pero las editó digitalmente en rojo y azul claro. Para que así fuera en referencia a la bandera puertorriqueña.

Lo digitalizó dejando un marco en blanco para que se despegara del fondo. Como si fuera una calcomanía y la tipografía del “Bad Bunny” fue diseñada por su amigo y el diseñador gráfico puertorriqueño, Hernán Ayala. Todos esos elementos juntos hacen armoniosamente la composición maximalista de la ilustración mágica característica de García.

La ilustración de Puerto Rico en este afiche específico representa la memoria y la contemporaneidad de la isla caribeña. Representa también el mensaje de un sentimiento común en Puerto Rico: “no me quiero ir de aquí”. García mencionó que se refiere al hecho de muchos puertorriqueños se han tenido que ir de la isla porque no hay suficientes oportunidades. Porque están buscando hacer una vida balanceada ahí y no pueden.

“Vivir aquí no es tan fácil. El salario mínimo es menos que en los Estados Unidos. Tienes que trabajar más horas. Entonces, la renta sigue subiendo porque siguen llegando [extranjeros]. Siguen haciendo leyes para los americanos [para] venir aquí y no pagar impuestos”, dijo García. “Aquí no tienes las mismas oportunidades de empleo y de poder coger préstamos porque les ofrecen a los americanos [estadounidenses] todo y entonces, el boricua se queda sin nada”.

El ”No me quiero ir de aquí” habla de la herida por la pérdida de las tierras y lo que le pertenece a los boricuas. Habla de la gentrificación, el cual es un problema social que la Organización de las Naciones Unidas (ONU) define como “un proceso de renovación y reconstrucción urbana acompañado por la llegada de personas de clase media o alta que suele generar el desplazamiento de los habitantes más pobres de las zonas intervenidas”.

El ”No me quiero ir de aquí” habla de un problema grave no solo en Puerto Rico, sino que en toda Latinoamérica y es un tema que a García le duele.

“Ahora todo es por meterse esos chavos [dinero] en los bolsillos y como que se joda la naturaleza y el patrimonio del país para el resto de las generaciones. Como que, qué importa y eso me duele”, dijo García. “Yo creo como que el hecho de que el poster diga ‘No me quiero ir de aquí’, es continuar defendiendo las tierras”.

Ella tampoco considera que es un tema nuevo porque lleva mucho rato sucediendo tanto en Puerto Rico como en Latinoamérica. Es bien difícil para García porque a veces siente que no es capaz de nada. Se cuestiona cómo va a luchar contra el monstruo gigante. Se cuestiona quién es ella para luchar así porque siente que tiene una voz pequeña.

Pero también se da cuenta que a través de los años, todavía existen personas que continúan luchando por su libertad, su soberanía, su palabra y su cultura.

“Que se puede perder y eso sí que asusta. Como lo que le pasó a Hawái. Que ha perdido su cultura mayormente. Es un estado. So, el hecho de que tengamos un artista de este calibre que ahora está en la lista de artistas que más álbumes ha vendido”, dijo García. “O sea, de la historia mundial. Esto es un momento histórico representativo de la cultura puertorriqueña y es con música popular. Porque él utiliza la tradición. Es la primera vez que un álbum de salsa, bomba y plena llega tan lejos”.

Y para García es un honor haber dado ese granito de arena al trabajar la representación visual puertorriqueña con un movimiento y artista que ha logrado tanto por Puerto Rico. Tampoco es la primera vez que García ilustra orgullosamente a su isla. Ha trabajado en otros proyectos como las camisas para Café Colmado y Dosis Café en colaboración con la marca de ropa puertorriqueña Details Matter y la campaña con la marca de whisky Johnnie Walker.

“Aquí se habla español”

Con Café Colmado, Dosis Café y Details Matter la colaboración se dio porque Café Colmado iba a tener un evento pop up en su local en Nueva York. Iban a llevar a Dosis Café desde Santurce, Puerto Rico y Details Matter iba a hacer las camisas. Le escribieron a García y fue un trabajo de crear, nuevamente, las tipografías desde cero.

Dibujó las letras. Las pintó con bolígrafo negro. Le tomó fotos y las vectorizó en la computadora. Jugó con los colores e hizo que todo fuera en referencia a la cultura puertorriqueña. Hizo todo en azul cielo y rojo como la bandera. Pidió que la camisa fuera blanca para atar los tres colores patrios.

Además de los colores, la frase de “aquí se habla español” tiene un carga cultural bastante importante. No solo porque representa que quienes trabajan en Café Colmado hablan el idioma, sino porque también es un acto de incluir a la población latina que sigue creciendo en Estados Unidos y que ahora está en peligro.

“Como que por la política. Por todas estas redadas de [Donald] Trump tratando de sacar a extranjeros de Estados Unidos. Esta gente se merece que hablen por ellos”, dijo García. “El español no solo identifica a los latinos de Estados Unidos, sino que es representativo de toda Latinoamérica y había que ponerlo. Yo lo encontré bastante icónico. Eso tiene que ir ahí. Yo lo voy a hacer”.

Lo tenía que hacer porque el mensaje de “aquí se habla español” tiene la misma importancia que el “no me quiero ir de aquí”. Es parte trascendental de su arte de ilustrar a Puerto Rico. Es parte de su amor profundo por la isla que es su hogar, que también se refleja en las ilustraciones que hizo para la campaña de Johnnie Walker.

Alrededor de un mes después de que salió el afiche de la Residencia de Bad Bunny, la compañía internacional de whiskey le escribió para plantearle la colaboración. Querían artes representativos de la cultura puertorriqueña.

“Yo dije lo mismo: vamos a hacer un quiosquito, pero al quiosquito va a ser como un chinchorro. Que es lo que se le dice aquí dónde la gente va a beber y janguear”, dijo García, riéndose. “Que es bastante endémico. La gente se va en guaguas escolares en las navidades de chinchorro en chinchorro como que bebiendo todo el día”.

Entonces, García ilustró el chinchorro. Le agregó personas que representaran a los Nuyoricans, que son boricuas nacidos y criados en Nueva York. Agregó a puertorriqueños de la isla que representaran la generación de sus padres, pero también a personas de su generación y menores.

Pintó a todas las personas bailando, tocando algún instrumento o cantando. Agregó una lámpara tradicional y un carrito en referencia a los carritos de piraguas, pero con cocos adentro que tienen el trago “Bad Johnnie”. Pintó la botella tradicional de whiskey y al famoso Johnnie Walker, pero al estilo puertorriqueño.

“Al don lo pude hacer de dos maneras. Como tipo jíbaro con la pava y también como medio dandy. So, hay algunas que él sale caminando y tiene como vestido como un dandy y con una gardenia aquí”, dijo García. “Entonces, como que tiene su sombrerito y su bastón tradicional más puertorriqueño”.

Se enfocó en mostrar a Puerto Rico al igual que con el afiche de la Residencia. Tanto la campaña de Johnnie Walker como el afiche, terminaron impresos en vallas publicitarias gigantes por todas partes en la isla. García no se esperaba que su arte trascendiera de esa manera. No esperaba que se convirtiera en una pieza de arte de la cultura popular.

Mezclando a la rica y el rico

Fue surreal para ella y a veces no se lo cree todavía, pero todo tiene sentido porque su arte se trata de ver hacia adentro y retratar su cultura puertorriqueña. Pero también, de una u otra manera, inspirarse de su cultura tica – o costarricense – porque uno de sus abuelos era de Costa Rica.

“Cuando voy a crear arte, mi mayor inspiración es Puerto Rico, pero sí lo ato a veces con Costa Rica. Siendo los dos ricos. Como que siempre decía: ay, pues rica de Costa Rica y rico de Puerto Rico también. So, siempre lo he hablado de esa manera”, dijo García, riéndose. “Probablemente, si me hubiera criado en Costa Rica, estaría creando cosas similares porque el entorno es similar y la cultura tiene sus similitudes”.

La mezcla de la rica y el rico aparece de manera sutil en su arte a veces. Las carretas tradicionales de los bueyes pintadas a mano en Costa Rica han inspirado algunas de sus piezas. Le sirven para los marcos. Las flores y los patrones de los colores vívidos siempre le han llamado la atención.

Se ata con su búsqueda por traer lo tradicional a lo contemporáneo en su arte de la ilustración. Es parte de su necesidad de celebrar y rescatar las tradiciones culturales.

“Entonces, como que también tengo inspiración de ahí. De esas carretas porque las he utilizado”, dijo García. “Siempre me han gustado pictóricamente. Así visual. Son brillantes en colores y muy bonitas”.

Es parte de su arte donde está resurgiendo la añoranza por las tradiciones de su cultura y de sus ancestros. Es parte de su arte pintado con acuarelas que crea mundos mágicos e ilustra a Puerto Rico espléndidamente. También es parte de un arte que le causa mucho orgullo como artista, diseñadora gráfica e ilustradora boricua al poder representar al Caribe y a Latinoamérica en un momento sumamente importante.

Es arte que trascendió en la cultura popular de la región y el mundo sin ella esperárselo de alguna forma. Es arte que le trajo muchos momentos surreales y la emociona bastante.

“Me da un sentido de que lo logré. Que la gente que me ha apoyado, me continúa apoyando. Ha sido bien bonito llegar a un entendimiento que con el arte, yo puedo hacer cosas que son importantes culturalmente”, dijo García. “Siempre es un reto, en realidad. Como que hago un proyecto y digo: no, el próximo tiene que estar más cabrón. Tiene que estar mejor”.

Para aprender más de cómo García ilustra a Puerto Rico, pueden seguirla en Instagram como @nannette.mariela. Ella es una de las múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE I: Cómo Nannette Mariela García ilustra mundos mágicos

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Desde pequeña, Nannette Mariela García sabía que el arte era algo intuitivo para ella. Es parte de su ser. Siempre estaba pintando, creando o haciendo algo con sus manos. Se dejaba llevar tranquilamente por el arte y con el tiempo, se dio cuenta que si lo deja de practicar no se siente feliz.

No se siente fiel a sí misma si no está en su vida porque quiere decir que se está distrayendo. Por eso, en el 2020 tomó la decisión inconsciente de volver a trabajar con pintura, que es algo que le causa mucha alegría. Porque la artista, diseñadora gráfica e ilustradora puertorriqueña está haciendo lo que siempre deseó: dedicarse profesionalmente al arte a tiempo completo.

“[Es] lo que me hacía feliz y lo que me hacía sentir profundamente desde pequeña. Porque desde pequeña yo pintaba en los exámenes de la escuela”, dijo García, riéndose. “Ilustraba las respuestas en vez de escribirlas. Terminaba un examen temprano y pintaba la parte de atrás de la página”.

El arte corre por sus venas y la llena de vida. Sacó su bachillerato en pintura y escultura en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico y luego, obtuvo una maestría en administración del arte en Italia. Desde que tiene memoria, siempre ha sido sumamente creativa y piensa que el hecho de que ahora esté trabajando la ilustración mezclada con diseño gráfico es porque todo fue sucediendo orgánicamente. Porque ella no estudió diseño gráfico, pero lo fue amaestrando de manera autodidacta.

Siempre se vio atraída fijamente por los carteles y tipografías llamativas. Estaba inmersa y sumamente interesada por una estética vintage o vieja. Cuando estaba en Puerto Rico – antes de mudarse a Italia – trabajaba en el mundo de la pintura. Luego, en Italia, se dio cuenta que se estaba alejando creativamente de trabajar el arte con sus manos. Le hacía mucha falta poder crear físicamente.

“Yo viví allá en pandemia. En mi tiempo libre empecé a pintar porque me sentía inspirada y fue como: ah ok. Eso fue en el 2019 y 2020, que empecé de nuevo como a ilustrar y dejarme llevar por cosas que veía”, dijo García.

Se dejaba llevar por lo que veía cuando vivía en una finca en Italia. Se acuerda de ilustrar las alpacas que vivían ahí en el campo. Se imaginaba un mundo lleno de magia donde las ilustraba teniendo fiestas tomando té y les ponía nombres a los animales que pintaba.

“Tenía un ganso que se llama Ryan Gooseling. Él hacía fiestas de cenas. Entonces, todos tenían pun names [nombres chistosos] adorables”, dijo García, riéndose. “Y de ahí, como que empecé a ilustrar para clientes por recomendaciones de boca en boca. No estaba promoviendo mis artes ni nada, pero empecé a hacer cositas y, poco a poco, como que no sé”.

Explorando el maximalismo

Mientras estaba en Italia, lugar que García mencionó que se convirtió en su segunda casa, andaba caminando por las calles todos los días. Al estar en pandemia, salía a disfrutar de la soledad del lugar y apreciaba la belleza de estar en un país artístico. Disfrutaba de la arquitectura y el arte mientras estaba sola. Iba a la Galería Uffizi en Florencia y se quedaba admirando sus techos.

Quería poner una cama en el piso de la galería para quedarse viendo eternamente los frescos detallados. Sencillamente caminaba, tomaba fotos del techo y apreciaba las composiciones maximalistas que utilizaban todo el espacio.

Miraba detenidamente y cogía inspiración de la composición para su propio arte. Para unir el arte, el diseño gráfico y la ilustración en sus creaciones. Le gusta entrelazar las tres disciplinas como si fuese un rompecabezas. Son un complemento entre sí y es lo que le ayuda a crear estos mundos mágicos que llevan a la audiencia a otros lugares a través de texturas, lápices, bolígrafos y acuarelas que se sienten antiguas.

“Por ejemplo, una de mis piezas favoritas es del Bosco. El Jardín de las Delicias. Esa pieza puedo estar mirándola horas. Tiene tantas imágenes, que eso fue algo que me llamó mucho la atención y es algo que me inspira”, dijo García. “Me conmueve eso de hacer algo tan cargado. Mucha simbología. Muchas piezas. Me gusta que algo se vea que tiene una historia antecedente. Como algo tangible. Algo antiguo”.

Esas sensaciones de antigüedad en la contemporaneidad las logra porque ella fluctúa entre la tradición y lo contemporáneo. Como artista, le gusta tomar inspiración de lo cotidiano, pero también de la década de los noventas, tiempos en los que era niña. Le gusta atar la música popular, la vida cotidiana y hacerlo un poco jovial sin quitarle la seriedad que tiene.

Le gusta combinar lo vintage, lo retro, el movimiento contemporáneo y temas de la actualidad que le importan. Por eso, cada vez que crea un afiche o cartel en acuarela, tiende a hacer las primeras ideas como bocetos rápidos en lápiz. Para así tener un sentido de lo que quiere comunicar. Luego, le enseña a sus clientes el trabajo y si es un proyecto personal, ella sola decide qué hacer.

Después, a García le gusta buscar imágenes de referencia con ideas para la paleta de color que quiere trabajar. Busca libros para dejarse llevar por los colores y temas que va a ilustrar. Una vez que eso está establecido y el boceto está claro, empieza a dibujar el resultado final. Trabaja con las acuarelas, pero pinta cada elemento por separado.

“Todas las imágenes son como una ilustración por sí sola. Luego, lo pinto, lo digitalizo en Photoshop y las hago en PNG. Son como stickers y ahí entra el lado del diseño, que sí utilizo la computadora”, dijo García. “Para entonces, ir formando ese visual que utilizaría. Finalmente, después de que está basado en el sketch [boceto] que hice inicial a lápiz, pues, todo es como un rompecabezas para crear lo que quiero que se vea al final”.

García dice que es un proceso un poquito largo porque le gusta la atención al detalle, tener opciones y la facilidad de cambiar cosas dentro de la composición. Le gusta poder mover los elementos hasta tener una composición que sea al cien por ciento lo que quiere. Al estar moviendo constantemente las distintas piezas del rompecabezas, deja un espacio para los errores y cambios de opinión.

En ese juego visual gráfico e ilustrativo, también se deja llevar por el concepto. A veces lo desarrolla mientras lo está trabajando o a veces el concepto viene antes de crear el arte. También, muchas veces depende de lo que el cliente quiera, pero en varias ocasiones, García tiene mucha libertad para dejar su imaginación correr a niveles impresionantes y exorbitantes.

La imaginación sin límites

Cuando estaba trabajando una pieza para una panadería en Puerto Rico llamada Panoteca San Miguel, corrió libremente con su imaginación para crear un mundo mágico de panes. La panadería tenía un evento en Chicago y a ella se le ocurrió hacer un mapa antiguo de monstruos del océano.

“Pero todos los monstruos del océano eran hechos de pan. Hice un glosario que se llamaban los panomonster del pano universe por Panoteca”, dijo García, riéndose. “Hice investigación de todos estos monstruos que existían antes. Que la gente pensaba que eran reales. El kraken o qué sé yo. El baguetthan. Que es un baguette. Que es como una serpiente del océano”.

En ese juego de palabras, conceptos e ilustraciones, García se enfocó en atar las historias reales para convertirlas en algo nuevo, divertido y mágico. Le gustó mucho crear e imaginar un mundo lleno de monstruos de baguettes o adaptar sus nombres a pan de masa madre. Son sus mundos mágicos donde la imaginación abunda libremente. Donde lo tradicional se mezcla con lo contemporáneo para crear ilustraciones con la sensación de libros antiguos.

Su estética tan particular es porque le han gustado las ilustraciones viejas. Le encantan los libros con ese tipo de arte y los libros de niños. Algunos de sus ejemplares favoritos son “Donde viven los monstruos” y “Alicia en el país de las maravillas”. Son de sus referencias predilectas para la inspiración y creación de sus mundos mágicos.

“Eso me encanta. Como que el poder uno transportarse a través del arte y de la ilustración a otra época. A otro momento. Eso fue algo que también, viviendo allá en Italia, vi tanto arte de esa época. Florencia es la cuna del renacimiento”, dijo García. “Fue gran inspiración sacar tiempo para ir a todos los museos constantemente. Ver el nivel de detalle y el nivel de creatividad que conllevaba crear estas piezas que estaban en los techos”.

La atención al detalle es un elemento vital del arte de García. Es lo que engancha al público a meterse a sus mundos mágicos. También es algo que le da versatilidad a García a la hora de trabajar en distintos medios y dimensiones. Ya sea pintando directamente en el papel de acuarela, vectorizando digitalmente el arte, creando para proyectar en una pantalla grande, imprimiendo en papel o hasta diseñando patrones en textiles para marcas de ropa.

La versatilidad es lo suyo y eso está claro con los estampados que hizo para el atelier puertorriqueño Eclíptica en el 2024. Necesitaba saber las dimensiones correctas para crear su arte y así enviarlo a producción. Para que pudiesen reproducir sus diseños sin que perdieran la calidad en las telas. Para que luego, las clientas de Eclíptica se vistieran con la magia de García con los majestuosos tigres, pájaros y dragones que dibujó para la marca.

La invitación del baby shower que cambió todo

La majestuosidad pintada con acuarelas no tiene límites para García. Es igual que su imaginación. Cuando un cliente define lo que quiere y hasta cierto punto, le da ciertas restricciones, ella encuentra el proyecto todavía más motivador y entretenido. Porque quiere decir que necesita retarse a sí misma hasta más no poder y dejar que su imaginación corra libremente para pintar la magia.

Esa pasión imaginativa se vio reflejada en la invitación del baby shower del director creativo puertorriqueño Janthony Oliveras y la influencer puertorriqueña Londra Miracles. Durante varios años, García estuvo trabajando con una compañía de eventos privados llamada Romantics Anonymous en Puerto Rico. Ella hacía el diseño de las invitaciones, los afiches y el branding. Dicha compañía fue contratada para hacerle el baby shower a Oliveras y Miracles.

“Me encanta porque ellos se sentaron y hablaron qué cosas ellos querían en la invitación. La pareja de Jan tiene una finca. Ella vende los huevos de su finca y tiene sus gallinas. El evento iba a ser en una finca”, dijo García. “Entonces, ella quería que hubiesen gallinas, maíz y quería que salieran sus dos perros salchichas. Ella quería pollitos, un sol, unas botitas de hule y caballos de paso fino”.

En eso, García se preguntaba cómo iba a hacer todo. Cómo iba a lograr crear una composición armoniosa con todos estos elementos. Además, tenían que estar con una tina de baño. Su colega del trabajo hasta le decía que no sabía cómo iba a hacer.

“Y yo ahí: woooow, esto va a ser increíble. Esto me va a encantar porque voy a ilustrar el motivo. El código de vestimenta para el evento era monocromático”, dijo García, emocionada. “Entonces, yo vestía a todas las gallinas y los pollitos en [colores] monocromáticos. Como que con indumentaria basada en piezas de Jacquemus. Como que en piezas de Chanel”.

Los pollos están vestidos elegantes. Hay una gallina disfrazada de sol atada a una grúa encima de la escena de caballos de paso fino. Los jinetes de los caballos andan vestidos con sacos monocromáticos y sombreros elegantes. Hay perros salchichas con tutús haciendo malabares. Hay perros salchichas con monturas de caballo con pollos elegantes como sus jinetes.

Además, la tina está en el medio y dice “bebé”. Esta tiene una escalera con un trampolín para hacer clavados donde una gallina se está lanzando al agua. Es una tina y una piscina para gallinas al mismo tiempo.

“Tiene un huevo gigante en el centro con la información. Con el sol arriba y como que atrás es todo como checker board [tablero de damas chinas] que parece maíz, pero es amarillito”, dijo García. “So, tiene un montón de cuadritos atrás y la idea es que se pareciera a maíz porque ella quería maíz. Así que esa fue la pieza que yo les hice”.

En esa invitación está la muestra más clara de que la imaginación de García fluye continuamente. El mundo es su inspiración. La saturación de elementos en la composición – o el maximalismo que tanto admira del arte clásico – es su emoción. La llevan a crear sin parar y contar historias por medio de sus mundos mágicos ilustrados.

Ella se lo gozó mucho creando esa invitación y fue muy divertido al tener que buscar referencias para generar la magia. No fue tan difícil porque su arte del pasado, en Italia en la finca en Florencia con las alpacas y los gansos, le sirvieron como punto de partida para esta pieza.

Pero también, esta pieza en particular se convirtió en una obra emblemática que la llevaría a ilustrar a Puerto Rico en el futuro. La llevó a la grandeza para crear una de sus siguientes piezas maestras que se convertiría en un arte popular icónico en Puerto Rico y Latinoamérica.

“So, es gracioso. Yo creo que algo les tuvo que haber comunicado como que: uuu, el poster se vería bien cabrón como que en esta composición”, dijo García. “Obviamente, es otra temática y con más seriedad porque no iba a estar vistiendo a gallinas. [Aunque] salen gallinas. Salen dos gallos y dos cotorras puertorriqueñas, pero nadie está vestido así porque es realista”.

Estén atentos la próxima semana para la PARTE II en donde exploraremos cómo García ilustró a Puerto Rico.

Para aprender más de cómo García crea mundos mágicos, pueden seguirla en Instagram como @nannette.mariela. Ella es una de las múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Maiten Moore creció entre una gran mezcla de culturas. Su mamá es chilena y su papá es panameño. También creció entre la jungla y el mar de Puerto Viejo en el Caribe Sur en la provincia de Limón. Creció aprendiendo sobre su cultura afrocaribeña y afrocostarricense desde la infancia hasta ahora en su etapa universitaria en geografía en la Universidad de Costa Rica (UCR).

Con apenas 17 años, ya participó en su primera exposición grupal. Moore es una de las jóvenes de la comunidad de Puerto Viejo que es parte de nuestra muestra “Reflejos del Mar: Una iniciativa sobre mares y comunidad”. Sus ganas de fotografiar su comunidad posiblemente vienen de la conexión tan intrínseca que tiene con el arte.

Su madre es buceadora y le ha enseñado sobre la fotografía sub acuática. Sus abuelos maternos migraron de Chile a Costa Rica por la dictadura y con ellos se trajeron su cultura.

“Ellos trajeron toda esta cultura artística porque mi abuelo era profesor de teatro y de música. Entonces, tengo una familia muy artística de teatro y de música”, dijo Moore.

El arte y la cultura corren por sus venas. Del lado de su papá, él vivía en Bocas del Toro, Panamá. Ya tenía familia en Costa Rica y por eso decidió mudarse. Moore mencionó que gracias a su papá aprende mucho de su cultura afrocostarricense.

Con él come rice and beans, que es uno de los platillos más tradicionales de la zona. Consiste de arroz y frijoles cocinados con leche de coco y chile. Además, su papá le enseña sobre todo lo que viene de la tierra. Le enseña de la fruta de pan y la fruta de mono.

“Todas esas cosas que no me enseñan tanto en casa, pero las aprendo con él y como el tema de la pesca. Que mis fotos son de la cultura de los pescadores ahí. Él es pescador”, dijo Moore. “Entonces, él siempre me ha enseñado los diferentes tipos de peces, lo que ellos van a hacer al mar, cómo se despiertan a las cinco de la mañana para ir a pescar y traer pescado fresco”.

Ese interés por la pesca artesanal llevó a Moore a participar en el taller de fotografía impartido por la agrupación Reflejos del Mar en colaboración con la Cooperación Española en Costa Rica. Inicialmente Moore se involucró por su mamá, Ana María Arenas, quien es cofundadora de Reflejos del Mar con Gloriana Turcios y Diego Miranda.

Moore también se involucró porque le encanta la fotografía. Le encanta la idea de retratar lo que está pasando en su comunidad y le parece muy interesante poder capturar la cultura de la pesca que se ha estado perdiendo.

Aprendiendo en el taller

“La gente como que no sabe mucho de esta parte de Puerto Viejo sobre la cultura de los pescadores. Entonces, me interesó mucho retratar todo ese tema para que la gente viera cómo es el día a día en el puerto”, dijo Moore. “Que usted pasa por los botes y están ahí los pescadores sacando el pescado. Me pareció muy interesante que hay que retratar y enseñar esa otra parte de nuestra historia”.

Para poder retratar eso, Moore formó parte de la dinámica del taller en donde a ella y al resto del grupo les enseñaron todo sobre la fotografía. Lo básico y lo no tan básico. Cómo retratar en la superficie. Cómo retratar debajo del agua. Cómo controlar el ISO. Les daban tareas para poner en práctica todo lo aprendido y buscar capturar alguna problemática de la comunidad que les interesara.

Pero más allá de la parte técnica de la fotografía, Moore entiende esta disciplina como un arte donde retrata momentos para siempre. Esos momentos lindos que tiene o aquellos que quiere recordar para siempre. Considera que la fotografía es un arte muy bonito y universal porque cualquier persona que tenga acceso a un medio fotográfico lo puede hacer.

Tampoco es la primera vez que hace fotografías. Cuando tenía nueve años había participado con una exposición de fotografías en el Festival Estudiantil de las Artes (FEA). Había retratado la naturaleza y cosas que le gustaran visualmente. También ha tomado muchas fotos para el Wolaba Parade en su comunidad y a veces le ayuda a su mamá retratando los corales bajo el agua.

Se define como una joven a la que le gusta mucho el arte visual. Le gusta retratar momentos íntimos de la comunidad para que queden plasmados ahí para siempre. Que no sean olvidados y que comuniquen un mensaje que no sea escrito. Que sea visual. Por eso, a la hora de fotografiar se rige por el sentimiento que está viendo.

“En lo que yo estaba haciendo de los pescadores, quería retratar ese sentimiento de no ser olvidados. Porque en la comunidad pesquera están olvidados”, dijo Moore. “Yo observaba cómo el señor iba saliendo desde la comunidad. Iba saliendo del mar”.

Moore se quedaba observando fijamente. Quería retratar ese momento en que él venía de regreso con los pescados. Paraba. Veía lo que estaba pasando. Aprovechaba el instante donde él estuviera bajándose y pensaba que quería esa foto. Le daba el clic a la cámara sin saber cómo iba a quedar la foto.

Porque parte de la magia Reflejos del Mar era aprender fotografía análoga. Entender cómo manipular una cámara análoga con rollos de película. Tener que estar presente en el momento y esperar hasta que revelaran las fotos para ver los resultados. Este aspecto presentó un reto divertido para Moore.

Tenían solo diez clics por rollo. Tenían dos rollos. Así que tenía que aprovechar el momento y la composición visual que le llamara la atención capturar. No saber qué iba a salir, provocó ciertas emociones en Moore.

“Estuve muy nerviosa porque había que controlar mucho lo que es el ISO del sol. Porque hacía mucho sol. Teníamos que practicar mucho esa parte para que las fotos no se vieran muy claras o muy oscuras. Fue un poquito difícil, pero al final todo salió bien”, dijo Moore. “Me dieron muchos nervios porque no sabía cómo iban a salir. Porque, diay, algunas salieron muy borrosas. Muy movidas porque había que quedarse muy quieto y no me quedaba quieta”.

Fotografiando sus raíces afrocostarricenses

En esa experimentación visual análoga, Moore tenía muy claro que quería retratar la pesca artesanal como sinónimo de cultura, raíces e identidad. Porque eso es lo que ella cree que los identifica como comunidad. Es su cultura, raíz e identidad por la conexión personal que tiene a la pesca gracias a su papá, quien es pescador.

Es una actividad que él practica desde hace mucho tiempo. Es la tradición y cultura de un pueblo, pero también es algo que hace para él mismo y para tener pescado fresco para su comunidad.

“Pero más que todo, lo hace para él. Es su hobby y también su trabajo. Es muy bonito saber que él se despierta temprano y va a pescar o hay días que él no puede ir a pescar porque, además de que ellos pesquen, conocen el mar”, dijo Moore. “Ellos conocen cuando está bien el mar para ir a pescar. Cuando es temporada. Cuando no. Cuando va a venir una tormenta”.

Moore quería comunicar todo eso por medio de sus fotos. Quería rescatar visualmente una tradición de su pueblo que siente que está en el olvido. Para que las personas de su comunidad y fuera de Puerto Viejo puedan conocer esta cara. Que es algo que no se debe perder. Logró rescatar eso por medio de fotografías con tonos de verdes, azules y grises muy vibrantes.

Siente que también lo logró al tener las fotos impresas en un gran formato en la galería al aire libre del Estadio Nacional en la ciudad de San José.

“Es algo que yo quería que se viera. Como es un lugar tan visible y mi idea de la fotografía era que se visibilizara la cultura pescadora, es algo que se cumplió la meta de que se haga visible. De que la gente vea la comunidad pesquera desde mis fotos”, dijo Moore. “Muy bien que lo hayan puesto en un lugar tan grande y las fotos tan grandes para para que se vean bien desde el carro o del otro lado de la calle”.

Lograr eso es un orgullo muy grande para Moore. Igual que el orgullo que carga por ser parte de Puerto Viejo y el Caribe Sur costarricense. Eso quedó retratado en sus fotografías. Porque para ella, ser de Puerto Viejo implica que todos se consideren familia. Implica ser de una comunidad muy unida donde le gustó mucho crecer.

Implica también estar conectada con sus raíces afrocaribeñas de una cultura muy alegre donde se intenta preservar las raíces del pasado. Es esa necesidad de tener la cultura para siempre. Desde el legado de su cocina y baile hasta la preservación de su idioma.

“Porque allá se habla patuá o creole también. Esa cultura que sigue ahí, que ellos intentan retenerla y, además, transmitirla”, dijo Moore. “Me gusta mucho. Es una cultura muy linda”.

Además del aspecto cultural, ser parte de Puerto Viejo también implica tener una conexión muy profunda con la naturaleza. Moore vivía adentro de la jungla y siempre estuvo rodeada de la naturaleza. Cuando salía de la jungla, iba al mar. Es algo con lo que ha estado muy familiarizada, pero también algo que requiere de conservación y protección. Por eso cree que la exposición sirvió muy bien para visibilizar eso y especialmente porque su inauguración fue en el Día Internacional de los Océanos.

“Siento que la conservación es algo que hay que visibilizarla también. Por eso, el medio de las fotos preserva esa imagen de lo que tenemos que proteger y lo que tenemos que cuidar. Que es responsabilidad de nosotros. De los jóvenes y los adultos que viven ahí o los que, incluso, no viven ahí”, dijo Moore. “Para exhibir y compartir todo esto que está pasando con los mares, los océanos o todas estas talas de árboles ilegales que están haciendo y que nadie hace nada. Bueno, que nadie dice nada o no le prestan tanta atención”.

La conservación y protección de la naturaleza es solo uno de los factores elementales de la fotografía pesquera de Moore. Es una fotografía que busca capturar un momento para siempre. Una fotografía que recurre a dejar un registro de la cultura, las raíces y la identidad de su hogar de Puerto Viejo. Una fotografía que celebra la tradición pesquera de su cultura afrocostarricense y afrocaribeña.

“Siento que es un privilegio ser artista y afrocostarricense. Es algo que me gusta mucho y estoy muy orgullosa”, dijo Moore. “Muy, muy orgullosa de ser parte de esa comunidad y de tener todas esas raíces y además de ser artista. Ese querer exhibirlas y mostrarlas al público”.

Para aprender más de la fotografía pesquera de Maiten Moore, pueden seguirla a ella y sus compañeros del taller en Instagram como @reflejosdelmarcr. Ella está participando en nuestra exposición “Reflejos del Mar: Una iniciativa sobre mares y comunidad”, que es una colaboración entre el CCE, Reflejos del Mar, la Cooperación Española en Costa Rica, el Ministerio de Cultura y Juventud, ICODER y el Estadio Nacional. La muestra estará hasta el 9 de setiembre.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

De peladito – o niño – Félix Guardia, mejor conocido como Trillo, tenía la vista puesta fijamente en un grabado en la casa de su abuela. Le parecía tan feo, que no tenía sentido que estuviese en la colección colorida y refinada de su abuela. La reacción negativa inicial hacia el grabado del reconocido artista panameño Julio Zachrisson se fue convirtiendo lentamente en una obsesión para Guardia.

“Es interesante esas reacciones que son negativas. Creo que eso es lo que todo el mundo debe buscar en toda película o expresión artística. Hacer que la persona realmente conecte con eso”, dijo Guardia. “En mi caso, fue que yo creía que era una obra fea. Que no hacía sentido con todas las obras alrededor que tenía mi abuela, pero a la larga me fui dando cuenta que era una obsesión. Era algo que tenía mucha personalidad”.

El director de cine, artista y músico panameño se quedó con esa obsesión dando vueltas en su mente. Era algo que, por alguna extraña razón, no podía dejar ir. Siempre pensaba que sería increíble ver a los personajes del grabado de Zachrisson moverse. Esa idea primero apareció en su cabeza alrededor del 2005.

Siempre estuvo latente para Guardia. Estaba latente aun cuando no sabía qué iba a hacer a nivel profesional. Guardia dijo que no se veía como abogado ni tampoco era bueno con las matemáticas. La música le salía de manera natural a la hora de tocar el bajo para expresarse, pero sentía que el audiovisual era la herramienta máxima para contar historias. Tenía un poco de conocimiento de la parte del audio, pero de lo visual no tenía mucha idea.

Por eso estudió producción de video y cine en la Universidad de Towson en Baltimore, Maryland y también estudió música en la Fundación Danilo Pérez en Panamá. Empezó a darse cuenta que el cine se alimenta de ambos mundos. Que había cosas de la música que escuchaba que podían ser visuales. Que hay cosas visuales que ve y puede representar o sentir más con la audición.

“Al final del día, siento que este es mi propósito: contar historias. Primero que nada, entretener al público y luego, contar historias. Poco a poco, me he dado cuenta, que al mundo que hay que contarle historias es a nosotros”, dijo Guardia. “No solo a Panamá, sino a la región. A los países centroamericanos. Estar todos conectados porque te das cuenta que hay mucha gente haciendo películas increíbles y están contando historias que nosotros mismos nos vamos a sentir relacionados”.

Esa convicción y propósito tan claro llevó a Guardia a perseguir su curiosidad por contar alguna historia de la obra de Zachrisson. En los diez años que pasaron entre el 2005 y el 2015, su idea inicial de querer ver los personajes de Zachrisson se convirtió en empezar a trabajar.

“Pensé que era una gran idea. Nunca me olvidé de ella”, dijo Guardia.

Soñar con ideas y curiosidades

Porque para él, su cine siempre empieza soñando una idea o una curiosidad. Luego, deja que el tiempo la vaya poniendo prueba. Imaginarse lo que está haciendo. Si eso perdura, quiere decir que puede hacer esfuerzos para comenzar a tantear la posibilidad de hacer realidad ese sueño inicial.

Eso fue lo que hizo con la película “El Brujo: Julio Zachrisson”, documental que dirigió y trabajó con el productor panameño Tomás Cortés – quién nos acompañó en la entrevista – y el resto del equipo. Para ambos, contar la historia de Zachrisson y su obra, es el propósito actual de sus vidas. Algo que salió de sus corazones.

Es la historia con la que Guardia está enviciado actualmente porque ahora están produciendo la película animada “Toro volandero” del arte de Zachrisson. El documental los llevó a participar en junio en el Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC), donde España fue el país invitado. La participación de “El Brujo: Julio Zachrisson” en la edición del festival este año, no es el primer acercamiento de Guardia y su equipo con Costa Rica.

En el 2017 participaron en un programa de desarrollo de proyectos con el CRFIC y el Centro de Cine. En esa ocasión, ganaron un premio como mejor proyecto centroamericano.

“Creo que ese apoyo fue esencial. No solo por el apoyo económico y lo que representó, sino por ser el primer apoyo que nos hizo sentir y creer que realmente teníamos algo valioso entre las manos”, dijo Guardia.

Fue la leña para el fuego en ese entonces y uno de los impulsos para crear el documental. Fue parte de los incentivos económicos que los ayudó a producir la historia. A continuar con las constantes llamadas telefónicas entre Guardia y Zachrisson. Para entender mejor la obra de Zachrisson y darle forma a la narrativa.

Además, ganaron un fondo y eso les permitió visitar a Zachrisson en su casa en España. Inicialmente, iban con la mentalidad de conocerlo en persona y conversar con él para que les contara de su obra. Nunca iban a hablar de manera seria para hacer entrevistas. Siempre fue más en un ambiente casual y que se sintiera como si estuvieran visitando a un amigo en otro país.

Porque conforme fue pasando el tiempo, en las llamadas telefónicas previas a las visitas, se dieron cuenta que habían entablado una amistad con Zachrisson. Se volvió algo más personal. Algo que trasciende el arte. Algo más humano.

El cine de lo real

Pero por cuestiones de la vida – y el arte de lo real que implica un documental – la narrativa fue cambiando y el proyecto tuvo algunos inconvenientes. Llegó el 2020 y con él, la pandemia. El proyecto se estancó.

“Con la realidad de ese momento no había necesidad y no era la prioridad tampoco. Pero Tomás y yo no lo dejamos morir, sino que lo seguimos trabajando con nuestro tiempo durante la pandemia desarrollando nuestra idea y en el 2021 fallece Julio”, dijo Guardia. “Y eso, para nosotros fue, bueno, más que un golpe al proyecto, fue un golpe a nuestros corazones porque perdimos a un amigo”.

Ese acontecimiento los marcó mucho a nivel personal, pero también fue un momento que los hizo darse cuenta que tenían que rescatar el proyecto. Que todo parecía un capricho, pero que tenían en sus manos la gran responsabilidad de honrar a su amigo Julio Zachrisson, su vida y su obra.

“Porque fue un hombre con un propósito claro”, dijo Guardia.

Ahí fue donde empezaron a ver todo el material de las visitas que habían hecho. Al principio, ese material era secundario, pero de la noche a la mañana, se volvió la fuente principal. Lo combinaron con el conocimiento bien avanzado que ya tenían de las temáticas de la obra y la obra en sí. Nunca contemplaron salir en el documental, pero las conversaciones con Zachrisson mostraban una parte más íntima de la amistad que crearon.

A partir de eso, comenzaron a construir la línea narrativa sin un guion de por medio. Todo se basó en las temáticas, los 450 grabados que eventualmente escanearon y las conversaciones de Zachrisson hablando detalladamente sobre su arte.

Por suerte, Zachrisson también guardó todas sus fotos y recortes a través de su vida. Esto les dio un acceso libre a Guardia y su equipo a una gran cantidad de material ilimitado del artista. Esto les ayudó tremendamente para contar su historia como persona integral. Es su historia de crecimiento artístico donde lograron retratar a un personaje sumamente carismático, que a veces opacaba el arte por ser una persona tan divertida.

“Nuestras intenciones realmente eran compartir con él y con su obra. Creo que para una persona que está en sus noventa años, estar rodeado de peladitos de 25 o 27 años, que están interesados en ellos, es una energía que tiene vida”, dijo Guardia. “Creo que ahí había una buena simbiosis”.

Esa buena simbiosis se ve reflejada en la pantalla no solo por la estructura narrativa, sino también por la combinación tan orgánica entre el arte, la música y la parte humana. El arte habla de las inquietudes personales de Zachrisson. De su interés de contar lo que los demás no cuentan y el documental logra introducir a la audiencia a ese universo de Zachrisson al crear animaciones con su arte.

Llevan al público en un viaje por la historia de Panamá y Latinoamérica por medio de los grabados bizarros, irónicos y grotescos de Zachrisson. Hablan de la humanidad con las mitologías panameñas y latinoamericanas que él exploraba con su arte inspirado en las culturas precolombinas provenientes de la conquista de América.

También hablan de la historia un poco más contemporánea de Panamá con la invasión de Estados Unidos de diciembre de 1989 a enero de 1990.

“[Zachrisson] exploró también sucesos y eventos históricos nacionales, que fueron determinantes o traumáticos para la historia del país”, dijo Guardia. “Creo que él estando lejos, lo sintió mucho y desarrolló obras que expresaran ese sentimiento panameño de una forma genuina”.

Además, la travesía de Zachrisson por México se vio reflejada en su aprendizaje sobre la historia cultural de su propio país e despertó el interés que se ve en sus obras inspiradas en la cultura del Caribe y la cultura taína. Esa exploración de Zachrisson permitió que Guardia y su equipo pudiesen hacer un documental que habla de una obra más internacional. Una obra que tiene elementos panameños, centroamericanos y latinoamericanos.

Una obra que permite que una audiencia latinoamericana pueda sentirse representada e identificada. Eso Zachrisson se lo dejó muy claro a Guardia con sus conversaciones.

“Igual que su idea de irse de Panamá cuando se fue. Si tú te vas de tu país, aprendes a apreciarlo más a la distancia, pero hay que irse temprano. No tan viejo. Porque si no, no vas a poder agarrar las cosas que el mundo te va a ofrecer”, dijo Guardia. “Creo que son temáticas que nosotros como latinoamericanos vivimos en el día a día o mucha gente se puede sentir identificada con eso de irte de tu país en busca de un propósito”.

La animación y música que dan vida

Nuevamente, esas conversaciones tan humanas y profundas las retrataron al animar su arte para darle más ritmo, fluidez y estilo a la historia a nivel visual. La animación estuvo a cargo de Filo Animation Studios dirigido por Fernando Toussaint en Panamá. Con la animación enfocada en detalles sutiles, buscaban resaltar la crudeza de la obra de Zachrisson. De representar algo nuevo a partir de la obra que ya había para que el arte y la animación dialoguen entre sí.

Que la animación no opaque al arte en sí, sino que se convirtiera en un viaje por el universo del artista. Un viaje que es más surreal y donde la música también juega un papel importante para el flujo del cine documental artístico de Guardia. La incorporación de la música fue otro proceso más de la película.

“Cuando estábamos editando la película, usamos música de referencia que sentía que podía expresar el mood. El deseo o el sentimiento que quería invocar en la escena y el ritmo que tenía la escena usando música de referencia”, dijo Guardia. “Y luego, con la maestría del compositor Frédéric Filiatre. Él agarraba esas referencias y las transformaba en piezas únicas que él compuso”.

Tuvieron la fortuna de contar con un compositor que contaba con muchas herramientas de distintos estilos musicales. Guardia lo describió como un hombre con una imaginación enorme y una determinación muy grande que le dio un toque esencial a la película con su música.

Además, la música cuenta con un sonido de granulaje y textura que ayudó al feeling, o sentimiento, análogo que se combinaba perfectamente con la estética del arte y las fotos de archivo de Zachrisson.

La combinación de todos esos diferentes elementos en el cine documental artístico de Guardia, hizo que su participación en el CRFIC en junio fuera una grata experiencia para él y su equipo. Fue una experiencia inolvidable con la que está muy agradecido y de donde salió más inspirado al haber ganado el premio del público.

“Sentí que regresamos al lugar [Costa Rica] que nos hizo creer que esta película valía la pena y poder presentarla ahí fue un poder mágico en ese sentido. Fue una experiencia que nunca olvidaré y cuando ganamos el premio, pues, creo que fue una corroboración divina”, dijo Guardia. “Tenemos un personaje que su obra y su personalidad van más allá de Panamá”.

Tiene un personaje carismático retratado en su cine documental artístico que para él es sinónimo de sentirse vivo y conectar más profundamente con los demás. Tiene un personaje que le ayudó a entender que el cine y el arte pueden ayudar a otras personas a sentirse presentes y que tal vez, transforme sus vidas.

“Ahorita me siento con ganas de hacerlo lo mejor posible, pero con ganas. Como te digo, no es una ambición personal. Es un deseo por poder conectar con la mayor cantidad de personas posibles”, dijo Guardia. “Poder traer entretenimiento a la vida de la gente y poder transformarlas de alguna manera o ayudarlas a transformarse. Darles esperanza a través de estas historias”.

Para aprender más del cine documental artístico de Trillo Guardia, pueden seguirlo en Instagram como @trilloelpillo o @cineanimal. Él participó en la competencia de largometrajes del Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC), donde España fue el país invitado este año.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

De pequeño, Yoel Morales quería contar historias. Solo que no sabía cómo. En su familia no había una tradición del arte o del cine. Era visto más como un hobby, pero él sabía que era lo suyo. En sus recuerdos están las gratas memorias de pasar mucho tiempo con su tío cinéfilo. Morales iba mucho a la casa de él los domingos para hacer maratones de películas con el VHS.

Además de esa afición compartida con su tío, Morales también le tiene mucho amor y cariño a la literatura. Cuando estaba en el colegio – lugar donde era muy aplicado – siempre leía mucha literatura latinoamericana. Se sumergía en las palabras mágicas de Juan Rulfo y Gabriel García Márquez.

Para el director de cine y artista dominicano, la literatura y el cine siempre han sido muy importantes. Morales quería ser escritor e iba a talleres literarios para descifrar cómo escribir cuentos, pero también quería ser músico. De una u otra manera, la literatura y la música influyen mucho en su cine surreal.

Esa necesidad constante por contar historias llevó a Morales a estudiar cine en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD). Ahí conoció a su amigo Cristian Mojica, con quién luego fundaría el colectivo Mentes Fritas. Con el colectivo, querían hacer cine de género y probar el terror, humor negro y la ciencia ficción.

Para poder experimentar con eso, Morales siempre ha entendido que el arte es algo intangible. Que viene desde adentro. De una parte desconocida y que el cine es parte de esa derivación artística.

“Yo creo que es como esa búsqueda de ese lenguaje universal y que apela a los sentidos de una manera inconsciente”, dijo Morales. “A mí me gusta pensarlo también como una manera de permanencia. Al final, también hay una necesidad de plasmarnos en todo el sentido”.

Las ganas de plasmar la vida en cine es en parte porque Morales se define a sí mismo como un narrador, contador y amante del cine y el arte. Esa búsqueda constante lo llevó a él y su equipo a crear la película “La Bachata de Biónico”, la cual participó en junio en el Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC), donde España fue el país invitado.

Crear “La Bachata de Biónico”

Este largometraje trata “del romántico Biónico que lucha por encontrar un trabajo y un hogar para mantener a su prometida La Flaca tras la rehabilitación. Intenta dejar las drogas con la ayuda de su compañera Calvita”.

La película fue inspirada en dos amigos que Morales y Mojica conocieron en el 2016.

“Ahí hablando e interactuando con ellos, nos dimos cuenta de esa relación tan chula que ellos tenían. La manera en que veían la vida y eran también súper alegres como se ven en la película”, dijo Morales. “A pesar de la marginalidad que los rodeaba. Como que eso no lo había llevado como a esos estadios de tristeza extrema”.

Para Morales era muy chévere, o agradable, ver esa amistad entre ellos. Él sabía que quería contar algo romántico con Biónico y quería hacer algo con ambos personajes. Duró años intentando encontrar una historia donde Biónico y Calvita tuvieran sentido.

En el 2022 finalmente se les ocurrió cómo desarrollar la narrativa. Encontraron la herramienta del documental falso. Como ya llevaban tanto tiempo hablando de estos personajes, cuando Mojica se sentó a escribir el guion, todo fluyó bastante rápido. El personaje de Biónico estaba muy bien construido mentalmente.

Además, Morales siempre empieza el proceso de sus películas con el desarrollo de sus personajes. Es una habilidad que ha afinado con los años. Una habilidad que sabe que en el momento que siente que un personaje tiene sentido para él en su cabeza, es cuando debe encontrar el viaje de dicho individuo.

Necesita saber quién es. Conocerlo. Empatizar con él y que le agrade.

“Y luego, conocer en qué contexto está este personaje y escucharlo. Creo que te lo dice todo. O sea, yo creo que en el momento que tú tienes un goal [meta] para ese personaje, ya todo lo demás viene solo”, dijo Morales. “Quién los rodea. En qué contexto se va a desarrollar. Cómo va a ser visualmente”.

De esa manera, Morales y el equipo desenvolvieron a Biónico y quienes están a su alrededor: Calvita, La Flaca, El Ingeniero y Andrés. La siguiente tarea después del entendimiento a profundidad de Biónico, fue encontrar a los actores y actrices para interpretar estos personajes.

Morales se enfocó en buscar profesionales que tuvieran la energía adecuada para elevar el guion a lo que se ve en la pantalla. Quería que no distrajeran la historia que se cuenta en la película. Por eso escogió a Manuel Raposo para Biónico, al rapero El Napo para Calvita, Ana Minier para La Flaca, Yasser Michelén para Andrés y Donis Taveras para El Ingeniero.

Trabajar con ellos implicó múltiples reuniones por un largo tiempo para que cada uno pudiese interpretar de la mejor manera a su personaje. Con Raposo, estuvieron casi un año reuniéndose periódicamente para entender el guion y cómo era Biónico. Duraron bastante construyendo la filosofía de Biónico y Raposo tuvo que pasar por una transformación física para poder retratar el personaje.

Con El Napo, hubo una armonía perfecta porque su música es muy de barrio y underground. Así que su vibra iba perfecto con la de Calvita. Además, definieron su estilo de moda y estética acorde a alguien que destaca por colores vibrantes y sin miedo a expresar un flow urbano bastante particular.

Todos estos elementos se mezclaron para crear una imagen y estética muy autóctona de un barrio en Santo Domingo. Esto le dio más sentido al documental falso que crea una gran confusión en la audiencia, pero al mismo tiempo genera un aire de humor que hace de la historia más digerible para la audiencia.

El humor y lo absurdo

“Fue la manera que encontramos adecuada de contar esta historia y la reflexión vino después. Nosotros en Mentes Fritas pensamos que, aunque sea el drama más fuerte, si hay dominicanos de por medio – y yo ampliaría eso a latinos – hay momentos de humor”, dijo Morales riéndose. “En la vida, aunque tú te esté llevando el diablo, hay momentos de risas y más si tú eres latino o dominicano. Aquí se hacen chistes en los funerales”.

Era su manera de ser fiel a la esencia, la cultura y los personajes que inspiraron la película. El humor tenía que estar presente de una u otra manera. Cuando tenían la narrativa armada, las risas fueron la confirmación que era el camino adecuado porque es un largometraje denso y crudo. Morales cree que sin este elemento, la película sería completamente distinta. Sería muy difícil de ver.

En el humor encontraron otra herramienta: evitar caer en la porno pobreza. Morales y su equipo tenían la seria preocupación de no contar la historia explotando la porno pobreza ni los personajes por su situación de adicción. Por eso, la manera visual en que se narraba todo, tenía que ser muy específica.

Utilizaron el humor, pero también relajaron a los personajes para que se mostraran como personas. En eso, el falso documental, contado desde el punto de vista de Biónico, les jugó muy buenos resultados. La audiencia puede entender que es Biónico el que los está guiando a través de su aventura para estar con el amor de su vida, la Flaca.

“Era como si estuviéramos organizando las cosas en su cabeza. También estábamos como con eso” dijo Morales. “De empujar al límite las reglas narrativas del documental y entonces, el documental falso era ideal pa eso”.

El juego con el documental falso le resultó en un nuevo descubrimiento a Morales: otra manera de agarrar a la audiencia. Las personas estén tan inmersas en la película que las hace pensar en si la historia es real o no. Encontró un doble gancho que juega mucho con el público, pero que también termina siendo algo simpático.

Morales cree que cuando los espectadores se dan cuenta que no es real, no es una desilusión. No molesta. Porque saben que siempre hubo un juego, pero también es una historia que trae el tema de las drogas a la mesa sin necesariamente darle un valor o adjetivo. Es la audiencia quien decide cómo tomar el uso de las sustancias ilícitas.

Para Morales, las drogas en la narrativa son parte del contexto en el que Biónico, Calvita y sus amigos existen. No los define porque ellos son muchas cosas más que las drogas, pero representan una parte de ellos. Para poder entender mejor cómo filmar ese contexto, Morales y su equipo tuvieron que hacer una investigación profunda.

“La realidad es muchísimo más fuerte que lo que nosotros filmamos. Nosotros tuvimos nuestro proceso de investigación en el momento que estábamos en desarrollo para todos entender lo que estábamos filmando. Yo fui con los actores también”, dijo Morales. “Nosotros convivimos mucho con ellos. Con las personas adictas y la realidad es mucho más fuerte. Es decir, lo que no se toca en la película, son las enfermedades”.

A partir de esa investigación, evitaron caer en los extremos con el retrato de la adicción y las drogas. Ni lo romantizaron ni tampoco cayeron en la porno pobreza o porno miseria y la victimización. También, por el desenlace de la película, el largometraje terminó siendo más anti drogas de lo que pensaban.

La respuesta para huir de estos extremos estaba en los personajes.

“Yo creo que la solución o la salida, siempre es apuntar a los personajes. Apuntar a los personajes y a las dimensiones de estas personas. Es decir, el punto de vista viene dado por ellos”, dijo Morales. “Entonces, si están bien construidos, es la manera, por lo menos, que yo encontré de no caer en ni una cosa ni la otra”.

La música, el color y la identidad

Además, sumado a una investigación muy bien curada para la narrativa, hubo otros elementos en juego que ayudaron a evitar una visión estrereotipada de la marginalidad. El uso de los colores vibrantes, la música sumamente rítmica y la fuerte presencia de la identidad latinoamericana y dominicana hicieron de la historia en la pantalla una alegre y divertida.

Los colores fueron un trabajo en conjunto con el director de arte Lucas Marte, la decoradora Dayana Baéz y la diseñadora de vestuario Hillary Espinal. Los colores de los vestuarios definirían la personalidad de los personajes.

Biónico es más bohemio con tonos ocres. Calvita es mucho más colorido y chillón por su desvergüenza de la moda. Utiliza cualquier tipo de ropa por su personalidad tan peculiar. Para la Flaca, utilizaron el azul cuando estaba en el centro de rehabilitación por la búsqueda de lo espiritual.

En cuanto a la estética general de la película, para el equipo era muy importante abrazar el caos y lo vibrante de Santo Domingo. Querían que se viera el sol del trópico fuerte con una invasión de luz constante y paralelamente, buscar colores que estuvieran en armonía con eso.

También se puede ver la paleta de color natural y real de Santo Domingo en los distintos lugares donde se mueven Biónico y Calvita. Desde las casas coloridas hasta el bar colmado que tiene un cielorraso con un patrón de ajedrez en rojo y negro con las luces típicas de discoteca. Una locura de color muy típica de República Dominicana, según Morales.

“Los colores y el estímulo, de alguna manera, te van llevando armoniosamente hacia lo que nosotros estamos tratando de contar en cada escena”, dijo Morales. “Al final, hay mucho, mucho, mucho que está sucediendo desde el color. Entonces, hay una comunicación a través de la paleta de color”.

Ese brillo colorido vibrante y dominicano va acompañado de otro elemento muy importante: la música. Ambos se mezclan para crear un ritmo musical y visual fluido en la historia. Morales y la asistente de dirección y edición, Patricia Pepén, editaron con mucha música de referencia y después empezaron a explorar diferentes posibilidades para conseguir las licencias musicales.

Por fortuna, los artistas les dijeron que sí y para Morales eso es un tremendo lujo. La música es muy importante para él. No es un complemento. Es tan relevante como la imagen y tiene que estar bien justificada para poder crear ese cine surreal que lo caracteriza a él.

Las canciones fueron acompañadas con composiciones originales de los músicos dominicanos Mediopicky y Wander Reynoso para ciertos momentos específicos de la película. Lo interesante es que Morales ya tiene la estructura muy definida a partir de la música.

“Hay muchas escenas que son excusas para escuchar un ritmo o una canción específica. A mí me encanta cuando se da esa dinámica tan armoniosa entre la imagen y la música”, dijo Morales. “A nivel de rodaje, por ejemplo, hay escenas que ya yo tengo la música que va ahí. Es decir: esta conversación es un vals. Esta conversación es un metal a todo lo que da”.

Por eso, “La Bachata de Biónico” también es un viaje por distintos géneros musicales de República Dominicana. Aunque se llame la bachata, no tiene ni una sola canción de bachata en toda la historia hasta los créditos finales. Mojica le sugirió a Morales utilizar la bachata como nombre porque era más local y autóctono. Para que se entendiera que era de la isla caribeña.

Si el público pone atención, se dará cuenta de la intención específica de Morales y Pepén en la edición: que la película sea un dembow. Que tuviera ese ritmo caótico y rápido. Que tuviera esa estética o textura tan rústica. Que tuviera unos cortes que no van porque alguien está hablando y de pronto continúan a otra escena.

Jugaron con lo asimétrico. Jugaron con el ritmo para que fuera todavía más dominicano de manera inconsciente para la audiencia. También hicieron un viaje por el dembow y el merenhouse dominicano de los noventas representativo de la juventud de Biónico y Calvita.

También está presente el reggaetón indie con la canción “Soy una gárgola” de la banda Depresión Post-Mortem y “Me porto bonito” versión Bad Buky, que son sinónimo del humor y el absurdo de la película acompañado de una aparición espiritual del doble de Arcángel.

La mezcla de todos estos distintos elementos culturales hizo que la identidad latinoamericana y dominicana fueran identificadas muy fácilmente. Porque para Morales el arte tiene que ver mucho con el registro de quiénes somos como ente global y particular.

“Si somos gente, pero somos gente latina. Pero después, somos gente dominicana. Tú sabes. Yendo de lo general a lo particular. Pa mí es la función”, dijo Morales. “Yo no te digo qué voy a hacer en diez años, pero ahora mismo, yo siento que esta es la manera correcta. Más si sucede aquí. De nosotros celebrarnos y elevarnos”.

Ese celebración para elevarnos gustó tanto en la audiencia, que “La Bachata de Biónico” se llevó el premio del público durante el CRFIC en junio, el cual fue el primer festival latinoamericano y centroamericano al que Morales asistió con la película.

Además, también se ganó el premio del público en el festival estadounidense South by South West (SXSW) y fue parte de la Selección Oficial del Festival de Cine de Locarno y el Festival de Cine BFI en Londres.

Todo el éxito de “La Bachata de Biónico” es simplemente el resultado del cine surreal de Morales que mezcla el absurdo, el humor, la identidad latinoamericana y dominicana con las situaciones densas que presenta la vida sin dejar atrás la esencia del ser. Donde el cine, el arte y la música convergen para que Morales pueda vivir de su sueño de contar historias.

“Yo estoy súper contento con Biónico. Con todo el éxito que ha tenido. También sé que es un proyecto muy particular. Muy bendecido por el Dios del cine. Yo no me puedo atribuir el trabajo cien por ciento”, dijo Morales agradecido. “Esto es un trabajo de colaboración y así con el equipo técnico y los actores, que lo fueron todo. Yo sé que este es un proyecto que tiene su propio viaje”.

Para aprender más del cine surreal de Yoel Morales, pueden seguirlo en Instagram como @yoelmorales , @lachatadebionico o @mentesfritas. Él participó en la competencia de largometrajes del Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC), donde España fue el país invitado este año.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

Cuando Tomás Pichardo era pequeño siempre rompía sus juguetes para ver cómo estaban hechos. Su curiosidad lo llevaban a querer entender cómo eran por dentro, pero no sabía cómo armarlos de nuevo. Ante esa frustración, sus papás dejaron de comprarle juguetes nuevos y a su mamá se le ocurrió conseguirle rollos grandes de papel para que él dibujara.

Desde niño, el arte y el amor por contar historias han estado presentes en su vida de muchas distintas formas. Ya sea dibujándolo o pasando tiempo con su familia inmersa en ese mundo. Su mamá es pintora, arquitecta, diseñadora de interiores y da clases de pintura. Su papá es ingeniero y pasaba dibujando planos encima de cualquier papel o servilleta que se encontrara.

El director de cine, animador y artista dominicano siempre pasó viendo arte por todos lados mientras creacía. Gracias a ello, llegó a interesarse mucho por las artes plásticas y crear cine está muy enraizado en su forma de ser.

“Yo cuando era pequeño, era muy tímido y se me hacía muy difícil conectarme con las personas. Hablar y hacer amigos”, dijo Pichardo. “El hecho de crear cosas, de usar el arte y el trabajo para comunicarme y conectar con la gente, hizo que me fuera yendo hacia cine. Hacia contar historias en ese sentido”.

Esa curiosidad innata lo llevó a estudiar artes plásticas en la Escuela de Diseño Altos Chavón en República Dominicana y terminó la carrera en el Parsons School of Design en Nueva York, Estados Unidos. Formalmente estudió artes plásticas, pero su hambre por aprender de la animación y el cine lo hizo desarrollar una metodología autodidacta muy disciplinada.

En la época en que Pichardo empezó en República Dominicana, no había universidad en animación o cine. Así que se dedicó a aprender por su propia cuenta. Cada proyecto nuevo que tuviera, lo enfocaba en aprender distintas técnicas como el cutout, el stop motion o entender cómo animar pinturas.

“En todo ese proceso de aprender múltiples técnicas, de aprender a contar múltiples historias, descubrí que tengo como una especie de alfabeto. De que tengo cierto lenguaje para expresar ciertos sentimientos específicos”, dijo Pichardo. “Entonces, no me daba miedo eso de usar varias técnicas en una misma historia porque con un lenguaje o una técnica, podía expresar algo”.

Con ese constante aprendizaje y descubrimientos, Pichardo hizo de la vida su escuela. Cada cosa que se topaba era su fuente de aprendizaje. Veía a las personas en la calle y observaba cómo caminaban. Eso le daba una biblioteca de personajes caminando para las animaciones. Los libros y las novelas de ficción le enseñaban a cómo estructurar historias.

Las pinturas le decían cómo expresar elementos y sentimientos. Veía películas continuamente y se concentraba en entender cómo las hacían. También, iba a charlas a aprender de los proyectos de otras personas.

Estar frecuentemente nutriéndose de todo lo que había a su alrededor lo fue moldeando cada vez más como storyteller o contador de historias.

“A mí me gusta el término de storyteller. Es eso de contar historias. No simplemente historias, narración o ficción, sino todo eso conlleva contar sentimientos, expresión y eso viene mucho de esa intención mía de expresarme”, dijo Pichardo.

Animar sentimientos y emociones

La intención de expresarse y de utilizar su arte para canalizar sus emociones y sentimientos, es algo que ha ido aprendiendo con cada proyecto en el que trabaja. Pichardo siempre se guía por las emociones y sentimientos que se quieran expresar. Ha tenido la dicha de hacer 24 cortometrajes para TED de temas variados. En esos proyectos aprendió a cómo crear el ritmo visual de las historias y cómo utilizar distintas técnicas para desarrollar las narrativas.

En el caso de la plataforma The School of Life, del autor inglés Alain de Botton, aprendió cómo animar emociones y conceptos más abstractos. Para ellos creó 10 cortometrajes y con ambas plataformas entendió mejor el proceso de contar historias, lo cual le ayudó tremendamente para su primer largometraje extraordinario “Olivia y las nubes”.

Esta es una obra de arte impresionante de una duración de una hora y veinte minutos que tomó diez años en crearse. Desde el 2014 al 2024 Pichardo estuvo esculpiendo su gran obra maestra. Es una pieza de arte maravillosa que empezó después de graduarse de la universidad en Nueva York.

En ese entonces, estaba en su aprendizaje autodidacta con varios amigos. Con ese grupo fueron creando un lenguaje visual compuesto de elementos que les funcionaba para expresarse.

“De ahí salieron alguna que otra metáfora, que también salen en Olivia. Como las plantas. Una persona como planta y todo eso”, dijo Pichardo. “Por otro lado, los cortos que fui escribiendo. Que no se completaron o no terminaron o fueron tomando forma. Hay veces que cortos que tengo la intención de hacer, no salen por cualquier razón”.

Conforme pasaba el tiempo, Pichardo encontraba enlaces y conexiones entre cortometrajes que nunca se dieron. Los personajes de las historias del pasado le funcionaron para “Olivia y las nubes”.

Esas conexiones que sucedieron naturalmente, dieron espacio para que Pichardo agregara nuevos elementos a la historia.

“Fue un proceso largo de diez años crear esta película. Mi vida en esos diez años también formó parte de la película. De cosas que pasaban. Con cómo yo me relacionaba con las personas también influía en cómo los personajes se relacionaban entre sí”, dijo Pichardo.

Fue un proceso activo donde el guion se mantuvo abierto durante esos diez años. Donde la animación iba cambiando a lo largo del tiempo. Fue un proceso donde también Pichardo, en República Dominicana, estuvo observando a sus estudiantes universitarios y sus trabajos para reclutarlos para el proyecto.

Él se fijaba en los proyectos y tareas de sus estudiantes que pudiesen animar los sentimientos que él quería expresar en su película. Esa búsqueda expresiva es el propósito central de la historia de “Olivia y las nubes”. Es un largometraje que habla de cómo nos conectamos en una relación.

Para Pichardo es un juego de metáforas con elementos de realismo mágico y surrealismo. Es una película de un universo maravillosamente rico de animación creada a partir de múltiples medios artísticos. Hay pintura, plasticina, fotografía, papel, video, cartón, ilustración y muchos más medios.

“Sentía que necesitaba un paralelo un poco más directo. Un poco más tradicional entre esas metáforas. Por eso yo creé esas dos relaciones”, dijo Pichardo. “La relación de Olivia y Ramón que hace ese juego más de realismo mágico y de metáfora y la relación de Mauricio y Bárbara que es más directo. Que tú entiendes lo que está pasando”.

Esculpiendo los personajes

Por eso creó esos cuatro personajes donde hay un juego intercalado entre relaciones. La relación de Olivia y Ramón es más emocional y abstracta. La relación de Mauricio y Bárbara está contada de manera más lineal. Eso hizo que Pichardo le pudiera hablar a dos tipos de audiencia: una que conecta más con la emoción y otra que conecta más con la expresión.

Crear los personajes fue como esculpir una roca grande. Se trató de ir, poco a poco, descubriendo lo que cada personaje le decía a Pichardo. Él les agregaba algo que su papá hacía en la vida real, pero lo exageraba en la película. También, las personalidades fueron cambiando en la animación. Las voces grabadas llegaron al final y le agregó mucha alma a la narrativa.

“Fue un proceso en esos mismo diez años, de ir esculpiendo esas personas e historias que quizás tenía escritas en el guion inicialmente”, dijo Pichardo. “Al entender cómo era la personalidad, ya no me llevaban a esa historia, sino que me llevaban a otras historias. Fue un proceso natural”.

Además de estar esculpiendo personas e historias, Pichardo y su equipo tenían que mantener el estilo cada personaje como algo icónico para que la audiencia no se perdiera. Tenían que lograr individuos que se distinguieran por su pelo o algún color específico. Como no era una historia lineal, necesitaban que el público entendiera quién era el personaje a punta de elementos visuales diferenciadores.

Por eso, también el color jugó un rol importante en “Olivia y las nubes”. Es este elemento pictórico que ayudó a Pichardo a contar la historia en términos de la edad y el punto de la vida en que se encuentran Olivia, Ramón, Mauricio y Bárbara. También le ayudaron con las secuencias de la bachata, el bar y el marinero. Donde todo tenía que ser más expresivo y explosivo.

Los colores vivos eran sinónimo de Bárbara y su exteriorización de sus emociones porque ella es una persona que no restringe emocionalmente.

“Igual, la relación de Ramón con Olivia. Cuando viven en la casa de Ramón, yo quería que el exterior fuera de la ventana se sintiera vivo con todos estos colores y que esta casa se sintiera muy rústica. Colores muy carboncillos oscuros, ocres y eso. Que hicieran contraste uno con otro”, dijo Pichardo. “Entonces, el color en ese sentido, también está contando la historia. También está contando elementos de la historia”.

Además, los colores para Pichardo se manifiestan de manera inconsciente dependiendo de dónde esté viviendo él. Cuando vivía en Italia, su animación era más calmada y meditativa. De un solo color. Cuando vivía en Nueva York, su trabajo era más caótico y menos narrativo. En cambio, a Olivia la trabajó muchos años en República Dominicana.

“El espacio donde yo vivo afecta mucho ese trabajo. Afecta mucho las visuales. No solo las visuales, también el diseño sonoro. Aquí donde vivo hay ruido constante. Yo quiero ver una película en mi casa y es muy difícil porque suena la alarma de un carro o suena algo”, dijo Pichardo. “Eso es parte de vivir aquí. Yo siento que eso se tradujo a la pieza. Tanto visual como sonoro en ese sentido”.

La música y el sonido de República Dominicana

Y eso nos lleva a la experiencia tan inmersiva que es “Olivia y las nubes” a nivel visual y sonoro. La música fue creada por el músico turco Cem Mısırlıoğlu, con quien Pichardo ha colaborado desde sus tiempos universitarios en Nueva York. Ya tienen muchos años de trabajar juntos en distintos proyectos y eso ha creado una especie de conversación en donde los dos entienden perfectamente cómo trabaja el otro.

Para el proceso de “Olivia y las nubes”, tuvieron un desarrollo un poco distinto a lo que venían haciendo anteriormente. Pichardo y su equipo decidieron llevar a Mısırlıoğlu a República Dominicana por dos semanas. La visita cumplió el propósito de que Mısırlıoğlu pudiese hacer una investigación musical en el país.

Pichardo lo llevó al campo para que escuchara cómo sonaba el río. Lo llevó al mercado que sale en la película para que escuchara el caos sonoro.

“Lo llevé a hablar con diferentes personas de cómo se usan instrumentos en el país. Que vienen de los indios nativos, de África o de Europa a través de los españoles. Cómo funcionan cada uno de estos instrumentos”, dijo Pichardo. “No para que él recreara eso, sino para que él absorbiera todo eso y él creara en base a sus propias formas de trabajo”.

La investigación musical fue el resultado de una música muy envolvente que se mezcló a la perfección con un diseño sonoro sumamente inmersivo. Una vez que la música estaba lista, llegó el diseño sonoro. Esto fue una colaboración con el ingeniero de sonido hondureño Homer Mora, quien conoce perfectamente los sonidos de República Dominicana.

Se quería que el diseño sonoro representara cómo es vivir en República Dominicana: los detalles del caos y la naturaleza. Se trataba también de agregarle pequeños acentos a la música basado en lo visual. También era sobre la bachata, que es un género musical muy importante en el país caribeño.

“[La bachata] representa el espacio rural de campo. Representa también la música que tú pudieras estar escuchando en ese tipo de bares. La bachata, a diferencia del merengue o de la salsa, se baila muy de cerca. Se baila muy pegado. Se baila muy lento. Un poquito más íntimo”, dijo Pichardo. “La bachata me permitía que Olivia tuviera ese contacto con este otro personaje, con el marinero y que el baile pudiera llevarlos a ese viaje en esa secuencia”.

Esas distintas escenas tan marcadas por el arte y la música crearon una experiencia sumamente expresiva para la audiencia. Una experiencia donde el enfoque de la película son las emociones. Donde los sentimientos llevan al espectador en un viaje artístico multimedia por República Dominicana y por las emociones de Pichardo.

“Así fue ese proceso a lo largo de la película. Cada momento, cada escena, vista de esa forma. Vista de expresar esa sensación”, dijo Pichardo. “Yo siento que la gente que ven películas de esa forma y que sienten la película, que se van por los sentimientos, pueden irse en ese viaje de cómo cada momento lo va llevando a un sentimiento específico”.

Cada sentimiento específico viene del concepto “analfabetos emocionales”, que Pichardo aprendió de una película del director de cine sueco Ingmar Bergman.

“Eso resonó mucho porque viene de mi infancia. De lo difícil que se me hacía conectar con las personas, expresarme y que lo hacía a través de mi trabajo. En esta película estoy hablando de relaciones”, dijo Pichardo. “De cómo nos conectamos con las personas. Me gustaba esa idea de que en diferentes momentos de la película podía expresar ese juego de cosas. De quizás, se me hace difícil expresarlo esto a alguien. Entonces, ese sentimiento era clave. Esa ansiedad de sentirse solo en el mundo. De sentirse desconectado de todo”.

Y esa genuina conexión con su animación expresiva, ha llevado la película de “Olivia y las nubes” a participar en 53 festivales alrededor del mundo. Pichardo tuvo la dicha de recientemente estar presente en el Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC) en junio, cuya décimo tercera edición tuvo a España como país invitado. En esta celebración del cine de Centroamérica y el Caribe, Pichardo recibió una mención honorífica por su largometraje.

Él se sintió como en casa. Lo disfrutó mucho porque conoció nuevas personas y por el cálido recibimiento que le dio el público costarricense. Le recordó todo el trabajo arduo de los diez años para crear tremenda obra de arte cinemática animada. Fue el recordatorio de que el cine es como una ventana al mundo conocer historias y descubrir nuevos espacios, ideas y culturas.

“El hecho de que yo tenga esta oportunidad de poder crear, contar y expresar mi propia cultura. Poder contar de dónde yo vengo y yo vivo. Más que el título de director, animador, artista visual o artista plástico”, dijo Pichardo. “El hecho de tener una profesión, que es un trabajo que me permite expresar la cultura de esa forma y compartir mi cultura con otros espacios, para mí es increíble. Para mí es súper lindo”.

Para aprender más de la animación expresiva de Tomás Pichardo, pueden seguirlo en Instagram como @tomaspichardoespaillat o como @oliviaylasnubesfilm. Él participó en la competencia de largometrajes del Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC), donde España fue el país invitado este año.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.

PARTE II: Cómo Sebastián Cabrera Chelín hizo sus sueños realidad

Las opiniones aquí expresadas son exclusivas de las personas entrevistadas y no reflejan necesariamente la postura y los criterios del Centro Cultural de España en Costa Rica.

En la PARTE I aprendimos cómo Sebastián Cabrera Chelín, mejor conocido como Chelín, crea cine a partir de las relaciones humanas. Ahora, vamos a explorar cómo el director de fotografía y artista dominicano hizo sus sueños realidad con los bichoalizers del álbum “Capicú” de la artista puertorriqueña RaiNao.

Recordemos que ya Chelín había hecho el video musical de “Tentretiene” con RaiNao. Como a este videoclip le había ido tan bien, RaiNao y su project manager de ese entonces, Nasha Santiago, le hicieron una propuesta bastante llamativa y ambiciosa a Chelín.

“Y me dicen: mira Chelín. Que te queremos ofrecer todos los bichoalizers de RaiNao. Y yo digo: ¿qué? No. Yo no puedo hacer eso. No. Como con Tentretiene nos fue muy bien. Que no sé qué cuánto”, recordó Chelín. “Y yo dije: sí, pero me tienen que dar un tiempo y yo voy a escribir todas las historias y lo tengo que producir yo”.

Una vez tomada esa decisión, Chelín puso sus condiciones y se respetaron. Tenía un pequeño inconveniente y era que había muy poco dinero para crear todo. Eso implicó para él tener que optimizar los recursos. Tuvo que involucrarse de manera mucho más inmersiva en el proyecto porque tenía que filmar, producir, editar, dirigir y llevar a cabo otro montón de procesos más.

Fue una locura, pero también algo muy satisfactorio. Los bichoalizers de “Capicú” de RaiNaio – los videoclips cuyo nombre fue creado por el asistente de dirección Kemel Jamis – representaron uno de los retos más grandes para Chelín.

Él fue el responsable de crear trece de los dieciséis videos musicales. Cada video tiene su vida propia, pero si se juntan cuentan una historia completa. Casi como si fuera una película. Para que la audiencia se dé cuenta de ello, tiene que poner atención a los detalles de la experiencia audiovisual que se está contando.

Son videos sumamente inmersivos. Se siente casi como si se estuviese viviendo un sueño. Como si lo que está pasando en la pantalla no tiene sentido, pero de cierto modo sí lo tiene. Cada pieza audiovisual se conecta la una con la otra.

“Todo eso sale de mis sueños”, dijo Chelín.

Por eso Chelín hizo sus sueños realidad. No de manera metafórica. No por un cliché de hacer sus sueños realidad profesionalmente. Literalmente hizo sus sueños realidad.

“Es soñar algo. O sea, cerrar los ojos y decir: mierda, me soñé que había un gato gigante cayéndome atrás y estaba en un colmado [tienda]”, dijo Chelín.

Quería crear esa sensación de que muchas veces los sueños se conectan, pero también en otras ocasiones no sucede así. Son situaciones ambiguas y distópicas. Su idea era tener elementos que conectaran el uno con el otro.

Para ello, mucho del proceso creativo se trató de confiar en su instinto y subconsciente para contar estas historias. Después de soñar, Chelín preparó una presentación para RaiNao y Nasha sobre sus ideas. Recurrió a la inteligencia artificial para poder graficar sus sueños y que eso tuviese sentido con lo que quería crear visualmente. Nunca antes había hablado con alguien más de esta parte tan surreal del proceso.

“Era yo que estaba creando. Era mi journey [camino] creando prompts [enunciados] y vainas y volviendo los sueños realidad. Es muy loco eso. Muy loco”, dijo Chelín. “Cuando tú te sueñas algo, tú lo graficas y después tú lo vuelves realidad. Qué loca la vida”.

El concepto de hacer un sueño realidad puede sonar muy ambiguo. Puede crear cierta confusión porque no es una metáfora ni una frase poética. Es algo real. Es algo que tiene una explicación muy simple para Chelín.

“Yo me acuerdo que yo relajaba cuando muy niño. Qué sé yo, siete, ocho años. Yo me soñaba que estaba haciendo pipí y cuando me levantaba, me había hecho pipí en la cama. Es que literalmente hice mis sueños realidad”, dijo Chelín riéndose. “Y aquí [con los videos musicales], literalmente estoy haciendo mis sueños realidad”.

Los detalles de los sueños

La estética de los sueños se puede ver claramente en el video de “readysita” con los gatos humanos gigantes en un ambiente oscuro con luces amarillas bajas o en el video de “navel point”. Donde RaiNao empieza interactuando con un mesero enmascarado en un bar. Luego, ella encuentra personas besándose en un clóset y un baño, quienes después salen corriendo y la persiguen.

O en el video de “EVA”, donde RaiNao nuevamente aparece con el hombre enmascarado, quien esta vez es un vendedor en un supermercado en la oscuridad rodeado de muchas personas. El uso de las luces estroboscópicas da la sensación de estar en un sueño y no en el mundo real.

También hay un gran detalle de Chelín en esos videos que deja muy claro porque ese trabajo fue una experiencia sumamente inmersiva para él.

“Yo salgo actuando en unos videos. Hay dos videos en los que yo soy actor”, dijo Chelín. “Yo salgo en EVA. Yo soy el que está detrás vendiendo cosas”.

Chelín es el hombre enmascarado misterioso en “EVA” y “navel point”. Sus múltiples apariciones son parte de la continuidad que hay en los bichoalizers con distintos personajes que están presentes a través de los videoclips. La actuación de Chelín también es el claro ejemplo de la experiencia inmersiva donde tenía que ser un artista versátil cumpliendo muchos roles diferentes al mismo tiempo.

Aunque la mayoría de las historias son contadas a partir de sus sueños, también hay una dosis de realidad contada de manera poética en uno de los bichoalizers. El documental corto para la canción “Naomi” surgió de la historia que Chelín iba escribiendo y diciéndole a RaiNao.

Él le iba poniendo conversaciones a ella para hablar entre los dos. Le planteaba posturas filosóficas de lo que él entendía como importante en la vida. Las cosas que tienen valor y los valores que acompañan sus objetivos y propósito en la vida.

En esa dinámica, él terminó creando una canción que no existía en “Capicú”, lo cual fue de mucha alegría para Chelín. Descubrió una nueva habilidad: escribir canciones. En ese proceso se dio cuenta que las conversaciones con RaiNao los llevaba a momentos donde creaban un sentimiento muy íntimo que le permitía filmar.

“Yo en esos momentos grababa. La otra cosa era que como yo era muy cercano de ella y andaba muy cerca de ella, también andaba con mi cámara de dieciséis milímetros con latas”, dijo Chelín. “En Los Ángeles yo iba a Kodak y siempre me dan latas. Siempre me daban una película, yo la compraba, me la regalaban o lo que sea y eso me permite siempre tener mi cámara ready to shoot [lista para filmar]”.

La estética análoga

Filmar en película análoga también es parte de la estética específica que Chelín planteó para varios bichoalizers: “Naomi”, “logout” y “roadhead”. Aparte de ser los tres videos con un mismo formato visual, también son tres videos que Chelín decidió regalarle a RaiNao como agradecimiento por darle la oportunidad para crear con ella.

Además de ser tres videos que utilizan la misma estética y que fueron un regalo, son videoclips que comparten imágenes y momentos. De nuevo, los detalles de Chelín juegan un rol sumamente importante aquí. El documental “Naomi” termina en un release party (fiesta de estreno) del artista puertorriqueño Álvaro Díaz. Mientras tanto, “roadhead” empieza en esa misma fiesta y además, salen los perros de RaiNao, que también aparecen en otros bichoalizers más.

Todo está conectado porque para Chelín, “Capicú” es un gran video donde los sueños se mezclan con la realidad. Donde la realidad terminó siendo retratada en el documental “Naomi” porque Chelín quería mostrar cómo es RaiNao como persona.

“Es que la gente no ve al artista como es. Que también es un ser humano que tiene un montón de traumas y que no está bien. Que pasa un montón de luchas en la vida”, dijo Chelín. “Esa capacidad de tener una cámara íntima dentro de la vida de ese artista, por casi seis meses, yo lo filmé en dieciséis milímetros”.

Eso para él fue un privilegio increíble.

“También fue un reto personal que yo me lo tomé para probarme a mí mismo de que tengo la capacidad de crear una pieza de gran envergadura como son todos esos videos”, dijo Chelín. “Y estoy muy agradecido de tener esa oportunidad. Eso me enseñó mucho. Yo aprendí qué coger y no coger de ahí. Estoy muy agradecido de eso porque gracias a eso yo me forjé y me esclareció mi camino bastante”.

Fue un proyecto que lo retó de muchas maneras donde se sintió como Bugs Bunny porque él «pateaba, pitcheaba, era primera base y también cátcher». También fue un trabajo extenso donde la pasión y entrega de Chelín es muy notoria. Donde la parte humana destaca mucho y que es muestra de todo su arte que lo ha llevado tan lejos a nivel global a pesar de las dificultades en el camino.

El arte salva vidas

Es parte de su arte y cine donde ser latino juega un papel de desventaja y ventaja al mismo tiempo. Que su identidad y sus logros, de una u otra manera, influyen a las demás personas de una manera más profunda.

Chelín recordó a una de sus estudiantes en las clases de rebelado de fotografía analógica que él daba en la Escuela de Diseño Altos Chavón en República Dominicana. Ella estaba pasando por un momento bastante complejo y difícil. Chelín la llamó un día por teléfono para preguntarle cómo estaba y que si había hecho la tarea.

Una llamada telefónica con una simple pregunta para él, pero para ella, fue una llamada que cambió el rumbo de su vida. Luego, en una exposición de arte donde estaban los dos, ella llamó por aparte a Chelín para darle las gracias por esa llamada.

“Me dice: tú me llamaste para preguntarme cómo estaba mi tarea hecha. Si ya la había hecho”, Chelín recordó. “Si necesitaba ayuda y el simple hecho de yo recibir una llamada y de acordarme de gente como tú que lo pudieron lograr, me da una gran esperanza y me inspiran a seguir viva. Tú no te imaginas lo que significa pa mí”.

Después de escuchar eso, Chelín se puso a llorar.

Quería decir que su existencia, su cine y su arte salvaron a alguien de quitarse la vida. Ahí fue cuando él entendió que su cine y arte aparentemente importan y cambian vidas. Que él, al tener la capacidad de crear para un acto de habla masiva, necesita tener mucho cuidado con los mensajes que transmite.

Por eso, siempre invita a que todo se haga de la mejor manera posible con la mejor de las energías.

“Porque puede ser el cambio para esa persona a que no se mate”, dijo Chelín. “A que decida empoderarse y decir: no. Yo me voy a dedicar a eso. Porque él me inspiró a mí. Yo voy a ser fotógrafo. Yo puedo hacer el cambio”.

Porque todo esto es parte de su arte y cine que genera una conexión profunda por medio de las relaciones humanas, la gente y la caribeñidad.

“Es como lindo ese portal de voz de la caribeñidad y aparte, el agradecimiento eterno que tengo de poder tener el acceso a los grandes medios de comunicación”, dijo Chelín. “Es lo que me llena de agradecimiento y orgullo”.

Para aprender más de cómo Sebastián Cabrera Chelín hizo sus sueños realidad, pueden seguirlo en Instagram como @cchelin. Él es uno de los múltiples artistas que no está participando directamente con el Centro Cultural de España en Costa Rica, pero quisimos contar su historia de cómo está creando arte y cultura extraordinaria en Iberoamérica.

Para navegar en el mapa interactivo de El Parlante, presionar aquí.